Романское искусство

1. 1. «В белом наряде церквей»
2. 2. Художественный гений Франции
3. 3. В других странах

Термин «романский стиль» (введенный по аналогии с термином «романские языки» и условно указывающий на преемственность от Рима) относится к искусству Западной и Центральной Европы XI и XII вв. До того был упадок искусства, вскоре наступивший после распада каролингской империи.

Славное романское искусство!

В середине XI в. французский монах-летописец Рауль Глабер поделился с потомством на искалеченной латыни — таково уж было следствие «варваризации» Европы — своими юношескими воспоминаниями:

«Вскоре после 1000 года вновь приступили к постройке церквей, и это почти повсеместно, но главным образом в Италии и в Галлии. Их строили даже тогда, когда в том не было необходимости, ибо каждая христианская община спешила вступить в соревнование с другими, дабы воздвигнуть еще более великолепные святилища, чем у соседей. Казалось, что мир стряхивал свои отрепья, чтобы весь приукраситься белым нарядом церквей».

То была эпоха суровая, тревожная, но и созидательная. Эпоха наивысшего развития феодализма, значит, уже не поиска, а нахождения устойчивых форм социальной организации, эпоха новых государственных образований, уже не искусственных или случайных, а органически народившихся с пробуждением национального самосознания. Это была эпоха уже не поиска, а нахождения юной Европой некоего синтеза тех течений, заимствований и традиций, которые, не сливаясь друг с другом, воздействовали на мироощущение раннего средневековья.

Синтез был найден и в искусстве.

Прежде чем остановиться на его общем развитии в ту пору, покажем сущность этого синтеза на примере романской скульптуры, возникшей и расцветшей особенно ярко во Франции.

Вслед за Элладой Древний Рим рассматривал скульптуру как одно из высочайших искусств и придавал ей совершенно самостоятельное значение. Раннее же средневековье тяготело к орнаменту, к чуждому объемности линейному узо- 25 ру, и потому достижения каролингской эпохи не могли быть сами по себе долговечны.

В романском стиле орнаментальное и изобразительное начало согласованы. Сущность найденного синтеза — в сочетании образной выразительности и узорной геометричности, простодушной непосредственности и сугубой условности, изощренной орнаментики и массивной, подчас даже грубоватой

монументальности. Так, в создании отдельных образов романская пластика лишь частично прибегает к деформации, но в их сочетаниях она безоговорочно жертвует жизненной правдой во имя как декоративности, так и основного идейного содержания скульптурной композиции.

Тут же добавим, что такая подчиненность была отнюдь не надуманной, а глубоко органической, лучше всего отвечавшей общей идейной устремленности тогдашнего художественного творчества.

» Зодчество стало во все средневековье ведущим искусством, о чем свидетельствует тогдашнее истинно грандиозное храмовое строительство. Храм был призван объединять «человеческое стадо» в молитвенной покорности богу, как «символ вселенной» олицетворяя собой торжество и универсальность христианской веры.

В раннее средневековье стены храма часто оживлялись узорным орнаментом, по своей сущности геометрическим и абстрактным. Романское искусство — ив этом заключается совершенный им переворот — дополнило, а иногда и заменило такой орнамент изобразительной пластикой, выполняющей в новом качестве его функции. И вот каменная гладь храма оживилась искусно высеченными человеческими изображениями, часто объединенными в многофигурную композицию, наглядно передающую то или иное евангельское сказание.

Членение фасада, сами архитектурные формы определяют образный строй такой композиции. Вот, например, «Тайная вечеря»: Христос, окруженный за трапезой своими учениками. Композиция развертывается на полуциркульном поле тимпана — аркой обрамленном пространстве над дверями церковного портала. В фигурах отчетливо проглядывает живая наблюдательность художника. Но по отношению друг к другу они предстают перед нами не так, как в жизни бывает или может быть. Тут сказались законы декоративного искусства. На полукруглом поле фигуры сидящих за трапезой либо разномасштабны, образуя пирамиду, вершиной которой служит самая крупная фигура Христа, или же стол изогнут вместе с фигурами в полукружие, повторяющее очертание тимпана, и Христос опять-таки восседает над всеми. И в том и в другом случае одновременно, что особенно важно, решены две основные задачи: наглядное возвеличение божества и декоративное заполнение плоскости. Перед нами не штрихи, не завитки, не линейный узор, а человеческие изображения, однако в деталях и в целом построенные подобно абстрактному орнаменту с повторами, чередованиями, скрещивающимися диагоналями, с соблюдением геометрической точности и симметрии. При этом каждая частичная деформация не только способствует декоративности, но и заостряет образную выразительность как данной фигуры, так и всей композиции.

Как прежде абстрактную орнаментику, циркуль и линейка часто регулируют изобразительное искусство, как романское, так и более позднее.

Хоть и относящийся уже к XIII в., альбом французского зодчего Виллара из Оннекура (хранящийся в Национальной библиотеке Парижа) с архитектурными мотивами, равно как и набросками людей и животных, чрезвычайно показателен в этом отношении. Схемой каждого изображения служит четко обозначенная геометрическая фигура.

Человеческие изображения естественно главенствуют в романской пластике, призванной запечатлеть в камне евангельские сюжеты. Но образ зверя не исчез в ней. И чаще всего это образ свирепого фантастического чудовища. Кусая и пожирая друг друга, чудовища переплетаются на стенах христианского храма столь же яростно и неудержимо, как на 27 носу дракара или в еще более древнем, чисто «варварском» художественном творчестве. Этому не следует удивляться. Пусть крепко вошедшая в жизнь новая религия проповедует благость «всевышнего», эта религия включает и веру в дьявола. Злое начало пугает человека, нет уверенности в завтрашнем дне ни у рыцаря в его грозном замке, ни у беззащитного крепостного крестьянина. Но этим не исчерпывается за-

кономерность присутствия фантастического звериного образа в декоративной романской пластике. Извечный «страх зверя» тут усугубляется «страхом вакуума». Как быть? Ведь для заполнения пространства, отведенного архитектурой храма, ваятелю пришлось бы подчас нелепо деформировать фигуры людей или реальных зверей до уродства или до неузнаваемости, т. е. до абстракции. А ведь по самой сути своей его искусство не могло быть таким. Иное дело, когда изображаешь чудовище, чей гигантский коготь, вторая голова или во всю ширь разросшееся крыло лишь усиливает эмоциональную выразительность и общую декоративность сугубо назидательной композиции.

Растущий охват видимого мира в искусстве, равно как и проявление чисто народной фантазии, жуткий характер которой подчас отражал какие-то сомнения, страхи, а быть может, и свободомыслие, все же смущал церковные круги. Так, один из виднейших церковных деятелей Бернард Клер-восский (впоследствии причисленный к лику святых) заявлял с возмущением:

«К чему в монастырях перед лицом читающей братии это смешное уродство или красивое безобразие? К чему тут нечистые обезьяны? К чему дикие львы? К чему чудовищные кентавры? К чему получеловеки? К чему полосатые тигрицы? К чему воины, разящие друг друга? К чему охотники трубящие? Здесь под одной головой видишь много тел, там, наоборот, на одном теле много голов. Здесь, глядишь, у четвероногого хвост змеи, там у рыбы голова четвероногого. Здесь зверь спереди конь, а сзади половина козы, там рогатое животное являет с тыла вид коня.

Столь велико, наконец, причудливое разнообразие всяких форм, что люди предпочтут читать по мрамору, чем по книге, и целый день разглядывать эти диковинки, вместо того, чтобы размышлять над божественным законом».

Церковь требовала безоговорочного принятия религиозной догмы, пуще всего опасаясь, как бы образы внешнего мира да вольный полет фантазии не ввели верующего в соблазн и не подточили его послушания.

«В белом наряде церквей»

Итак, зодчество было ведущим искусством.

Вот что пишет Виктор Гюго в своем знаменитом романе «Собор Парижской Богоматери»:

«В те времена каждый родившийся поэтом становился зодчим. Рассеянные в массах дарования, придавленные со всех сторон феодализмом… не видя иного исхода, кроме зодчества, открывали себе дорогу с помощью этого искусства, и их илиады выливались в форму соборов. Все прочие искусства повиновались зодчеству и подчинялись его требованиям.

Онии были рабочими, созидавшими великое творение. Архитектор — поэт — мастер в себе одном объединял скульптуру, покрывающую резьбой созданные им фасады, и живопись, расцвечивающую его витражи, и музыку, приводящую в движение колокола и гудящую в органных трубах. Даже бедная поэзия, подлинная поэзия, столь упорно прозябавшая и рукописях, вынуждена была под формой гимна или хорала заключить себя в оправу здания… Итак, вплоть до Гутенберга зодчество было преобладающей формой письменности, общей для всех народов… До XV столетия зодчество было главной летописью человечества».

И еще — о самом соборе:

«Это как бы огромная каменная симфония; колоссальное творение и человека, и народа; единое и сложное, подобно „Илиаде» и „Романсеро», которым оно родственно; чудесный результат соединения всех сил целой эпохи… То, что мы говорим здесь о фасаде, следует отнести и ко всему собору и целом; а то, что мы говорим о кафедральном соборе Парижа, следует сказать и обо всех христианских церквах средневековья».

Значит, как о готических (собор Парижской Богоматери — это уже ранняя готика), так и о романских, хотя лишь первые восхитили Гюго. В разные эпохи те и другие воплотили идеал красоты, всю сложность и многогранность мироощущения создавших их великих народов. Да, именно народов, а не теократических олигархий.

Нет сомнения, воинствующий католицизм утверждал всеми средствами свое господство. «Европейский мир, — пишет Энгельс, — фактически лишенный внутреннего единства, был объединен христианством против общего внешнего врага — сарацин… Владея в каждой стране приблизительно третьей частью всех земель, церковь обладала внутри феодальной организации огромным могуществом… своей феодальной организацией церковь давала религиозное освещение светскому государственному строю, основанному на феодальных началах. Духовенство было к тому же единственным образованным классом. Отсюда само собой вытекало, что церковная догма являлась исходным пунктом и основой всякого мышления» 1.

Каково же было при такой гегемонии церкви положение простого люда, призванного в слепом восприятии догмы обрести надежду на спасение в «загробном мире»?

Энгельс пишет:

«Все, что не входит в феодальную иерархию, так ска- с зать, не существует; вся масса крестьян, народа, даже не упоминается в феодальном праве»

Г. В. Плеханов очень ярко обрисовал сам характер и отношение к народу тогдашней правящей верхушки, состоявшей из крупных феодалов:

«Можно сказать, что война была их ремеслом, их единственным занятием. Все остальные рода деятельности они считали низкими и недостойными их звания. И вот, это-то богатое, праздное, воинственное и независимое — феодальное, как его называют, — дворянство выработало свой особый род поэзии, способный увлекать только его, а не другие классы общества. Один из таких владетелей, когда-то знаменитый своим задором и своими песнями, говорит в одной из этих песен, что человек только и ценится по числу полученных и нанесенных им ударов (конечно, мечом, а не кулаком). „Мне нравится, — говорит он далее в той же песне, — когда люди и стада разбегаются перед скачущими воинами… еда, питье, сон — ничто так не манит меня, как вид убитых, в которых торчит пронзившее их насквозь оружие». Вы понимаете, читатели, что такого рода поэзия, такие песни могли восхищать только господ-дворян и едва ли нравились их крестьянам, тем самым „людям», которым приходилось „убегать перед скачущими воинами». Эти „люди» имели свои песни, свои сказки и предания, не возбуждающие ничего, кроме презрения в высшем классе общества…»

Феодал, «когда-то знаменитый своим задором и своими песнями», это Бертран де Брон, один из самых видных провансальских поэтов XII в., так называемых трубадуров.

Вот образчик его поэзии, с непревзойденной откровенностью воспевающей не только радость кровопролития, но и рожденную животным страхом ненависть к крепостным крестьянам (вилланам):

Мужики, что злы и грубы, На дворянство точат зубы, Только нищие мне любы! Любо видеть мне народ Голодающим, раздетым, Страждущим, необогретым!

Пусть мне милая солжет, Ежели солгал я в этом…

Ведь виллан, коль укрепится, Коль в достатке утвердится, В злости равных не найдет, Все разрушить он стремится.

Значит, крестьяне, вовсе не упоминавшиеся в феодальном праве, являлись для феодалов не только основой их благополучия, но и постоянной угрозой. Ведь вот что писал в послании к Реймскому архиепископу современник Бертрана де Брона аббат Этьен:

«На свете есть три крикливые вещи и четвертая, неспособ-30 ная легко успокоиться, — коммуна завладевших властью мужиков, сборище спорящих женщин, стадо громко хрюкающих свиней и расходящиеся во мнениях члены капитула… Мы боремся с первою, смеемся над второю, презираем третью и терпим четвертую. Но, да избавит нас господь от первой…» Вернемся к трубадурам.

Пафос беспощадного феодала, каким был Бертран де Брон, все же не определяет совокупности поэтического

тиорчества трубадуров. Среди них встречались и представите-чм мелкого рыцарства, воспевавшие вассальное служение даме срдца даже в ущерб религиозным обязанностям. Так, один из них заявлял, что благосклонный взгляд его дамы доставляет ему больше радости, чем забота четырехсот ангелов, пекущихся о его спасении». Антицерковная и антифеодальная сатира проявлялась в творчестве трубадуров, в чьей среде были и простолюдины. Так что провансальская поэзия тех премен в целом выражает мироощущение опять-таки достаточно сложное и многогранное.

Вольнодумство вовсе не было чуждо людям того времени. Мы отмечали, что даже сюжеты скульптурного украшения соборов подчас смущали церковь своей вольностью. И недаром тот же Бернард Клервосский обращал внимание папы на то, что «почти во всей Галлии, в городах, деревнях и дамках, не только в школах, но и на перекрестках дорог, не только образованные или зрелые, но и юные, простые и заведомо невежественные школяры рассуждают относительно святой троицы…» Значит, рассуждали повсеместно о том, во что подобало верить без рассуждения!

Ереси были тоже повсеместным явлением. В самом раннем упоминании о них, относящемся к рубежу X—XI вв., рассказывается о простом крестьянине из Шампани Лету аре, который объявил народу, что, умудренный «самим святым духом», он отверг учение католической церкви. Летуар отказался следовать всему, чему «учили пророки», разбил распятие и, главное, призвал крестьян не платить десятины, чем привлек множество народа на свою сторону. Признанный нысшей церковной властью «безумным еретиком» и оставленный испугавшимися приверженцами, Летуар «бросился вниз головой в колодец».

Сто лет спустя, когда ереси стали особенно опасны для церкви, еретиком был объявлен знаменитый Абеляр, крупнейший мыслитель романской эпохи, стремившийся обосно-пать разумом религиозные догмы и смело опровергавший церковные авторитеты.

Равно как и мироощущение того времени, идеал красоты, вдохновлявший романское художественное творчество, отражал очень глубокие, хоть нередко и противоречивые, устремления.

Сирийский писатель XII в. Усама ибн Мункыз, знавший франков, отзывается о них, как о людях весьма примитивной культуры. В самом деле, разве в тогдашней Европе могло быть понято, например, изречение, широко распространенное в арабском мире: «Чернила ученого столь же достойны уважения, как кровь мученика»?

Неотесанные воины феодальной Европы, рыцари-крестоносцы в пернатых шлемах, захватившие в 1204 г. Константинополь (при осаде которого сгорело больше домов, чем имелось тогда в трех крупнейших городах французского королевства), осквернили насилием и грабежом горделивую Византию (как известно, не признававшую папской власти). То были в глазах ее поверженных сынов не благородные паладины с именем возлюбленной дамы на щите и на устах, а разнузданные и беспощадные дикари, в топоте своих тяжелых коней не только давившие живого и мертвого, но и громившие великое наследие Эллады и Рима.

Романский стиль подчас наделяли такими эпитетами, как «простонародный» и даже «мужицкий». Конечно, в сравнении с арабской архитектурой, столь же ярко затейливой и тонко продуманной, как и «Сказки тысячи и одной ночи», или же с утонченным, гениально изысканным в своей одухотворенности и роскоши искусством Византии, романский художественный стиль может показаться несколько примитивным, упрощенно-лапидарным. И все же именно этим стилем средневековая Европа впервые сказала подлинно свое слово в искусстве. Слово веское и неповторимо своеобразное по своей выразительной силе.

Перед лицом арабского мира и уже близкой к закату Византии Европа утверждала свою историческую самобытность и в то же время органическую преемственность художественного наследия античности. Как мы увидим, такая преемственность несомненна, хотя изобразительное начало и приняло в романском искусстве особую форму, во многом рожденную только воображением и, значит, весьма отличную от реальности, как ее понимал Витрувий и даже (в своих мечтах) какой-нибудь мастер каролингской эпохи.

Будь то в большом городе или в городке, церковь как бы служила увенчанием всей средневековой жизни. Часто то было видное издали единственное крупное каменное строение во всей округе, крепкая и величавая архитектура которого победно возвышалась над природой и человеческим жильем. В воскресенье или в иной праздничный день колокольный звон сзывал окрестных жителей в храм. Там, под высокими арками, в обстановке парадной, торжественной, они лицезрели роскошно облаченных священнослужителей, слушали мало кому понятные, но «как медь» красиво звучащие латинские славословия и под громы органа опускались на колени перед алтарем. Совместное моление, совместное участие в ритуальной церковной церемонии рождали в этих, в огромном большинстве, простых людях взволнованно-сосредоточенное настроение, отвлекавшее их от каждодневных тягот и забот. И естественно, им хотелось, чтобы этот храм, где все было так отлично от их будничной жизни, где они собирались не для ратных дел и не для подневольной работы, а для «общения с богом» и забвения в молитве, был бы как можно внушительнее и краше. Храм любили как воплощение всеобщего созидательного усилия, им гордились перед соседями, и каждая христианская община (вспомним свидетельство Рауля Глабера) вступала в строительное соревнование с другими.

Юная Европа только еще приобщалась к изысканной утонченности современных ей более древних художественных культур. Бедность и суровый быт были уделом даже малоземельного дворянства, так что, как и в империи Карла, лишь носители высшей светской или церковной власти жили действительно в роскоши. По меткой догадке Пушкина (в «Путешествии в Арзрум»), бедные рыцари, попавшие на Восток во время крестовых походов, были поражены, когда они «…оставя голые стены и дубовые стулья своих замков, увидели в первый раз красные диваны, пестрые ковры и кинжалы с цветными камешками на рукояти».

В романскую пору юная Европа пожелала украситься в свою очередь, однако по-своему. Так и не достигнув заветной цели — «освобождения гроба господнего от неверных», крестовые походы все же принесли их участникам — набожным, воинственным, но не всегда бескорыстным искателям приключений — богатую добычу, включавшую художественные изделия арабского Востока и Византии, и одновременно значительно расширили рыцарский кругозор. Но, использовав чужие достижения и опыт, Европа сумела отразить в художественном творчестве прежде всего свое собственное, свежее, во многом еще не искушенное мироощущение.

Виктор Гюго отмечал, что устройство христианского храма оставалось одинаковым во все средневековье: «…какой бы скульптурой и резьбой ни была разукрашена оболочка храма, под нею всегда находишь, хотя бы в зачаточном, начальном состоянии римскую базилику». И он добавлял в подтверждение, что ствол дерева неизменен и лишь «листва прихотлива». В самом деле, зодчие романской эпохи, положившие начало «белому наряду церквей», в который оделась средневековая Европа, взяли за образец римскую базилику.

Впрочем, по своему названию «базилика» («царский дом») не римского, а более древнего, греческого происхождения. Да и в Древнем Риме так назывались не храмы, а обширные прямоугольные сооружения, разделенные на несколько частей, где заседали суды и шла торговля. Уже в раннее средневековье христианское зодчество продолжило античную тради-цию, использовав структуру именно таких сооружений, однако не для светских, а для религиозных нужд. Это вполне логично, так как эта структура вполне подходила для христианского храма, призванного вместить перед алтарем возможно большее число молящихся.

Пусть и в новом качестве, преемственность, как видим, все же не была нарушена.

Итак — центральный высокий продольный зал, так называемый неф или корабль, в самом деле придающий церковному зданию вид могучего корабля. К нему с боков примыкают еще два, а то и четыре более низких нефа. С восточной стороны главный неф завершается полукруглым выступом — абсидой, часто в венце полукруглых же небольших капелл (абсидиол). Поперечный зал, так называемый трансепт, придает зданию форму креста. Высокая башня увенчивает место пересечения, являющееся центром храма. Западный фасад чаще всего двухбашенный.

Таков в общих чертах наружный вид романского храма. Раннехристианские базилики имели плоское деревянное покрытие. С таким же покрытием воздвигались и раннероман-ские базилики. Однако пожары, очень частые в лесистой Европе, были пагубны для подобных храмов. Это, в частности, и потребовало введения очень существенного новшества, впрочем тоже восходящего к Риму.

Есть старая истина, согласно которой то, что обеспечивает прочность зданию и лучше всего отвечает его назначению (мы теперь говорим — его функциональности), придает ему и наибольшую красоту. В конце XI в. деревянные покрытия стали заменять каменными сводами, чтобы, как писал современник-француз, «охранить здание от пожаров и одновременно придать его структуре больше совершенства». Совершенство, очевидно, как функциональное, так и эстетическое. Значит, во имя пользы и красоты!

Возведение каменных сводов было делом нелегким. Ведь многие строительные навыки были забыты к тому времени. И тем не менее зодчие юной Европы решили вставшую перед ними задачу созданием цилиндрического свода с подпружными арками в главном нефе. Наиболее характерным достижением явился массивный свод из клинчатых камней.

Внешний облик романского храма и его внутреннее пространство точно соответствуют друг другу. Как снаружи, так и внутри — ясность членений массивных форм, суровая непроницаемость толстых стен, те же строгие соотношения вертикалей и горизонталей, то же нарастание ввысь каменной громады с ее выступами и полуциркульными арками и (одновременно) та же нерушимо уверенная устойчивость ее на земле, в которую, кажется нам, она пустила вечные корни.

Ясность, монолитность, внушительность, возвышающаяся до истинного величия, — вот что характеризует романское зодчество. Суровая сила дышит в нем, сила юная, но себя осознавшая и как бы выставляющая себя напоказ. В этом, пожалуй, коренное отличие романского зодчества от византийского.

В интерьере византийского храма нет видимого становления противоборствующих сил, ибо сложности архитектурных форм соответствует их плавное распределение. Все едино и нераздельно. В противоположность самой основе античной архитектуры византийские мастера стремились в постоянной текучести как бы растворить видимую материю, сгладить возможно полнее ее осязаемую вещественность.

Не таково романское зодчество. Глядя снаружи на романский храм или вступив под его своды, мы ясно распознаем упрямую борьбу мастера-созидателя с неподатливой стихией камня. Суровая мощь в каждой архитектурной детали, четко выявляющей и свою необходимость и свою самостоятельность. Объемы друг с другом спрягаются, но никак не стушевываются в этом спряжении. Мы знаем, для чего поставлен здесь каждый столб, какую он поддерживает тяжесть, какую службу несет каждая арка над столбами, в окнах или в дверях. Вещественность и устойчивость — как в зодчестве Древнего Рима. И люди, строившие романский храм, как бы говорят нам: вот так, камень за камнем, объем за объемом, мы «г воздвигали эту громаду, где нет ничего скрытого, никакой загадки, а есть лишь наша созидательная воля.

Прекрасно искусство древней, все изведавшей Византии. Но прекрасно искусство и юной, все желающей изведать романской Европы.

И вот в нынешней, уже старой Европе, глядя на романские храмы, сохранившиеся до наших дней, мы видим, какой креп-

кой она сразу явилась на свет. А о бурях и распрях, пережитых ею на заре юности, говорят нам развалины замков, что придают всему окрестному пейзажу волнующе-героическую сказочность. Сколько легенд, к которым обращались впоследствии поэты всех европейских стран, связано с этими замками!

Много крови было пролито у их стен в братоубийственных битвах, и много душ загублено в самих стенах из корысти, мести, ревнивой любви или за неповиновение сеньору. В легендах чтили память славного воина, своим могучим мечом пробившего в горах ущелье, названное его именем (Ролан-дова брешь). В таком замке умер, обезумев от печали, пушкинский «рыцарь бедный», что, влюбившись в богородицу, не захотел молвить слова ни с одной женщиной и чья душа едва не попала в ад. Туда являлись добрые феи и злые волшебники, драконы там пожирали своих жертв. Там целый сонм рыцарей посвящал себя служению «святому Граалю» — чудодейственной чаше, вышлифованной из изумрудов, из которой мол якобы пил Христос. Из этих же замков совершали свои разбойничьи набеги сподвижники Бертрана де Брона. Точно так же как храму, но чаще всего с вершины лесистой горы, феодальному замку подобало царить над округой. Крепкой и монолитной была его архитектура, а центральная, обычно трехъярусная башня (донжон) довершала общее грозное нарастание крепостных твердынь. Но все в нем было проще, чем в храме: редко-редко оживлялась орнаментом непроницаемая толщь стен, и ничто не скрашивало общего впечатления неприступности, властно утверждающей себя силы. Так что сам облик замка выражал его назначение.

Даже в развалинах романские замки да грозные зубчатые стены, опоясывавшие тогдашние города, и сейчас надолго приковывают наш взор, сразу же перенося нас в ту пору, когда медленно, но уверенно воздвигалось великое здание европейской культуры.

И вот что достойно внимания: уже в ту начальную пору различные народы Европы выявили в искусстве те черты, которые, развившись впоследствии, определяют поныне неповторимый художественный вклад каждого из них.

Художественный гений Франции

Приведем строки Пушкина, посвященные новому подъему культуры после хаоса раннего средневековья:

«Западная империя клонилась быстро к падению, а с нею науки, словесность и художества. Наконец, она пала; просвещение погасло. Невежество омрачило окровавленную Европу. Едва спаслась латинская грамота; в пыли книгохранилищ монастырские монахи соскобляли с пергамента стихи Лукре-

ция и Виргилия и вместо их писали на нем свои хроники II легенды. Поэзия проснулась под небом полуденной Франции— рифма отозвалась в романском языке; сие новое украшение стиха, с первого взгляда столь мало значащее, имело пиленое влияние на словесность новейших народов. Ухо обра-доиалось удвоенным повторениям звуков, побежденная трудность всегда приносит нам удовольствие — любить размеренность, соответственность свойственно уму человеческому».

Как эти, по-пушкински точные формулировки, подходят и к искусству ваяния, подобно поэзии, тогда же расцветшему тоже во Франции!

Ведь повторы в расположении, в самом строении фигур и орнамента, вносящие в рельефную композицию размеренность, соответственность, не так же ли обрадовали глаз, как ухо — удвоенное повторение звуков? Побежденная трудность и здесь должна была принести удовлетворение уму человеческому.

Нам, русским, одинаково внятны «и острый галльский гмысл, и сумрачный германский гений» (А. Блок). И вот, обращаясь к первому, мы с признательностью воспринимаем и художественном творчестве Франции ясность и стройность намысла и четкость его воплощения, строгую соразмерность мастей и целого — все, что любезно разуму и что одинаково радует нас в таком памятнике классицизма, как парижская площадь Согласия (в которую был готов влюбиться Маяковский), и в романском соборе.

«Архитектура — это искусство вписывать линии в небо». Такое определение тоже находка острого галльского ума. Вписывать в небо — не для того ли, чтобы четкостью разумно созданных форм восторжествовать хоть на миг над его необъятностью и бездонной глубиной?

Посмотрим на фасад интереснейшего памятника французской романской архитектуры — церкви Нотр-Дам ла Гранд в Пуатье. Что это, как не линии и объемы, вписанные в небо? И какие линии, какие объемы! От разума исходящие, циркулем и линейкой в камне определенные и хотя, конечно, не нарушающие функциональности, но ей как бы предшествующие в замысле зодчего.

Ясность абсолютная! Да как ей и не сиять в этом симметричном расположении прямоугольников и треугольников с царящими над ними полукружиями! Всему мера и всему свое место. Любое изменение нарушило бы стройность фасада, закономерность его геометрических форм — ведь только так, вот этой, например, диагонали подобает спрягаться с этой горизонталью, а башням, возвышающимся по бокам, властно утверждать целостность ансамбля. И это пленяет нас, ибо, как сказано у Пушкина, «любить размеренность, соответственность свойственно уму человеческому».

Но этим не исчерпывается притягательная сила французской романской архитектуры.

Под сводами церкви св. Магдалины в Везеле испытываешь особое волнение. Тут линии и объемы организуют по-своему внутреннее пространство, полностью овладевая им, вводят в него свой порядок, членя средний неф на ровные звенья — травеи. Порядок, опять же рожденный разумом. Но чередование вглубь уходящих подпружных арок так торжественно, так мерно, так величаво и в то же время так непринужденно (словно иным оно и не может быть), что буквально дух захватывает от этой красоты, исполненной и глубины и простора. Тонкость удлиненных столбов и изящество высоких членений придают легкость самому камню. А как будто незамысловатый контраст темных и светлых камней, членящих в свою очередь арки, порождает грандиозный живописный эффект. Романская суровость смягчена здесь этой живописностью. А мягкой гармонией целого эта архитектура любезна не только разуму.

…Уже на заре своей истории Франция была единой и многоликой.

Единой (несмотря на соперничество Севера и Юга), ибо обособленной от соседнего германского мира зародилась она уже в первой половине IX в. при разделе империи Карла Великого, значит, еще задолго до того, как феодальная раздробленность была медленно изжита под напором неуклонно усиливавшейся королевской власти. То был процесс закономерный, ликвидировавший феодальную неразбериху. «Что во всей этой всеобщей путанице, — писал Ф. Энгельс о разложении феодализма, — королевская власть была прогрессивным элементом, — это совершенно очевидно. Она была представительницей порядка в беспорядке, представительницей образующейся нации в противовес раздробленности на мятежные вассальные государства»1.

Образующаяся нация! В нее постепенно включались бунтующие графства и герцогства, завершая давнишнюю обособленность французского мира утверждением французского национального государства. И вот в романскую пору создается первое великое поэтическое произведение юной французской нации «Песнь о Роланде» (XII в.), славящее на языке этой нации рыцарскую доблесть и вассальную верность монарху и вдохновенным эпическим повествованием выявляющее основные черты французского художественного гения: ясность, чувство меры, удивительно емкую лаконичность, полностью передающую богатое внутреннее содержание.

Но многоликой Франция осталась и после своего объединения, ибо эта многоликость вытекала из условий исторических и географических, равно как из соприкосновения с другими культурными мирами. Отсюда — и множество местных художественных школ, каждая из которых внесла уже в романскую пору нечто свое, подчас очень существенное для

общего становления французского искусства. Но, несмотря на такой их вклад, известный французский искусствовед А. Фосийон мог утверждать с полным правом, что местные школы французской романской архитектуры «всего лишь различные диалекты одного и того же языка». И то же можно сказать о тогдашней французской скульптуре и живописи. Огромную роль в эту эпоху играли монашеские ордена, особенно бенедиктинский, самый могущественный и богатый, управлявшийся из знаменитого Клюнийского монастыря в Бургундии. Орден этот стремился преодолеть феодальную раздробленность усилением папской власти. Монастырь в Клю-ни, которому подчинялись две тысячи монастырей, стал своего рода центром бенедиктинской церковной империи. Клюний-ские монахи присвоили себе монополию строительства: строили они сами, взяв за основу церковное сооружение, наилучшим образом отвечающее ритуалу богослужения, строго вы-полняемому во всей его сложности. Это требовало особой масштабности в организации внутреннего пространства храма. Главная церковь ордена в Клюни, воздвигнутая монашескими артелями в конце XI в. и по праву считавшаяся самой грандиозной постройкой во всей тогдашней Европе, послужила образцом для ряда других церквей, причем не

только во Франции. То была действительно роскошная пяти-нефная базилика с двумя трансептами, увенчанная восемью башнями, с обходом вокруг хора, обрамленного венцом из капелл. К сожалению, храм в Клюни, который по величине сравнивали с базиликой св. Петра в Риме и который считал-

ся самым внушительным и совершенным созданием французского зодчества того времени, был варварски разрушен в царствование Наполеона I, когда еще не ценили достижения средневекового искусства. Другие дошедшие до нас храмы (как, например, уже упомянутая церковь св. Магдалины в Везеле) свидетельствуют о замечательном вкладе бургундской школы в развитие романского зодчества на французской земле.

Сам материал, которым располагали строители, часто определял особенности той или иной школы. Так, в вулканической Оверни облицовка зданий приобрела очень своеобразную живописность благодаря чередованию кирпича и белого камня с черной лавой.

В Нормандии, где вместе с морскими ветрами проносились бури войны, когда от ее берегов отплывали грозные рати на завоевание Англии, древние романские церкви с их глухими массивными стенами дышат затаившейся мощью, твердокаменной неприступностью. Подлинно храмом-крепостью, непоколебимой твердыней высится церковь Троицы в Кане, башни которой и впрямь оправдывают сравнение с закованными в каменную броню суровыми стражами, охраняющими вход в храм.

Да, верно было сказано, что такая архитектура как бы ставит человека на колени. «Тяжелым молчанием» назвал романскую архитектуру великий французский ваятель Роден.

А на юге той же французской земли, в Провансе, вписы-ииются уже не в серое, а в синее небо несколько иные, но столь же геометрически стройные каменные высоты. Римские колоннады, триумфальные арки и амфитеатры сохранились там и поныне, и эта близость к памятникам античной культуры, воздвигнутым под этим же небом, сказалась на средневековом искусстве Прованса. Порталы с ровными полукруглыми арками, треугольные фронтоны, изящные колонны, капители которых напоминают коринфские, смягчают суровость романских фасадов.

Прекрасны южнофранцузские клуатры — примыкающие к храму дворики-сады, где монахи выращивали фруктовые деревья, лечебные травы и цветы, прогуливались и отдыхали. Садики, расцветающие под ослепительным полуденным солнцем, и длинные тенистые галереи с легкими грациозными колонками, полукруглыми арками и скульптурными украшениями… Храм — рядом, но в клуатре более уютно и ласково. Обычно суровая, романская архитектура находила в своем южнофранцузском варианте нужные сочетания объемов и линий, чтобы создать гармоническое обрамление такому, сулящему отдохновение и радость оазису зелени и цветов.

Сущность романского искусства, его идейная и эстетическая устремленность не исчерпываются такими понятиями, как суровая величавость, аскетизм, нарочитая условность, слепое преклонение перед божеством. Как во всяком великом искусстве, в нем и наследие прошлого, и утверждение настоящего, и ростки будущего.

Известный французский писатель и искусствовед Андре Мальро справедливо заметил, что в сравнении с образами византийского искусства любой романский культовый образ, пусть и глубоко религиозный по духу, представляется нам уже не священным, не отрешенным от мира. Ведь за романским искусством естественно последует готика, а за ней столь же естественно — Возрождение, т. е. возврат к поклонению земной красоте.

Мы уже говорили о синтезе в романской скульптуре условно декоративного начала и изобразительного, причем этот синтез выявляется подчас в гармоническом сосуществовании этих двух начал в одной и той же скульптурной композиции, Вот, например, фигурная композиция в церкви св. Павла в Ис-суаре (Овернь). Группа, украшающая капитель, изображает тайную вечерю. Стол, за которым разместились Христос и апостолы, опоясывает капитель, причем все фигуры обращены лицом к зрителю. При этом каждая фигура в отдельности изображена правдиво, и, глядя на нее, забываешь, что это лишь составная часть округлого каменного орнамента.

Или еще — интереснейшая капитель церкви в Анзи ле Дюк (Бургундия), вошедшая в историю искусства под названием «Акробат» или «Человек-змея». Этот акробат с пружинисто вывернутым змеевидным телом, но с тонкими чертами человеческого лица цепко обвивает капитель, между тем как над ним и под ним узлами и кольцами стелется змея. Декоративный эффект, преобразующий весь облик капители, тут достигается внутренней силой и спаянностью фантастической змеиной гирлянды, сквозь которую проглядывает реальный человеческий образ.

Не жонглера ли показал нам неведомый художник в образе акробата, как бы сроднившегося со змеей?

Во Франции той поры жонглеры и скоморохи были певцами и актерами, выразителями народного художественного творчества, и одновременно — фокусниками, акробатами, дрессировщиками зверей. Вот что, согласно сохранившемуся наставлению, требовалось от жонглера: «Умей хорошо изобретать и рифмовать, умей наступать в состязаниях, умей лихо бить в барабан и цимбалы и как следует играть на мужицкой лире; умей ловко подбрасывать яблоки и подхватывать их на ножи, подражать пению птиц, проделывать фокусы с картами и прыгать через четыре обруча…»

Церковь опасалась жонглеров, усматривая признаки вольнодумства в успехе, которым они пользовались у народа. Но ваятели ведь тоже были выходцами из народа, и они нередко вносили в свое творчество, предназначенное для церкви, чисто светские мотивы, народные корни которых роднили их самих с жонглерами.

В той же Бургундии, в Отене, скульптурное убранство собора являет нам как бы два лика французской романской скульптуры: лик символический, условно фантастический, сугубо средневековый и лик реалистический, земной, просветленно-человеческий.

В тимпане собора «Страшный суд» работы мастера Жиз-дебера, подпись которого сохранилась на камне, что представляет для нас особый интерес, так как имена почти всех, даже самых замечательных, зодчих, ваятелей и живописцев того времени давно канули в Лету.

Рельеф этой композиции очень низкий. Выделена только огромная фигура Христа, непомерно вытянутая, угловатая, с симметрично расставленными руками в миндалевидном обрамлении — сиянии, исходящем от божества, которому должно поклоняться все сущее. И это сущее трепещет у ног Христа в ожидании кары или в надежде на милость. Как крохотны в сравнении с фигурой Судьи фигуры судимых, как жалок и ничтожен весь человеческий род в сравнении с богом. И однако, как отличен всем своим строем от этой фантастики, от этой бесплотности и обреченности рельеф того же собора, изображающий «нашу прародительницу» и «первую грешницу» Еву! Нет, это, вероятно, работа не прожженного ужасом смерти мастера Жизлебера, коленопреклоненного как в молитве, так и в ваянии. Но эту Еву все же создал из камня его современник, его собрат из той же, быть может, монастырской, ремесленной артели. Вот какой многогранной была художественная культура, воспитавшая их обоих.

Тело Евы, показанное горизонтально, очень декоративно в своих волнистых изгибах (эту скульптуру иногда называют «Ползущей Евой»), но это тело живое, сильное и упругое в своей женственности.

Но главное — это лицо Евы. И огромные глаза, глядящие в сторону — в какие-то дали, куда не сразу проникает человеческий взор, и тонкий разрез рта, и овал подбородка, и этот высокий лоб под ровно расчесанными волосами, и рука, о которую оперлась щека, и внутренняя устремленность, что, повинуясь глазам, оживляет каждую черту, и душевная подвижность, что проглядывает сквозь сосредоточенность взгляда, и написанная на челе глубокая дума создают здесь один из самых богатых по своему содержанию, самых значительных женских образов во всем средневековом искусстве. Как много знает, как много пережила и как далеко заглянула в судьбу человеческого рода эта Ева, чье лицо со всевидящими очами кажется нам извечным: и древним, и настолько современным и близким, что представляется, будто оно встречалось или встретится нам в жизни…

Величественны и многообразны шедевры французской романской скульптуры.

В Лангедоке, что на юге страны (но ближе к Испании, чем к Италии), где классическое наследие было менее глубоким и действенным, чем в соседнем Провансе, эта скульптура исполнена динамизма, внутренней напряженности, подчас повышенной до крайности экзальтации. Не общее ли беспокойство умов, характерное для той бурной эпохи, нашло свое отражение в тревожных и мятущихся образах лангедокского искусства?

Скульптурное убранство портала церкви св. Петра в Муасса-ке, вероятно, самое значительное из созданного этой школой. ; В тимпане, как и в Отене, — огромная фигура Христа, но чуть менее вытянутая, более компактная, подлинно «восседающая во славе». По бокам — ангелы со взорами, пристально устремленными к Христу, и звери, традиционно символизирующие евангелистов, в изогнутых неестественных положениях. А фоном для этой монументальной группы служат фигуры старцев, сидящих, как и Христос, на престолах. Фигуры? Нет, фигурки. Но, несмотря на свои крохотные размеры, это вовсе не жалкие личинки наподобие отенских грешников. Рельеф — высокий, каждая фигурка объемна, головы повернуты по-разному; оставаясь на своих местах, эти старцы находятся в движении, странно беспокойном, даже суетливом. Их всего двадцать четыре (как и сказано в евангельском тексте), но они так расшевелились, что нам кажется, будто весь трехъярусный тимпан «кишит старичками». По идее — это мужи мудрые и праведные, недаром венец на голове каждого. Но вглядитесь в их лица. Вот этот как-то насмешливо улыбается, у того во взгляде сквозит любопытство, у другого глаза с хитрецой, один словно глядит исподлобья, другой качнул головой; кто важно скрестил руки, кто ноги, причем у каждого если не своя индивидуальность, то своя особая выразительность. Интереснейшие это старички, подчас даже чудаковатые. Подобных им, хоть и не в венцах, наблюдательный ваятель, несомненно, встречал где-нибудь на церковной площади или на сельской сходке.

Но вся эта беспокойная старческая пантомима из камня — по бокам и у ног Христа — меркнет перед знаменитой статуей апостола Петра, украшающей тот же портал. С ключом в руках он как бы встречает входящих в храм. Вся фигура вытянутая и изогнутая до крайности, выражает такой душевный порыв, такое внутреннее напряжение, такую страстную взволнованность, что мы понимаем: искаженность пропорций тут умышленная, отражающая экзальтацию самого мистера. Огромная вертикаль ноги, маленькая голова, углом наступающее плечо — и параллельно на одной плоскости с го-повой вылепленные руки… Дух мятущийся, огненный ищет здесь своего воплощения в камне. Быть может, не все верно угадано. Но сам порыв, такой властный и искренний, пожалуй, исего важнее для нас.

Как отличен от церковного портала в Муассаке портал церкви св. Трофима в Арле, в самом сердце Прованса!

Кругом — наследие античности, и совсем рядом — Италия.

Вполне нормальных пропорций фигуры апостолов чинно выстроились между колонками с коринфскими капителями. Нам ясно, что ваятель имел перед глазами древнеримские (•татуи философов и риторов. Нет динамизма, нет взволнованности, но зато есть желание приблизиться к спокойному благородству античных форм, впрочем не всегда достигающее своей цели: «варварская» грубоватость ведь еще не изжита.

В целом убранство портала внушительно и гармонично уравновешено во всех деталях, но несколько монотонно. Не по этому пути пойдет в дальнейшем французская пластика в благотворном стремлении воплотить по-своему новый, все яснее выявляющийся идеал красоты.

Этот идеал обретет свое наиболее полное выражение не в Бургундии, не в Оверни, не в Лангедоке и не в Провансе. Увенчания всего французского романского искусства следует искать в Иль-де-Франс, т. е. ближе к Парижу, где в борьбе с феодалами все крепче утверждалась королевская власть и уже в ту далекую пору постепенно выкристаллизовывалась французская нация.

В середине XII в., когда во Франции, прежде чем в других странах, уже наметился переход от романского стиля к готике, французским ваятелям удалось создать статуи, равно замечательные и сами по себе и как детали некоего декоративно-архитектурного целого. В этом отношении фигуры, украшающие западный, так называемый королевский портал знаменитого Шартрского собора, являются высшим достижением всей французской романской скульптуры.

Они стоят, кате колонны, эти статуи предков Христа и пророков. Вытянутые, торжественные, сдержанные в жестах фигуры. Все так, но каждая живет своею жизнью, и каждую мы мысленно можем отделить от соборной стены, представить в одиночестве на пьедестале. Пусть они и проникнуты единым ритмом, причем их пропорции, их тончайшие драпировки и впрямь придают им стройность колонны, лица их по-разному выразительны, по-разному человечны. А женские фигуры — в нарядах и с прическами, какие носили модницы того времени, с длинными, ровно сплетенными косами, обрамляющими их стан. Все образы покойны и величавы, мятущееся беспокойство изваяний Отена или Муассака преодолено в них, но они не застыли, как арльские апостолы. Жизнь глубокая и просветленная дышит в каждой статуе.

Время было все еще бурным. Но жажда успокоения проявлялась настойчивее. Нравы постепенно смягчались, личность приобретала все большее значение. Опека церкви над чувствами и помыслами людей была столь же навязчивой, но уже менее действенной. Человеку хотелось дышать свободнее, полнее проявлять свою индивидуальность. Как раз в городе Шартре возникла философская школа свободомыслия, много воспринявшая от восточной мудрости. Расцветала поэзия, в которой воспевалась земная любовь.

И вот торжественный образ Христа в тимпане того же портала Шартрского собора, один из самых волнующих во всем романском искусстве, исполнен не только величия, но и милости, согревающей сердце доброжелательности. И даже традиционные звери-символы, что окружают его, обычно грозные и настороженные, кажутся нам мирными, успокоившимися.

Еще сто лет назад романская монументальная живопись, часто скрытая под слоями позднейших записей, оставалась для нас почти неизведанной. Ныне только в одной Франции обнаружено около ста фресковых циклов. Покрывая стены, столбы и своды храма, живопись эта играла в его убранстве не меньшую роль, чем скульптура, и таким же было ее религиозно-назидательное назначение. Те же искания, те же чувства и устремления воодушевляли зодчих, ваятелей и живописцев.

Во французской романской живописи, по-видимому, преобладали два направления, которые принято обозначать как «школа светлых фонов» и «школа синих фонов». В первой, особенно распространенной в центральной и западной областях страны, французский художественный гений выявляет себя с наибольшей яркостью и самобытностью; во второй, характерной для Бургундии и Юго-Востока, сказывается шедшее через аббатство Клюни византийское влияние.

В отличие от других фрески церкви Сен-Савен в Пуату почти полностью дошли до нас. Это очень обширный цикл, самый прославленный в творчестве «школы светлых фонов». Живопись — линеарно-плоскостная. Нет даже попытки передать объемность фигур, их положение в окружающей среде, перейти из второго измерения в третье. Тот идеал красоты, который стремился выразить тогдашний художник, ведь и не требовал всего этого. Но зато какая острая выразительность, какой буйный динамизм и какая горячая вера во внутреннюю правдивость изображаемого!

Посмотрите на фреску «Битва архангела Михаила с драконом». Торжествует доброе начало. Стремительно несутся крылатые всадники, лица их вдохновенны и просветленны: чудовищный черный дракон обречен. И раз, несмотря на неестественность фигур и движений, победа правого дела убедительно доходит до нас, значит, художник сумел передать то, во имя чего он создал на стене эти образы.

Знаменитый ковер из собора в Байе по своей сути живописное произведение. На этой огромной настенной ткани, длиной почти в семьдесят метров, вышиты цветной шерстью сцены завоевания Англии норманнами. Повествование медлительное, подробнейшее, но и сколь занимательное, причудливое, столь и правдивое. Тут и приготовления к походу, и сцены боев, корабли, воины (их изображения дают нам точное представление о снаряжении, одежде и оружии тех времен), и кони, то вздыбленные, то падающие прямо на голову с высоко поднятыми копытами. Примечательно, что в этой композиции, строго линейной и плоскостной, но нередко с мотивами, свидетельствующими о большой наблюдательности, раскраска фигур самая фантастическая: воины и кони — синие, розовые, зеленые. Гармонично сочетание изобразительного начала и чисто декоративного.

Французский художественный гений создал в романскую пору ряд прекрасных произведений как в миниатюре (например, Евангелие Амьенской библиотеки с поразительным по своей страстной фантастике изображением евангелиста Иоанна), так и во многих видах прикладного искусства (сверкающая яркими и чистыми красками лиможская выемчатая эмаль завоевала уже в то время всемирную известность).

В богатейшем собрании западноевропейского средневекового искусства нашего Эрмитажа имеется шедевр, очень характерный для исканий и достижений тогдашних французских художников. Это серебряный сосуд-реликварий в виде фигуры дьякона. Несмотря на малый размер, фигура истинно монументальна, причем это уже круглая скульптура (т. е. обозримая со всех сторон); в ту пору такие скульптуры еще не встречались в храмовом фигурно-декоративном убранстве, составлявшем единое целое с архитектурой. Непомерно большие голова и ладони, очень выразительное, скорбно сосредоточенное лицо и типично романский столпообразный корпус при строгой фронтальности всей фигуры. Интересно отметить, что среди камней, богато украшающих реликварий, очень точно передающий дьяконовское облачение, имеются античные камеи и редчайшая большая камея византийской работы. Знаменательная перекличка с классической древностью, красочной «варварской» пышностью и утонченной византийской художественной системой оказалось делом нелегким, духовное единство германского мири проявилось довольно рано и вскоре нашло свое выражение к искусстве. То было единство органическое, но до конца не осознанное, как бы в себе неуверенное, что и порождало и недрах германской нации трагическую неуравновешенность. И это тоже сказалось в искусстве.

В романское время в Германии было создано множество архитектурных памятников, отражающих все разнообразие местных архитектурных школ, из которых наиболее значительными были рейнская, саксонская и вестфальская. Создания первой дают, быть может, самое наглядное представление о тогдашних устремлениях и грезах германского художественного гения.

Эта грандиозность — нарочитая, всячески подчеркиваемая. Многобашенные исполины! И вот что замечательно: вся эта высота, вся эта громада внутренне оправданна — цельность и сплоченность архитектурных объемов настолько впечатляющи, что каменная твердыня собора кажет-ся замкнутой в себе, непоколебимой и непреклонной.

В других странах

Общепризнанно, что Франции принадлежит ведущая роль в истории западноевропейского средневекового искусства. Там уже в романскую пору многие основные течения, достижения и поиски этого искусства нашли свое наиболее четкое выражение во французской скульптуре, архитектуре и живописи.

Однако и в других странах было создано тогда много замечательного, при этом с ярким выявлением национального художественного гения.

Как и Франция, Германия с момента своего зарождения была многоликой. «Священная Римская империя германской нации», образованная в 962 г. под главенством короновавшегося в Риме Оттона I, прозванного Великим, включала самые различные племена, отнюдь не склонные к безоговорочному подчинению императорской власти. Феодальная раздробленность преодолевалась в Германии труднее, чем во Франции. Страна была более отсталой, античная цивилизация коснулась ее в меньшей степени, чем Галлии, так что наследие варварства было в ней сильнее, устойчивее. И все же, хоть саксонцы, швабы, баварцы и франки во многом разнились друг от друга и надежно сплотить их под единым скипетром оказалось делом нелегким, духовное единство германского мири проявилось довольно рано и вскоре нашло свое выражение к искусстве. То было единство органическое, но до конца не осознанное, как бы в себе неуверенное, что и порождало и недрах германской нации трагическую неуравновешенность. И это тоже сказалось в искусстве.

В романское время в Германии было создано множество архитектурных памятников, отражающих все разнообразие местных архитектурных школ, из которых наиболее значительными были рейнская, саксонская и вестфальская. Со-:(дания первой дают, быть может, самое наглядное представление о тогдашних устремлениях и грезах германского художественного гения.

Грандиозность — вот, пожалуй, отличительная черта знаменитых соборов, воздвигнутых в богатых рейнских городах, непосредственно подчинявшихся императору, — Вормсе, Шпейере, Майнце. Эта грандиозность — нарочитая, всячески подчеркиваемая. Многобашенные исполины! И вот что замечательно: вся эта высота, вся эта громада внутренне оправданна — цельность и сплоченность архитектурных объемов настолько впечатляющи, что каменная твердыня собора кажет-ся замкнутой в себе, непоколебимой и непреклонной.

Как высокомачтовый боевой корабль, навеки остановившийся среди моря, расположился своим продольным корпусом над равниной и, кажется нам, над самым городом Вормский собор, облик которого почти не искажен перестройками.

Облик этот не нуждался в декоративном скульптурном убранстве, которое нарушило бы монолитность его геометрических форм. Синтез, найденный во Франции, тут не использован: редкие скульптуры, разбросанные по лодоконникам и галереям, живут собственной жизнью, не сливаясь с архитектурой. И жизнь эта — своеобразная, никак не связанная с культом, которому служит собор. Вот медведица, вот круторогий баран с выпученными глазами, вот зверь, положивший лапу на человеческую голову, а вот и лев, терзающий человека, на лице которого ужас. Чисто народной фантазией дышат эти образы, правдивые и жуткие, на которые как бы наложило свою печать сознание беспощадности, утвердившейся в мире.

Как во Франции на французском языке, так и в Германии на немецком была создана в романскую пору великая национальная эпическая поэма. Но хотя в «Песни о Нибелунгах» солнечный герой Зигфрид побеждает Нибелунгов, т. е. «детей тумана», олицетворяющих темные силы подземного мира, исступленные страсти владеют ее героями, за страшным преступлением следует страшная месть, и лишь ценой ужаснейших жертв свет торжествует над мраком. Как трубадуры во Франции, германские миннезингеры славят любовь, воспевая женщину как существо неземное. Как и во Франции, в Германии процветает так называемая рыцарская культура. Но в германском изобразительном искусстве той поры мы почти не встречаем красивых женских образов и главенствуют в нем не просветленность и ясность, а фантастика, утрировка, мучительное стремление передать глубину мрачных порывов и дум.

Сравните с французской Евой в Отене германскую Еву на знаменитых бронзовых дверях церкви св. Михаила в Гильдесгейме, отлитых в начальный, так называемый оттоновский период романского искусства. Согнутая (как и Адам), она откровенно, некрасива, придавлена ужасом и стыдом под карающим перстом беспощадного бога и в свое оправдание указывает на торжествующего змия. Совсем не пленительный и даже не загадочный ее образ потрясает нас своей щемящей выразительностью, в которой отражена некая безысходность, некая извечная трагедия человеческого рода.

Эта дверь со множеством изображенных на ней причудливых, резко объемных фигурок — шедевр бронзового литья, в котором особенно преуспели германские мастера. Другой, более поздний образец их искусства находится в нашей стране. Это так называемые Корсунские ворота собора св. Софии в Новгороде. Взятые новгородцами в качестве трофея у шведов, они были изготовлены в Магдебурге, крупнейшем центре художественного ремесла средневековой Германии. Склонность к предельной выразительности, подчас переходящей в натурализм, столь характерная для германского искусства, отчетливо проявилась и в их рельефных изображениях.

Итак, в романскую эру, очень бурную в Германии, чьи императоры упорно боролись за власть с папами, где не прекращались кровавые междоусобные распри, где крестьянство жестоко страдало от феодального гнета, а городское население ратовало за независимость от светских и церковных властителей, общая художественная культура отражала, как и во Франции, некую общность мироощущения.

Германская монументальная живопись и особенно миниатюра также оставили нам ряд первоклассных памятников (как, например, фрески и миниатюры школы Рейхенау), радующих нас цельностью и значительностью образов.

Особенности художественной культуры, страны и эпохи сказываются подчас особенно ярко в предметах прикладного искусства. В хранящемся в Эрмитаже самом богатом в мире (•обрании средневековых игральных шашек из кости (их изготовляли главным образом в Кельне) мы видим, как искусно германские мастера заполняли небольшое пространство изображениями людей, зверей и растений, создавая причудливым сочетанием их очень цельный декоративный мотив на нполне конкретную, чаще всего назидательную, тему. Вот, например, шашка немецкой работы XII в., на которой изображен человек, сидящий на дереве и собирающий плоды, между тем как две мыши, белая и черная, подтачивают корни дерева. Эта аллегория смерти заимствована из восточной легенды: дерево символизирует жизнь, мыши — день и иочь, т. е. время, беспощадно ее сокращающее. Так даже в игре искусство наглядно напоминало средневековому человеку о бренности земного существования.

Италия

Летописец, спустившийся в долины Ломбардии вместе с войсками императора Запада, германского и итальянского короля, знаменитого Фридриха Барбароссы, был поражен, что люди, там обитавшие, остались латинянами. «Они освободились, — писал он с недоумением и завистью, — от своей грубости, присущей варварской дикости: воздух, которым они дышат, земля, на которой живут, одарили их чем-то, что напоминает утонченность и благородство римлян. Они сохранили изящество языка и мягкость античных нравов. В строительстве своих городов, да и в самом правлении они стараются подражать ловкости и умению древних римлян».

Какое знаменательное свидетельство!

Стране, которую увидел германский летописец столь отличной от его собственной, была уготована особая миссия в мировой художественной культуре. И это являлось вполне закономерным.

Как гласит средневековая поговорка, «городской воздух делает свободным».

Ранее других стран, где феодальная система была крепче, Италия вступила на новый путь в своем экономическом и социальном развитии. В бурном росте соперничающих итальянских городов рождаются мануфактуры, рождается капитализм. А ведь «капитализм есть благо по отношению к средневековью…»

В эпоху Возрождения жизнеутверждающий идеал свободы найдет свое выражение в новом, вольном искусстве, зачатки которого сказались в Италии уже в романскую эру.

Не в великолепном византииско-романском соборе св. Марка в Венеции, не в роскошном мозаичном убранстве сицилийских церквей (соборы в Чефалу, Монреале, Палермо), да и вообще не в искусстве тех областей Италии, которые испытали владычество или же всестороннее культурное воздействие Византии, мы распознаем первые отчетливые проявления итальянского художественного гения. Там ведь и в те времена все еще торжествовала византийская художественная система.

Типично романское искусство всегда развивалось в ином направлении, чем византийское, славившее в своей изысканнейшей манере (знаменитая в тогдашней Италии «маньера би-зантина») главенство духа над плотью. Гению Италии надлежало преодолеть как застывший византийский спиритуализм, так и суровую монолитность, самодовлеющую, грубоватую силу романского искусства, которые в глазах итальянцев, вероятно, выражали примитивное мироощущение вторгавшихся с Севера в их страну, одетых в железо и кожу неотесанных воинов — наследников варварских королевств.

В столице Тосканы, богатой и вольнолюбивой Флоренции, которую по праву можно назвать колыбелью Возрождения, высится воздвигнутая на холме в романскую пору церковь Сан Миньято (начало XI в.). Да, конечно, эта продолговатая трехнефная базилика с деревянным перекрытием общей своей структурой напоминает раннехристианские храмы. Но ее четко расчлененный по горизонтали фасад уже не просто ил поминает, а предвещает… Вместо обычных для романского зодчества арочных проемов — увенчанные глухими арками прямоугольные дверные проемы с изящными полуколонками. И вся эта гармоническая расчлененность с мягкой игрой вертикалей и горизонталей, повторяемой инкрустациями на фронтоне, как и сверкающая под южным солнцем разноцветная мраморная облицовка, придают фасаду удивительную нарядность.

Город Пиза (что в той же Тоскане) играл в торговых «ношениях в западной части Средиземного моря такую же |юль, как Венеция в восточной. То был в романскую пору крупнейший экономический и художественный центр. И там, :ta пределами городской застройки, на просторном зеленом лугу был создан ансамбль, включающий собор, знаменитую «Падающую башню» и баптистерий (крещальню).

Посмотрим на эти постройки: они по-романски величественны, даже грандиозны, и совсем по-новому легки и изящны. Перед нами как бы целая арочная симфония. В четыре яруса выстроились над цокольным этажом собора аркатурные галереи с тонкими беломраморными колонками. А «Падающую башню» (так названную из-за ее наклона, вызванного оседанием почвы еще во время постройки) опоясывают целых шесть этажей из легких колонных аркад. Кажется, вся она состоит только из них, чудесной спиралью властно подымаясь над лугом.

В Италии, где скульптура получила особое развитие, работали художники, чьи имена уже выражают для нас конкретную художественную индивидуальность. Таков мастер Вилиджельмо, несомненно изучавший античную скульптуру, в фигурах которого драпировки служат уже не просто выразительным украшением (как в современной ему французской пластике), а выявляют реальную структуру тела. Таков Бенедетто Антелами, в конце своей жизни создавший статуи, обособленно стоящие в глубоких нишах (что являлось значительным новшеством), и основавший целую школу ревностных последователей.

В романском стиле нашли свое художественное воплощение тогдашние идеалы, тревоги и устремления всего западного феодального мира, прямо или косвенно уходившего своими корнями в наследие Западной Римской империи.

Как мы видели, в едином романском потоке нашли свое выражение нарождавшиеся национальные культуры. Самобытные черты, присущие уже в эту эпоху историческому процессу, а следовательно, и искусству Франции, Германии и Италии, проявятся затем более отчетливо. То же можно сказать и о других национальных культурах Западной Европы, вклад которых в искусство был часто очень значительным.

Источник: Любимов Л. Д. «Искусство Западной Европы. Средние века. Возрождение в Италии»

Символизм в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Символизм – жанр живописи, возникший уже во время становления новых государств, в начале двадцатого века. Во время того, как в разных уголках планеты художники боролись за фактическую революцию в изобразительном искусстве, многие страны не могли позволить себе так ярко выражать протестные настроения. Приходилось обходиться литературными приемами, благо, немногие могли усмотреть завуалированные идеи в рамках живописи.

История создания

Так как в Советском Союзе нельзя было явно выразить определенный протест, художники научились использовать символизм, в качестве своего основного оружия. При этом, жанр живописи был придуман во Франции, но был забыт, и снова использовался только во время немецкой оккупации второй мировой войны. Общество правда, быстро перешло к экспрессионизму, и попытке свергнуть террор звучными листовками, и призывами к войне. В стране же советов, художники не могли идти против своих же лидеров. И старались драться за ум жителей, а не выводить их на убой.

Символизм изначально не имел никакого стиля написания. Художники лишь апеллировали идеей, но сначала, очень топорно.

Средний период

Но после, появились первые интересные образы. Вообще весь символизм завязан именно на образности мышления, и лишь создав интересную затравку, можно было и дальше развивать картину. Так символизм впервые пережил изменение. Появились четкие правила игры, которые, могли и нарушаться, если на это была своя причина.

Творчество многих художников зависело напрямую именно на литературе. Можно сказать, что на протяжении всей истории жанра, его вели вперед сразу два фактора – осведомленность зрителя, и игра на этом знании со стороны художника.

Настоящее время

Сейчас символизм остался, но в совсем другой форме. Жанр живописи сумел пережить трудные времена, но ушел на новую дорогу конечного восприятия. Теперь символизм разделился. Появился предметным символизм – когда те или иные качества пытаются объяснить посредством схожести людей с какой-нибудь вещью, и психологический символизм.

Первый иногда показывается в форме инсталляций, когда второй стал только воплощением живописи. Картины показывают личность, но посредством искажения ее роли в нескольких парадигм сразу. Именно поэтому, многие относятся к современному искусству с легкой настороженностью. Не совсем понятно, как именно трактовать многие картины двадцать первого века.

Романский стиль в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Романский стиль – жанр живописи, имеющий четко оговоренные рамки существования. Так уж вышло, что существовал он всего лишь с 1000 века нашей эры, по 1200 век. За все время своего развития, жанр менялся, и развивался в разные стороны.

История создания

Так как романский – смесь двух слов, римский и нормандский, то и искусство, обозначенное этим определением, имеет очень узкий спектр для понимания. На самом деле, помимо того, что живопись данного периода имеет очень узкий потенциал для восприятия, так она еще и завязана на только двух темах, которые можно выделить сразу же во время обсуждения романского искусства.

Все картины, если смотреть на них и по дате создания, и по стилистике написания, показывают или власть в форме королевства, что меняет жизнь человеческого общества. Или вездесущего бога, что искренне верит, что именно он может спасти жителей деревень от гнева тирана. По сути, большинство работ, написанных в романском стиле, на религиозную тему, могут считаться нами как иконы того времени. Только вот, фактически, это неправда. Католическая церковь никогда не зависела от изображения святых в качестве отдельных форм живописи. На подобных верованиях завязана только ортодоксальная церковь.

Средний период

Средний период романской живописи начинается примерно с 1140 года. Именно в тот момент времени, уже начались, как и смены планов, так и выбор иных сюжетов. Например, многие художники старались уйти в изображение именно человека, и его роли в социальном строю. Не у многих получалось проделать глубокую работу, но зато, в сам момент осознания подобной возможности жанра, люди сразу же спешили донести подобное мировоззрение до толпы. Правда, не всегда удачно.

Смена формы, и смена стиля написания – вот и все перемены, что произошло в середине пути романского жанра живописи.

Настоящее время

Сейчас романский стиль живописи по объективным причинам ушел на второй план. Люди больше не смогли идти по старой творческой тропинке, и решили вместо нее выбрать нужный только им формат конечного творчества.

Теперь романский стиль стал историей, по которой принято смотреть и за развитием творчества как жанра, и за тем, как именно он влиял на конечного потребителя в определенным временной отрезок. Нельзя сказать, что романский стиль привнес много нового в живопись. Он просто был формой ее реализации в течение двухсот лет.

Рококо в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Рококо – высшая форма барокко, доведенная до конечного состояния. Стиль живописи, в котором форма выставлена как основная деталь любой картины. Никто точно не знает, в какой именно момент времени произошла деградация жанра. Многие считаются, что изначально барокко формировалось только вокруг идеи смены параметров ренессанса, и сам стиль изобразительного искусства не имел фактической доказательной базы.

История создания

Рококо появился на изломе времен, когда предшественник жанра, барокко, постепенно начинал сходить на нет. Так как основная политика самого стиля была сосредоточена вокруг именно формы, все последующие работы по-своему использовали эту основную идею. И в какой-то момент времени, форма вдруг вышла на новый уровень. Она появилась в качестве высокопарной модели, и превозносила именно жизнь сильных мира сего, совершенно забыв про обычного человека. По своей природе, рококо впервые подняло на свет те темы, что были забыты еще в период романского стиля. Но если тогда художники, не зная других вариантов использовали жизнь королевских особ, выставляя их в ореоле религиозного поклонения, то последователи рококо осознанно шли на этот шаг.

Средний период

Впервые теория быстрых мазков появилась вовремя уже позднего рококо, и изображалась не во всех картинах. При этом, из-за фактического отказа от обрисовки созданных моделей, художники были должны были создавать только полные образы, не сосредотачиваясь на том, чтобы линии существовали как вид жанра, что помогает творцам, а не мешает им.

Именно поэтому, рококо принято считать основой романтизма . Сам стиль размытой подачи картин, и их быстрое производство, связано именно с тем, что продажа творчества сейчас происходила в несколько этапов.

Настоящее время

Сейчас те формы, что принимали картины рококо не принято считать классикой. Многие художники отказались от основной концепции барокко, и приняли последующие идеалы, используя их лишь частично. На смену формам пришла игра со цветом. Только под конец творческой мысли разница школ стала ощущаться. Изобразительное искусство всегда менялось, и только теперь, можно посмотреть на призму созданных творений, и понять, как именно. Например, если проводить параллель между рококо и готикой , то картины также перестали нести коммерческую модель восприятия, и снова перешли в статус общественного достояния.

Ренессанс или Возрождение в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники стиля

Ренессанс или Возрождение – стиль искусства, возникший сразу же после Готики. Обозначает определенный момент в истории мирового общества, когда все сферы жизни вдруг начали подниматься заново вверх. Если воспринимать ренессанс как изобразительный переход от четких стандартов к более плотному засилью идеи, то в этом плане, художественный стиль унаследовал саму идеологию готики, а после вывел ее на новый уровень.

История создания

Ренессанс и его последующее развитии очень плотно зависело от денег, которые вкладывали в жизнь отделенных от центра городов. Так очаг возрождения пришелся именно на маленькую Флоренцию, что не имела никакой власти, до того момента, как к управлению города пришла семья Медичи. Именно они сумели за короткий промежуток времени создать саму идею нового творческого посыла, и продать ее людям, посредством укрепления национальной валюты. Именно поэтому многие художники, известные и по сей день, приезжали именно во Флоренцию, чтобы уж точно продавать свои картины, и иметь всегда деньги на свой честно заработанный хлеб.

Средний период

При этом, возрождение закончилось очень быстро. Если остальные жанры существовали буквально несколько веков подряд, то ренессанс пролетел за несколько десятков лет, а потом закончился, когда семья Медичи потеряла свою власть, и не смогла больше спонсировать живопись. При этом, в этот же момент времени художники впервые задумались о линии, и о ее роли в изобразительном искусстве. Если до этого, все всегда воспринимали линию как фактическое обрамление созданных на холсте образов, то сейчас были целые работы, показывающие, что при должном раскрытии темы, линии могут быть отдельным видом стилистической подачи, и существовать отдельно от идеи.

Настоящее время

Ренессанс создал современный мир, сделав огромный вклад во многие существующие жанры. Вобрав лучшие стороны предшествующих ему жанров живописи, он сумел использовать их посылы, и переосмыслив, выдав в совершенно ином виде. Изобразительное искусство получило множество отличных картин, которые и по сей день радуют глаз зрителей.

Однако, если бы ренессанс продлился еще дольше, то многие художники, по оценкам аналитиков, перестали бы стараться, так как их творчество все равно покупали на рынке. Так что, крах богатой семьи банкиров, ознаменовал переход искусства в сторону коммерческой продажи творчества.

Художники стиля

• 

  Питер Пауль Рубенс

• 

  Микела́нджело Буонарро́ти

• 

  Эль Греко

Поп-арт в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Поп-арт – жанр живописи, существовавший с начала 1950 года, и по 1960. Все это время авторы старались изменить саму модель восприятия окружающего мира. Если абстракционисты до этого показывали общество потребления как саму горечь капитализма, то теперь все существующие образы потерпели переосмысление. На первое место вышла сама нужда в трате денег, выраженная путем создания рекламы .

История создания

Реклама существовала и до этого момента. Так уж вышло, что самый первый рекламный плакат появился еще в Китайской Империи в девятом веке. И тогда, подобная тактика продажи имела совершенно другую логику. Клиенту было легче визуализировать товар, и реклама не старалась продать его, опираясь именно на вкусовые качества потребителя.

Поп-арт впервые задался вопросом – что именно людям нравится в картине. Художники старались не придумать идеологию, и новые механики написания картин. Они лишь анализировали предпочтения общества, собираясь после использовать их для одной простой цели.

Если изучать, как именно на жизнь зарабатывали художники этого периода, можно увидеть все именитые личности в различных рекламных агентствах. Появляется определение мягкой рекламы. Или же, «реклама чупа-чупс».

Средний период

Именно поэтому, уже спустя пару лет, поменялся сам стиль продажи разных товаров. Реклама стала использовать только выделенные в отдельный блок цвета, которые сразу же склоняли потребителя на сторону продукта. Пришла простота формы. Жирные шрифты, и размашистые мазки. Яркие краски, выполненные в сжатых оттенках. Картина стала тиражироваться путем ее появления на различных носителей. И при этом, сам жанр живописи ни капли не менялся, на протяжении всех десяти лет.

Настоящее время

История поп-арта – это история рекламы. Буквально за десять лет художники сформировали рынок, создав такое направление скрытой психологии, как маркетинг. Подмена понятий убила основную идею абстракционизма. Если раньше общество потребления высмеивалось, то теперь можно было смело сказать – я потребляю, значит я существую. Такие термины, как глянец, матовый, аллюры, вышли вперед именно в этот период времени.

Поп-арт существует до сих пор. По факту, это второй по величине жанр живописи, которые используется для создания тех или иных картин. Правда, теперь он перешел в формат фотографии.

Художники стиля

• 

  Ричард Гамильтон

Модернизм в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники стиля

Модернизм – стиль живописи, возникший в конце девятнадцатого века. Обусловлен появлением нового поколения художников, что до конца не хотели копировать идеалы своих предшественников. Так уж вышло, что сама идея играть с формой пришла к ним именно от барокко. Многие авторы именно в тот момент времени начали переосмыслять работы предшествующего творческого класса. И менять само понимание формы, но не с точки зрения цвета и линий. А в геометрическом плане. .

История создания

Модернизм появился как явный протест, и имел особую предысторию. Так как старые авторы по факту, захватили сам рынок продажи картин, молодые дарования не могли выставляться в том же зале, что и именитые художники. На полном серьезе нужно было спрашивать разрешение не владельца галереи, а именно именитого мастера кисти, что создавал выставку, и занимал весь зал.

Естественно, начали появляться подпольные заведения. И как протест против устоявшихся правил, художники начинали менять саму подачу идеи, сжимая ее, обрезая в самых ненужных местах. Все это делалось для двух целей – обозначить протест, и завлечь зрителей, которые должны были заплатить за просмотр.

Средний период

После модернизм разделился на несколько направлений. И именно этот момент и принято считать серединой его пути как жанра живописи. Появился экспрессионизм, поп-арт, стилизм, архаизм. Все этики стили были в первую очередь повязаны на повороте формы, и подачи ее в совершенно ином виде. Но теперь, поверх этого факта, крепился также и фактический перестрой всей созданной с нуля системы, и подача конкретной идеологии под каждый случай.

В большинстве своем, уйдя в иную грань, художники больше не считали себя протестной волной. Многие сумели заручиться поддержкой галерей, и продавать свое творчество на массовом рынке.

Настоящее время

Сейчас же, из всех разветвлений модернизма, большинство стилей осталось жить и по сей день. При этом, лишь единицы стараются наследовать идеалы старой школы. Большинство жанров живописи просто канули в лету. По сути, если анализировать все существование живописи как изобразительного искусства, можно сказать следующее. Живопись в третий раз забыла все прошлые критерии, закрепленные до этого авторами. И начала заново выбирать себе путь, развиваясь только, намного быстрее, чем в прошлом. Скорее всего, через пару десятилетий, придет новая волна новаторов.

Художники стиля

• 

  Пьер Огюст Ренуар

Маньеризм в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники стиля

Маньеризм – стиль живописи, возникший после ухода ренессанса. Определяется многими художниками как часть барокко, хотя, на самом деле, в эпоху неопределенности, и проблем, что привнесло после себя возрождение, люди не могли принять господство одного конкретного стиля. Постоянно хотелось видеть новые возможности изобразительного искусства, так что, было решено разделить исторические периоды, обозначив маньеризм именно как переход от ренессанса к барокко. Многие правда, называют этот период, как эпоха смуты.

История создания

Маньеризм появился сразу же после смерти ренессанса , хотя, многие художники еще не до конца понимали, что же это такое. После возрождения появился конфликт души и тела, и, если картина не могла изобразить нужные параметры для восприятия публики, ее нельзя было продать. И тут уже встает очень простой вопрос, на который пришлось ответить многим художником. Для кого именно они пишут свои работы. Кто именно их конечный зритель?

После осознания главной части всего творчества, зрители решали, уже формировали работу художника, и можно заметить, как в плане идеи на первый план выходят обычные бытовые проблемы. Но пока что еще, с неким подтекстом.

Средний период

Спустя пять лет после своего создания, маньеризм сумел сформировать собственные взгляды на многие проблемы. Теперь художники отказались от толстых линий, выделив тонкие способы обводки образом. Фона перешли в разряд дополнительного пространства для творчества, и художник получил возможность использовать их как продолжение своей идеи.

Масло стало существенно гуще, чтобы цвет сумел блистать даже под палящими лучами. Состав краски изменился только благодаря тому, что теперь ее делали с конкретной целью - работа должна понравится публике, иначе, она создавалась зря.

Настоящее время

Теперь, когда многие рассматривают творчество именно как переходный аспект между одним изобразительным стилем, и другим, пропала его фактическая ценность. И вина даже не в том, что в этот период картины создавались только для личных коллекций, или же, по иным коммерческим предложениям. Основная проблема маньеризма заключается в том, что сразу же последующий жанр живописи уничтожил все наработки предшественников. По-новому смотря на старые проблемы, и предлагая уже совершенно иное решение. Правда, коммерческая сторона вопроса никуда не ушла.

Художники стиля

• 

  Питер Пауль Рубенс

• 

  Микела́нджело Буонарро́ти

• 

  Эль Греко

Кубизм в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники стиля

Кубизм – стиль живописи двадцатого века, вернувшись в изобразительное искусство само понятие формы. Если раньше художники старались придумать иные воплощения объектов, и перенести их посредством разных техник написания, то сейчас все картины стали обладать одним форматом. Брался любой предмет, и раскладываться на три грани. Трехмерные объекты показывались с необычной стороны, и разбирались с точки зрения геометрической плоскости .

История создания

Кубизм появился во Франции, во время великой депрессии. Ко власти пришел Шарль де Голль, и командир старался привнести в страну немного свободы. А точнее, исправить ошибки вишистского командования, и вернуть стране былое величие. Именно в этот момент, когда люди увидели возможность снова вернуть историю на круги своя, появились и творческие желания доказать большинству, почему же Франция остается в списке великих держав победительниц.

Кубизм появился по трем причинам. Во-первых, форма как часть картины существовала всегда, но никогда не изображалась с такой стороны. Во-вторых, художники перестали зависеть от материальных ценностей, и начали создавать работы только для себя. И, в-третьих, кубизм позволял развить изобразительные навыки, и части использовался именно как часть обучения.

Средний период

Как только кубизм вышел за пределы Франции, начался его расцвет. Вобрав в себя саму идею, многие художники вынесли из кубизма именно то, что и закладывалось в его фактическую основу – свободу форму. Теперь не нужно было обосновывать изображенное на холсте действо. Можно было просто без труда сказать, почему художник видит его именно так, и никак иначе. Уже после, современное изобразительное искусство вобрало в себя ключевые особенности предшествующего жанра. Так что, можно считать, что кубизм стал новым ренессансом для живописи .

Настоящее время

Сейчас кубизм никуда не ушел. Художники до сих пор используют трехмерное разложение предмета, тем самым продолжая работу своих коллег по цеху. Точно неизвестно кто именно идет во главе самой идеи сделать разложение интересным. Единственный минус подобной техники заключается в том, что очень часто, художники начинают искажать изображение, используя данный перенос мыслей на холст с одной целью. Искусственно усложнив работу, и предав ей вид особой, далекой до мирских идеалов живописи.

• 

  Пабло Пикассо

• 

  Казимир Северинович Малевич

• 

  Жорж Брак

Классицизм в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Классицизм – стиль живописи, возникший уже после рококо. Ознаменует период второй смуты, что полностью уничтожает все созданные до этого школы. Именно из-за этого, все изыскания современных художников смотрятся как нечто новое, созданное только недавно. Но на самом деле, многие идеалы, что существуют сейчас, уже были созданы до этого.

История создания

Классицизм ознаменует уход в сторону античной идеологии. Художники начали черпать свое вдохновение только из Римских легенд, и греческой мифологии. Именно по этой причине, практически все наработки, что существовали еще со времени готики, снова обнулялись. Художники предали все навыки, изученные до этого. Идея строить картины вокруг формы, или же, вокруг определенной подачи линии, снова перешли в состояние поиска.

Но теперь, в центре картин стали появляться легенды и истории прошедших эпох. Картины стали мифологическим воплощением текстов, полученных в результате первых раскопок в труднодоступных регионах. По сути, с развитием поисков начало человеческого общества, менялся и социальный строй. Художники занимались осмысливанием исторического роли государств, и по-своему видели их.

Средний период

При этом, как и с готикой, каждая страна по-своему видела классицизм. Если в Российской Империи это в первую очередь, принесло новый стиль архитектуры, то в Англии и Франции художники начали заниматься творчеством по специальной программе от государства. Появились первые академию художеств, построенные вокруг именно спонсирования мастеров пера посредством выделения им как мастерских, так и отдельных коллективных студий. Из-за того, что по обмену начали приглашаться именитые мастера, ученики стали видеть устоявшуюся модель творческой мысли.

Настоящее время

Классицизм не зря называется второй художественной смуты. Все работы писались под фактическим гнетом власти и социальных норм, принятых на том моменте. Не появлялись интересные идеи, да и сама модель восприятия живописи нисколько не изменилась. По сути, произошел застой идеологии, когда никто не мог придумать новых путей реализации изобразительного искусства.

Если смотреть на стиль живописи, и сравнивать его с другими, то сразу же бросается в глаза его схожесть со многими первыми ступенями, от которых уже ввысь шли новые течения. Только вот, если учесть, что до этого творчество уже менялось, по сути, за семьсот лет, изобразительное искусство ни к чему не пришло.

Импрессионизм в живописи

1. 1.Россия
2. 2. Англия
3. 3. Франция
4. 4. Художники стиля

Импрессионизм в живописи – многогранное явление, которое все время преподносится со стороны как явление истинной формы цвета и тени. Но на самом деле, направление отличает совершенно иными техниками, и совершенно иными именами. Сделавшими данный вид изобразительного искусства ключевым для двадцатого века.

Весной 1874 года во Франции была открыта первая выставка Анонимного общества художников, граверов, скульпторов и пр. Вскоре художников этого общества станут называть Импрессионистами, они совершат огромный прорыв в искусстве и даже будут считаться классиками.

Но на момент выставки работы мастеров общества н нашли отклика у широкой публики, так как техника написания противоречила всем основам академизма. Их не допускали в Салон, единственное место где могли на тот момент выставляться и продаваться художники. Так как приверженцев импрессионизма становилось все больше и больше был организован «Салон отверженных» при поддержке императора Наполеона III.

Новое направление не представляло собой чего-то единого, мастеров объединяло нежелание творить в устаревшей манере точных линий и гладких полотен и соответствовать требованиям академического жюри.

Импрессионисты стремились показать окружающий мир таким какой он есть, передать его подвижность, вырвать момент из жизни. Художники этого течения начинают писать на пленэре, без эскизов и проработки деталей, работа над цветами и нанесением мазков, которые придают подвижности работам. Экспериментируют с цветом и полутонами, создавая эффект светотени. Многие из импрессионистов отказываются от использования черного и прорисовки контуров.

Само название данного течения появилось благодаря названию картины одного самых влиятельных его представителей Клод Моне «Впечатление. Восход солнца.» Impression c французского переводится как впечатление. Свое название импрессионисты поучили в шутку от журналиста, который после посещения выставки написал высмеивающий фельетон о ней.

Таких выставок в последующем было еще восемь, и все производили большой резонанс в обществе. Последняя прошла 1886 году. За двенадцать лет которые просуществовало данное направление был совершен прорыв в искусстве из импрессионизма вытекли другие стили, такие как неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм. Художники, которые оставили неизгладимое впечатление и сделали огромный вклад в развитие искусства. Среди них можно выделить Клода Моне(«Стога сена», Эдгара Дега («Абсент»), Пьера Огюста Ренуара («Пруд с кувшинками»), Эдуарда Мане («Завтрак на траве», Камилла Писсарро («Жатва близ Монфуко») и многих других

Стоит выделить несколько стран, где импрессионизм имел большее влияние:

Росиия

Импрессионизм в России был связан с фактическим переосмыслением роли обычного человека. В результате на нет сошли прежние догмы, что художники старательно доносили до зрителя.

Ушел воздушный настрой. Теперь пришла пора считать деньги. В стране начались серьезные проблемы с экономикой. Общество изменилось, решив полностью сосредоточиться на поиске денег. Художники первые ощутили такие перемены. Государство решило перестать спонсировать их проекты, отправив многих в свободное плавание.

Теперь призвание стало работой. Художники самоучки вышли на первое место. Продать картины им удавалось лучше, так как умы понимали конечного потребителя. Расцвет импрессионизма в России связан с обычным желанием заработать денег. Материальная культура сопровождает данный жанр до конца его правления.

Стоит выделить следующие имена, которые стали властвовать в данном жанре. Константин Коровин, и Валентин Серов. Два известных художника, каждый из которых, придерживался своей идеологии.

Коровин старался придать жанру легкий оттенок этюдности. Нужно было показать, в каких условиях человек задумываться о личном богатстве. Известная картина, отражающая личную мораль художника – «В лодке». Написана мягкими цветами, шпатель обрабатывал тонкие углы лица главных персонажей.

Картина покрыта сверху тонким слоем акрила, дабы цвета держались поверх. Работа была тепло принята критиками, которые после нарекли Коровина «Русским Моне».

Серов же хотел показать потерянную личность, что обитает в рамках материализма. Он никогда не любил деньги, но нужда заставит вас полюбить финансы, если вы не хотите. Стоит отметить сразу несколько работ художника.

Известная картина «Девочка с персиком», в котором автор старался донести нужду, так как он видит ее сам. Картина «Пруд в Абрамцево» относится именно к импрессионизму, хотя и является пейзажем. Автору удавалось добавить финальному произведению два штриха, чтобы работа принимала тут же форму иного значения.

Англия

Импрессионизм в Англии складывался вместе с переменой в обществе. Начались волнения снизу, так как люди захотели собственные права в многих аспектах социального строя. Искусство, особенно изобразительное, начало быть жизнью простого человека, так как рабочим хотелось потреблять знания, а не абстрагироваться от них.

При этом, импрессионизм во всех странах, кроме России, не прожил долго. Так уж вышло, что уже первая волна художников поняла, насколько бедны их инструменты донесения конечных мыслей. Мимикрировать под другие стили было нереально. Оставалось только существовать в заданной парадигме, подчиняясь ей.

Стоит выделить следующие известные имена английских импрессионистов. Эдвард Сигоу, Кларк Познани. При этом, оба мужчины были одной школы мастеров.

Разница только в том, что работы Сигоу даже сейчас все еще продаются с лотков, когда как Познани ушел в неизвестность. Сигоу имел следующие запоминающиеся работы – «Венеция под дождем», «Сеновал около пляжа в Вирбухте», «Детвора на площади Святого Марка». Все работы изображали массив города, и сам автор видел импрессионизм именно так.

Франция

В апреле 1874 года несколько молодых дарований пошли вразрез с официальной школой живописи Сорбонны. Идея была одна – перестать следовать старым форматам написания картин, и перестать считать, что весь мир можно смотреть только под одним углом. Нужно было изначально поменять свое мировоззрение, дабы после показать людям, что именно можно достичь, если заниматься только их проблемами.

В основном художники даже изменили финальный стиль. Раньше работы были обрисованы, действовало немое правило «Ста двадцати касательных мазков». Теперь использовались совершенно иные формы, и совершенно другие критерии. Акцент делался на скорости написания, а не на его качестве.

Неаккуратные линии, отсутствие обработки картинки стали козырем ранней школы импрессионистов. Авторы старались передать биение жизни, и по их логике, жизнь не может существовать в отдельных структурах. Она либо есть на холсте, либо ее нет.

Стоит выделить следующие имена, известные и по сей день. Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро. Эти мастодонты новой художественной школы теперь продаются по всему миру. И многие действительно не понимают, почему.

Клод Моне рисовал только короткие наброски. Художник старался показать миг жизни, поймать его в свой объектив. Для него было важно узреть корень проблемы, а уже потом рассказать о ней всему миру. Из ключевых работ стоит отметить – «Вокзал Сен-Лазар в Париже, прибытие поезда», «Фестиваль в Париже».

Прибытие поезда имеет минимальную прорисовку. Образы неясные, размытые. Картина писалась всего за месяц, что по старым меркам – крайне маленький срок. Первая выставленная на большой рынок работа, которая тут же снискала всемирную славу. Правда, критики до последнего старались опустить творца, так как импрессионизм не нравился никому из их брата.

Пьер Ренуар написал такие работы, как – «Завтрак Гребцов», «Зонтики», «Ложа». Его цель была изобразить людей, которые и представляют, по его мнению, миг как данность факторов. Работы обрисованы, каждая занимала на стадии прорисовки около двух месяцев. Использовалась боковая кисточка, и глянцевые подборки, которые позволяли обводить одну сторону картины, не пачкая противоположную.

Камиль Писсаро написал такие работы, как – «Бульвар Карла Бринелли», «Проспект Сент Жерман». Автор старался показать жизнь сверху, и на создание работ у него уходило около полу года. Именно по этой причине юноша и был исключен из кружка.

Художники стиля

• 

  Пьер Огюст Ренуар

• 

  Эдгар Дега

• 

  Константин Коровин

• 

  Валентин Серов

• 

  Эдвард Сигоу

• 

  Клод Моне

• 

  Камиль Писсарро

• 

  Казимир Северинович Малевич

• 

  Эдуард Мане

Готический стиль в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Готика – жанр живописи, возникший в начале 1200 года. Ознаменовал переход от романского стиля к более продвинутой технике, при этом, сохраняя его частичные изобразительные формы и навыки. В основном готика разделяется по странам, где она происходила во множестве случаев. Принято считать, что на самом деле готического направления ознаменует фактического начало средневековья.

История создания

Готика появилась сразу же после окончания романского стиля, и впервые была замечена в Англии. Так как не все страны сразу же перешли на новые изобразительные формы, само развитие готики происходило следующим образом. Как только жанр умирал в одном государстве, сразу же появлялись новые представители этого жанра, но уже в другой стране. Так что, если документально следить за развитием готики, нужно сразу же охватывать огромный пласт произведений. Как архитектурных, так и художественных.

Также, готика не должна быть воспринята как всего лишь еще один стиль, которому нет места в наше время. Из-за того, что именно средневековье во многом создало существующие и по сей день рамки всего изобразительного искусства, люди до сих пор пользуются ими, постоянно потребляя в том или ином виде.

Средний период

Средний период готики начинается с ее приходом в Германию. Именно тогда известные художники решили создать каноничные портреты святых, а заодно попытаться выйти за рамки созданных форм и объемов. И новый расцвет готики произошел именно во время ее прихода в Германию. По всем фронтам. Появились новые элементы архитектуры, которые нравились людям, и их хотели использовать по всему миру. Готика как дизайн интерьера тоже потерпела перемены, и теперь королевские семьи в Германии на равных также пользовались идеями своих поданных. Все сферы жизни так или иначе, получил новое воплощение. И уже было сложно представить, кто именно виноват в этом, а кто нет.

Настоящее время

В настоящем времени Готика уже точно не используется, ни как стиль архитектуры, ни как жанр живописи. Ей на смену пришли новые направления, которые нравились людям, и были комфортны для именно этого века. Но благодаря готическому направлению изобразительного искусства, плотно вошла идея смены формы, и игра как с линиями, так и с цветами. То этого все написанные картины были статичны, и не выражали никакой концепции.

Экспрессионизм в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники стиля

Экспрессионизм – жанр живописи, возникший после появления модернизма. Если разбирать само слово на несколько деталей, то будет известно, что основной смысл всего жанра живописи, в изображении эмоций, их экспрессивной подачи. Жанр существовал всего десять лет, после чего, разделился на новые подкатегории.

История создания

Когда в двадцатом веке перед двумя мировыми войнами общество только начинало разбираться, кто такой человек, и какие у него есть права, художники, как и другие творцы, чуть ли не первыми бросились осмысливать данную деталь. Все творчество было направленно на борьбу именно со внутренними демонами, и в ход шли интересные приемы написания, которые не использовались до этого момента. При этом, экспрессионизм просуществовал всего год, а после вернулся сразу же после первой мировой войны. Так уж вышло, что изначально идеалы художников не пришлись по вкусу никому, и за недостатком денег на продолжение творчества, многие прекратили его, ради прибыльных проектов.

После первой мировой войны, когда большинство пороков всплыло наружу, экспрессионисты вступили в свой бой.

Средний период

К сожалению, средним периодом считается именно период после первой мировой войны. От начала творчества сохранилось только пару имен. Кокошка, Эль Греко, Тучинни. Остальные мастера не создали даже немного интересных работ, и их имена канули в лету.

После же возвращения жанра живописи, основные его представители появились в Германии и Англии, двух странах, где итог первой мировой войны принес максимальное количество бед. Основной упор делался не на натурализм картины, и стандартные критерии рисунка. Перед создателями ставилась одна задача – картина должна кричать, а вот какими способами художник мог добиться подобного, никого не волновало.

Настоящее время

Так как чтобы донести смысл, многие авторы меняли как форму, так и банальные похожести человека на его собратьев, подобное наследие и пришло на смену натуральным величинам, и эстетике правдивости. Экспрессионизм остался, как смысловая нагрузка. Сам стиль живописи разделился, и художники перешли в два лагеря. Одни стали кубистами, и начали совершенствовать саму идею развития формы. Другие же решили создавать картины именно асоциального плана, и ушли в социальную повестку. И те и те авторы, не могли бы существовать, если бы не экспрессионизм.

Художники стиля

• 

  Оскар Кокошка

• 

  Казимир Северинович Малевич

Барокко в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники жанра

Барокко - стиль живописи, возникший после маньеризма. Жанр изобразительного искусства не вобрал в себя ни один фактический критерий отбора предшественников. Использовался, как и в архитектуре, так и в живописи на равных условиях. До настоящего момента времени аналитики, и исторические исследователи впервые вынесли художественную смуту за скобки, сделав упор именно на создании самого понятия маньеризм .

История создания

Как только художники решили отказаться от теории сжатых линий, им на смену пришли новые идеи и идеалы. Пришла пора поиграть с формой, создавая новые изобразительные пути решения поставленной задачи. При этом, теория линий пропала без вести. Если раньше художники еще думали, как именно линии могут изменить картину, то сейчас, пришла пора играть уже с цветом, или разбавляя его, или наоборот, придавая нарисованным образам определенную стилистику. Проблема была именно в том, что не все были готовы так радикально менять подход к рисованию. Если раньше потребовалось около ста лет, чтобы сформировать одно течение школы, то сейчас все устои были забыты, и правила ушли на второй план, а после не использовались никогда.

Средний период

Забавно, что барокко сразу же имело много проблем. Игра с формами ознаменовала поиск истинной золотой середины. Впервые художники задумались, какое построение объектов оптимальное, с точки зрения переноса смысла посредством картины. Конечно, были и такие представители цеха, что старались работать по-старому, фактически, ничего не меняя в своей работе. Но они очень быстро сошли на нет, так как, конкуренция постоянно выкидывала людей. А те, кто не хотел меняться, вылетали еще быстрее.

Создается определенный свод правил. В нем обозначено несколько интересных идей. Во-первых, теперь форма должна полностью зависеть от содержания. А во-вторых, под него впервые подстраиваются шаблоны.

Настоящее время

Сейчас барокко сумело сформировать определенный круг последователей, которые стараются забрать идею построения шаблонных форм, и вознести ее на рукотворный Олимп. Но пока что течению неизвестно большому зрителю. И люди не могут понять, в какой именно момент новая школа станет законодателем стиля.

С точки зрения анализа изобразительного искусства, именно во время этого жанра живописи, закончила формироваться двух ступенчатая подача теории. Появились последователи линий, и после, добавили адепты форм.

Художники стиля

• 

  Питер Пауль Рубенс

• 

  Микела́нджело Буонарро́ти

Ампир в живописи

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Ампир – стиль живописи, обозначающий фактический конец классицизма. Существовал при развитии параллельных школ живописи, и впервые сумел после распада прежних идеалов создать новую повестку в изобразительном искусстве. Выделяются три периода ампира, и снова, по странам, в которые он пришел. Наполеоновский ампир, российский ампир, елизаветинский ампир.

История создания

Появился именно тогда, когда впервые художники решили, как именно стоит развивать живопись. Теперь, основные идеалы базировались вокруг цветового сопровождения любой картины. Художники делились на тех, кто использует определенные палитры цветов, а также тех, кто переносит мифологию Рима и Греции на современные реалии. Впервые творчество стало остросоциальным, и собрало вокруг себя идею вывести человека на первое место, придав ему вечный образ страдальца.

И художники разделились. Было три разных лагеря, и каждый старался привнести уже новую реализацию инновационной идее. Требовалось только осознать масштабы проделанной работы, не создавая вокруг себя ложный ореол славы. Так впервые стали проводиться тематические выставки, где творцы начинали уже на спокойной волне общаться со своими зрителями, спрашивая их, что именно они увидели на картине.

Средний период

Ампир известен в первую очередь тем, что даже после множества перемен, он все равно оставался по факту, таким же. Связано это в первую очередь с тем, что художники не выносили из своих мастерских новые идеалы. Публика только в очень узком кругу была готова воспринимать новые идеи, но массовый потребитель, пока что, еще следовал заданной критерии. Перемены в сознании происходили очень медленно, и были изначально сформированы именно на массовых исторических конфликтах.

Настоящее время

Сейчас ампир известен в первую очередь из-за стиля дизайна, и оформлении интерьера. Живопись прошла стороной, ибо, многие работы по многим причинам относятся именно к классицизму. Хотя не являются им. Сделано это по простой причине – так легче прослеживать грань вхождения художников в старые приемы, и их новое воплощение уже непосредственно на холсте.

Ампир создал третье направление живописи – игру с красками. Теперь появились шаблонные палитры цвета, что использовались, и используются даже сейчас. Так что, ампир создал новую волну качественных мастеров.

Описание картины Валентина Серова «Девочка с персиком»

По возвращении в Москву из Парижа Валентин Серов и его мать были приглашены Саввой Мамонтовым, чтобы поселиться в Абрамцево, поместье, расположенном к северу от Москвы, на реке Вори. Это поместье стало центром славянофильского движения, интеллектуального движения, возникшего в 19 веке, которое хотело, чтобы Российская империя развивалась по ценностям и институтам, полученным из ее ранней истории. Первоначально собственность принадлежала русскому автору Сергею Акаскову. По его смерти собственность была приобретена богатым железнодорожным магнатом и покровителем искусств Саввой Мамонтовым. Своими усилиями Абрамцево стал центром русского народного искусства, а в 1870-х и 1880-х годах имение должно было стать домом для многих художников, которые пытались возродить интерес через свои картины в средневековом русском искусстве. Были созданы мастерские по имению и производству мебели, керамики и шелка, пылающие традиционными российскими образцами и темами. Именно в свое время здесь Серов вступил в контакт с кремом художественного и культурного таланта России.

Во время пребывания в Абрамцевской колонии Валентин Серов встретился и нарисовал портрет Веры Мамонтовой, двенадцатилетней дочери Саввы Мамонтова, и это портрет под названием « Девушка с персиками», который является популярным на сегодняшний день. Говорят, что эта картина запустила русский импрессионизм. Серов выставил эту картину в Академии изящных искусств в Санкт-Петербурге и получил большое признание, и теперь она рассматривается как одна из его величайших работ. Картина, которая висит в Третьяковской галерее в Москве, — более расслабленное исследование и потрясающе красива. Серов собирает фрагменты внутренней сцены и натюрморта. Свет проникает через окно и растворяет контуры объектов. Серов использует теплые тона для девушки, которая каким-то образом контрастирует с более холодными тонами пространства. Черные глаза девушки смотрят на нас, задумчивые, но слегка нетерпеливые.

В 1880-е годы Серов путешествовал за границу и вступил в контакт с французским импрессионизмом и художниками-импрессионистами, такими как Дега. Из-за его семейного фона и популярности его картин Серов никогда не боролся в финансовом отношении. Он был главным художником портрета своего времени, и его подданные включали царя. В 1887 году он женился на Ольге Трубниковой, а их дети были представлены во многих своих портретах, таких как портретный портрет « Дети» (1899), в которых показаны его сыновья Юрий и Саша. В 1905 году, в сороковой день рождения, он был избран академиком Санкт-Петербургской Академии изящных искусств.

К сожалению, его жизнь была прервана в нежном возрасте 46 лет, когда он умер от сердечного приступа. Причина, по которой он никогда не достигал славы, подобной ряду его западноевропейских художественных современников, вероятно, из-за того, где он жил и провел большую часть своей жизни

Описание картины «Улисс насмехается над Полифемом»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Улисс насмехается над Полифемом – картина, написанная в 1829 году Уильямом Тернером. Картина писалась для выставки, которая после должна была направить все вырученные деньги на благотворительность. Мужчина решил лично принять в таком проекте участие, чтобы зарекомендовать себя с лучшей стороны. Требовалось заработать репутацию, чтобы уже точно последующие работы имели огромный резонанс в обществе.

История создания

Картина писалась за четыре месяца, и стала картинкой, направленной на закреплении своего нового стиля. Уильям Тернер хотел писать морские пейзажи, лишь иногда возвращаясь к картинам другой направленности. Такой подход гарантировал бы ему сохранять единый стиль написания, но не теряя дополнительный заработок.

Картина была тепло воспринята критиками, которые уже давно решили для себя не отрицать некое сакральное превосходство пейзажей. Именно эти работы в большинстве своем нравились активной, прогрессивной публике. И нужно было учесть их конечные интересы, а не диктовать новый уклад социального строя.

После того, как картина была представлена публике, ее продали с аукциона. Выкупил картину промышленные гигант, который искренне хотел прикоснуться к искусству. Мужчина даже считал себя его частью, однако, после трагичной кончины коллекционера, все его работы были переданы музею.

Стиль написания

Картина была написана за три этапа, при этом, сама картина имеет центральную фигуру. Вокруг которой и писались дальнейшие образы.

Первым этапом стало ее написание. Корабль по центру, который выполнен в нечетких тонах. Цвета подобраны специально таким образом, что зритель не мог понять, в каком именно состоянии встречают закат обитатели судна. Нужно смотреть на остальную картину, чтобы уже по факту делать осознанный выбор. Нечеткость изображения объясняется отсутствием солнечных лучей. Основного света не было, и краски, по мнению художника, четко передают тень.

Корабль сам имеет заданные размеры, и его вид уже свидетельствует о произошедших трагедиях. Точно можно сказать, что пережил он физические повреждения. Но так как взгляд прикован только к нему, то какие именно, сказать сложно. Нет четкой детализации, из-за обыгрывания конкретной темы художником. Он сам решил и придумал, каким будет финальный облик судна. Тут нет исторической закономерности, ибо взято изображение было из головы.

Вторым этапом стало написание моря, и правой части картины. Тут можно заметить, что есть и второй корабль, который успевает почти что скрыться за скалами. Но по его виду можно сказать, что на нем нет фактических повреждений. А значит, между ними не было битвы. Море отражает частично свет, и данный прием Уильям Тернер использует вместе с Айвазовским. Хотя, на данном промежутке, делали они это бессознательно.

Третьим этапом стала попытка передать слегка затуманенное небо, которое при этом, сохраняет четкие очертания уходящего в закат солнца. В таких работах именно за счет наполнения данной части картины многие люди стараются передать посыл произведения. И так как солнце уже зашло, и мы видим только его последние лучи, ясно, что отражение на воде лишь немного передает основную массу солнечного света.

Сюжет

Встав на покой, корабль исследовательской команды готовиться встречать ночь. Парус убран, и некоторые мачты спущены, дабы попутный ветер ночью не отнес корабль на скалы. Нужно заботиться о сохранности экипажа, так как он выполняет важную задачу по поиску новых морских путей. Без которых, будет невозможно вести торговые отношения.

Описание картины «Последний рейс корабля отважный»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Последний рейс корабля «Отважный» - картина Уильяма Тернера, написанная в 1839 году. Работа была тепло принята публикой, и стала билетом автора в сознательный период творчества. Является проектом, который автор начал еще писать, будучи выпускником академии художеств.

История создания

Долгое время Уильям Тернер не мог найти свой истинный стиль, и старался копировать остальных художников. В свое время, никто не мог принять успех данного гения. Поступил в учебное заведение узкой направленности он в раннем возрасте. Поэтому, многие известные художники видели в нем самоучку, который может изменить сам многолетний подход к изображению действительности. Однако, были и те, кому сама личность автора не нравилась.

После обучения на ускоренном курсе, мастер посоветовал ученику попробовать себя в иных плоскостях. Нужно было проверить, как именно может переносить на холст существующие идеи его воспитанник. В копировании работ нет ничего плохого, если делается это с глубоким, детальным осмыслением созданных образов. И понимаем, как именно они работают на благо картины.

Так что, работа стала попыткой понять, что же представляет собой природа, подмятая человеком под себя. Именно в этом и есть основный смысл картины, представленной на выпуске Уильяма. Мастер остался доволен работой, и посоветовал ученику продолжать в том же духе. По правилам учебного заведения, картина перешла в фонд университета. Однако, чтобы в один момент времени покрыть долги, пришлось продать некоторую часть коллекции на закрытом аукционе. С тех пор, работа выставлялась по всему миру, но никто не желал выкупить ее на постоянной основе.

Стиль написания

Картина писалась в два этапа, и был закончена всего за один год. При этом, работал над ней автор не все время написания. Попутно с этим запуская и другие проекты. Первым этапом стало написание именно корабля с баржей, которая тянет его в док. Данный объект стал центральной фигурой, и именно вокруг него и строится дальнейшее построение всего существующего сюжета. Такой подход выбран не просто так. Картина мысленно разделена на стандартное определение сторон света. Корабль поставлен в левый край, так как солнце встает на западе, а садится на востоке. Данный прием полностью намекает про то, что это конечный рейс корабля. И никто больше не увидит его, как и солнце. После, такой прием переймут и кинематографисты.

Баржа детализирована четче, чем парусный фрегат. Хоть он и является центральной фигурой, внимание на себе он не заостряет. Означает лишь это, что новые корабли заняли место на море, и теперь от них напрямую зависит, как именно человек продвинется в изучение морских путей.

Вторым этапом стало создание всей остальной картины. Нужно было построить море таким образом, чтобы оно не слишком мешало основному объекту. Спокойное, умеренное течение. Которое позволит барже спокойно отвезти корабль в доки. Небо показывает, что еще немного, и наступит ночь. Переход от светло желтого цвета, к темно розовому, четко ставит в центр внимания именно фактический вечер. А не другое время суток.

Сама картина после, лакировалась ровно два раза. Но при этом, в большей степени, внимание уделялось именно кораблю. А уже потом остальной картине.

Сюжет

После успешной службы на благо короны, парусное судно отправляется назад в доки, где оно будет разобрано. Везет его угольная баржа, которая была создана человеком. Через несколько дней, путь военного корабля закончится навсегда. Перед тем, как его в последний раз увидят английские граждане.

Описание картины «Ганнибал, пересекающий Альпы в метель»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Ганнибал, пересекающий Альпы в метель – картина, написанная в 1812 году художником Уильямом Тернером. Является официальной агитационной политикой, направленной на поддержание успеха в массах завоеваний Наполеона. Именно в этот момент времени, стало модным сравнивать императора с другими военачальниками истории, которые добивались некоторых успехов. Историческая обоснованность таких картин подвергается сомнению, однако их изобразительная ценность от этого не меняется.

История создания

Картина была написана в 1812 году, и писалась всего за три месяца. Такая срочность была обусловлена заказом со стороны государства, которое решило до последних моментов выделять средства на пропаганду военных интервенций. Уильям Тернер должен был за оговоренный срок написать картину, чтобы она после была выставлена во время компании по завоеванию Австрийских земель. При этом, все расходы по написанию государство брало на себя, и нужно было только создать определённые образы. Которые после переходили под контроль системы принятия решений мирового масштаба.

После создания, выставлялась картина в Елисеевском дворце. Место, в которое никогда просто так не пускали простого человека. Но традиция была нарушена специально, чтобы продемонстрировать изменение во внутренней политике. Если бы такой подход сохранился дольше, а Наполеон не проиграл во время российского похода, Франция могла измениться самым необычным образом. Но после проигрыша императора, и смены власти, картину возвращать художнику не стали. Она стала украшением резиденции правительства, а после перешла в парламент.

Стиль написания

Писалась работа в три этапа, при этом, не было времени детализировать финальные образы. Но и написать картину просто так было нельзя – на уровень внимательно следили критики, подключенные к данному проекту. Оставалось только писать картину в короткий срок, меняя темп рисования, выстраивая его с чистого листа.

Первым этапом стало написание нулевого плана – маленькой кромки гор, которая идет в самом низу картины. Написана она была в самом начала, и, как можно заметить, по задумке не является центром работы. Нужна эта часть только для того, чтобы продемонстрировать, как именно люди покоряли природу, и какие из этого делали выводы. На самом деле, Уильям Тернер мало знал о компании Ганнибала, и мог только прочувствовать пожелание заказчика. Как именно он хочет выставить картину, и что получить в сухом остатке.

Вторым этапом стало небо, хотя, тут оно и поделено на две части. Изначально нужно смотреть только на левую часть картины, не замечая черного разделения посередине. Сделано оно специально, и имеет творческий смысл. Авторская задумка заключать в изображении беспомощности человека, и вокруг выражения данной мысли и идет построение остальной картины.

Третий этап – правый край неба. Черная дымовая завеса показывается, что недавно на горах был большой лагерь. Но уже собравшись в путь, воины уходят по направлению к финальной точке всего оговоренного в начале передвижений пути. Нужно перейти горы, пока войска могут сражаться. Иначе, поход обречен на скорый провал.

Сюжет

В центре сюжета переход известного военачальника древней истории через Альпы, ради победы в затяжной войне. Других возможностей без огромных жертвы завершить данное противостояние попросту нет. Нужно молча принять существующие правила игры, ради величия своей любимой родины. И хотя многие солдаты погибнут во время перехода, их жертва не пропадет на алтаре напрасных трат.

Описание картины «Раненый кирасир, покидающий поле боя»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Раненый кирасир, покидающий поле боя – картина Теодора Жерико, написанная в 1814 года. Приурочена к поражению Наполеона во время Российской компании, направленная на полное уничтожение Российской Империи. После проигрыша, французские мастера решили переосмыслить роль императора в их жизни. Кроме падения диктатора Европы, начались попытки создать новые культурные ценности. Которые могли бы объединять людей, направляя их вперед.

История создания

Картина была написана по заказу отставного офицера, ветерана наполеоновских войн. Мужчина начинал молодым солдатом, и вместе с французской армией прошел не одно сражение. Только после фактического поражения императора, решил вернуться домой, где принял на себя жизнь простого аристократа. Чтобы поставить логичную точку в личной войне, было решено приобрести у мастера картину. Написанную лично с него.

Работа писалась два года, где только шесть месяцев сам заказчик позировал художник. Требовалось передать структуру тела, так, чтобы конечный рост совпадал с ростом самого нанимателя. Плюс передать особенности лица – рисовать данную часть картины было тяжело в любом веке. Особенно без натурщика, так как именно образ закладывался на данном этапе. После создания, картина перешла в личную коллекцию заказчика. И не выставлялась до самой его смерти.

Сама картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе. Публика считала, что не стоит показывать с плохой стороны лучшие годы Франции. Войны, что вел Наполеон, позволили расширить владения. И наладить экономику, пускай она работала и на военных рельсах. Но когда после поражения диктатора, часть завоеванных земель пришлось вернуть, никто не стал противиться желанию общества поменять основную парадигму мышления.

Стиль написания

И, хотя работа является портретом, писался он все равно в три этапа. Работать над картиной по-другому было невозможно. Сразу же после стадии срисовывания характерных особенностей тела, пришлось перебираться в мастерскую. По памяти восстанавливая потерянные части образа.

Первым этапом стало создание фигуры кирасира с лошадью. Мужчина боится, что враги буду преследовать его. Он крепко держит боевое животное за уздечку, выводя ее с поля битвы. Идет контраст, так как образ мужчины сделан яркими цветами, когда как сама лошадь выглядит блекло. Это еще раз говорит о том, что в центре стоит именно человек, и картина работает на него. Отблеск света на кирасе создан благодаря белому оттенку, что постепенно был разбавлен серым цветом. Такой подход лишний раз доказывает, что Теодор Жерико использовал инновационные методы обрисовки своих картин. Таким приемам не учили в академии живописи.

Второй этап – создание ряды гор сзади кирасира. Нужен он для того, чтобы продемонстрировать уже проделанный путь. Ясно, что после определенного отрезка пройденного пути, воин оглядывается назад. Чтобы проверить, нет ли за ним погони.

И третий этап – небо над головой. Небо темное, так как отражает внутренние переживания мужчины. Обрисовка выполнена двойной системой сгибов кисточки, дабы цвет равномерно распределялся по холсту. Уже поверх он редактировался шпателем, чтобы масло не лежало большими кусками.

Сюжет

После тяжелого боя, кирасир решает вернуться домой. Он уже не хочет сражаться за своего лидера, надеясь просто уйти живым. Слишком много крови было пролито на данной войне, и нужно прекращать следить за такими переменами. Просто став простым человеком, у которого, зато, может быть приличное, тихое и спокойное будущее.

Описание картины «Плот Медузы»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Плот «Медузы» - картина, написанная в 1819 году художником Теодором Жерико. Работа отражала актуальный ответ на недавнее событие, которое вызвало неоднозначную реакцию в обществе. Люди до конца не могли понять, что именно произошло в тот момент времени. Так что, решив выделиться из толпы, автор за шесть месяцев создает свое полотно. Чтобы после показать его миру.

История создания

Картина писалась только для того, чтобы изобразить основную идею, взятую за основу в творческом плане. Контекст был не так важен, как сама финальная подача. Такой подход был нужен для выноса за скобки личности молодого художника, и отделения его имени от предоставленной на обозрение работы. Нужно было сдвинуть рамки, чтобы зрители увидели именно заложенный в картину смысл.

После представления работы на парижском салоне, она перешла в руки частного коллекционера. Мужчина с радостью приобрел данный шедевр изобразительного искусство, вручив художнику его первый серьезный гонорар. После этого, все дальнейшие попытки вернуть автора в лоно академии были проиграны. Теодор Жерико начал самостоятельно путь, стараясь быть голосом времени.

Именно данная картина стала первым шагом на данном пути. Юноша понял, что люди готовы видеть трагичную, но существующую правду. И не стоит вылизывать свою работы, чтобы они в той или иной мере понравились публике. Нужно быть голосом поколения, который может возразить ему, в случае ошибочности суждений.

Стиль написания

Картина писалась всего в два этапа, но важно понимать, каких именно. Изначально требовалось написать фигуры на плоту, а их тут не так мало. И так как повышенная детализация тел была необходима для изображения, реализации конечной концепции, остается только наблюдать за тем, как именно страдает картина от данного решения.

Первым этапом стала большая центральная фигура, которая занимает почти все место на холсте. На плоту в разных позах представлены выжившие, что стараются не погибнуть от морских волн. При этом, все тела находятся в праведной агонии, которая выглядит как продуманное построение тел. В этой композиции все находится на своих местах, и по этой причине критики и не могли поверить в реальность происходящего. Но сделав скидку на то, что искусство не должно с точностью до нуля показывать произошедшие события, работа была тепло встречена.

Интересно смотреть именно на форму тел, и то, как они вписаны в существующие размеры выбранного холста. Картина изображает, как и абсолютную наготу, так и едва прикрытые части тела. Некоторые люди смотрят вдаль, некоторые просто страдают от морской болезни. Решение изобразить их без одежды связано с явным желанием придать картине вид библейского мифа. Тема бога и его влияние на общество была редким гостем в работах Теодора Жерико.

Вторым этапом стало ощущение того, как именно может существовать природа вокруг этого плота. Видно, лишь море, и маленький кусок неба над ним. И передний план, и задний, полностью заняты именно плотом. Только он находится в центре картины, и остальные объекты нужны для банального заполнения места. Уже после, перерисовав работу для личной коллекции, художник уменьшил размер плота. Но эта копия оригинала не дошла до наших дней, так как была утеряна.

Сюжет

На картине изображены выжившие пассажиры судна «Медуза», что по ошибке капитана погибло во время шторма. Но обломках корабля люди стараются пережить хаос, постепенно принимая участь. Если их не спасут в ближайшее время, морские волны заберут их тела на дно. Все они умрут в жестокой неизвестности.

Описание картины «Фландрский кузнец»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Фландерский кузнец – картина Теодора Жерико, написанная в 1820 году. Картина не была выставлена для широкой аудитории, и только после смерти автора, и последующем росте его известности, работа впервые стала выставляться по миру. Никто точно не мог сказать, что именно способствует росту такой популярности со стороны зрителей. Ясно было одно – желание увидеть картины молодого гения, что умер в слишком молодом возрасте, должно быть удовлетворено до логичного конца.

Сама картина была написана на заказ, а после сразу же перешла в частную коллекцию. Заказчик так и не был установлен, так как при продаже картины, он пожелал остаться в тени. Осуществляя сделку через нанятого адвоката.

История создания

Картина писалась для частной коллекции, и была сдана ровно за шесть месяцев. У художника был срок в год, однако, он пожелал доделать работу быстрее. Так как начинались первые признаки его смертельной болезни, и нужно было срочно отправляться на лечение. Но бросать работу, и терять признание, как и репутацию, он не мог. Приходилось с чистого листа начитать писать картину. Но при этом, заказчик позволил играть с темой так, как хотелось бы именно мастеру.

После этого, работа и пошла быстрее. Теодор Жерико очень любил ставить в центр картины конкретных личностей, уже в голове продумывая, кем именно будет его герой. Но тут образ пришел свыше, и такому повороту событий автор был не против. Ему понравилось писать на свободную тему, имея лишь малейшие ограничительные рамки.

Стиль написания

Сама картина писалась в один этап, но так как принято говорить про всю работу целиком, то критики стали придерживать мнения, что в два. Работа имеет ярко выраженную центральную фигуру, вокруг которой и работает художник.

Первым этапом стало написание кузнец и лошади. Данная композиция и является основной моделью, вокруг которой и строится остальная картина. При этом, нарисована данная пара масштабно. Высокая детализация делает значимым каждый промежуток краски, не особо отстраняя зрителя от заложенного в картину смысла. Кузнец ведет ретивого коня в мастерскую, дабы уже там поработать с ним. Нужно поставить подковы лошади, чтобы ее копыта не стачивались до крови. Но при этом, стоит для начала силой затащить животное в кузню. Дабы уже там работать над помощью бедному зверю.

Данный образ был оговорен заказчиком, однако, сама лошадь пришла на ум уже позже. И так как никаких четких рамок не было, можно было менять заложенный образ по своему усмотрению. Нарисованный зверь имеет дикий окрас, и не похож ни на одну существующую породу. Многие принимали эту деталь как попытку придать картине элемент мистики, сразу же переведя ее в иной ранг восприятия. Но художник хотел просто показать красоту зверя, собрав его из разных частей существующих в мире пород. Никакого конкретного умысла в данном поступке попросту не было.

Вторым этапом стала дописка остальной работы. Так как все место на холсте заняла фигура кузнеца с лошадью, нужно было вместить ее в некое место, где нарисованный образ смотрелся бы органично. Им и стала кузница, но та часть здания. В котором куют именно оружие. Чтобы подковать животное, нужно завести его в специальное стойло. Дабы работать с ним с минимальным риском для своей жизни.

Сюжет

Картина изображает, как смелый кузнец решает подковать смелого коня. Животное может убить его, просто лягнув копытом в любую часть тела. Но так как работа не может быть отменена, кузнец крепко держит узду, силой затаскивая гневную кобылу в заготовленное для нее стойло. Скоро она будет ходить с новыми подковами.

Афинская школа Рафаэля Санти - описание картины, филосовы изображенные ней

1. 1. Список философов и других персонажей
2. 2. Описание и фрагменты

Рафаэль Санти – художник, график, архитектор эпохи Ренессанса. Считается одним из выдающихся  представителей  умбрийской школы.

Свою фреску «Афинская школа» великий Рафаэль Санти написал в период с 1509 по 1511 года. Его из Флоренции в Рим пригласил папа Юлий II для оформления парадных залов Папского дворца. Рафаэль оформил в дворце три зала. Станцу делла Сеньятура украшает его шедевр «Афинская школа». Написана картина очень легко, воздушно, несмотря на то что на ней изображено более пятидесяти персонажей, нет ощущения толпы или сдавленности, настолько все пропорционально, настолько все гармонично на ней расположено.

 Все фрески в этом зале объединены одной темой – духовная деятельность человека. В эпоху Ренессанса развивается классический гуманизм. Основой своей идеей он ставит изучение человека и его духовной деятельности. В станце четыре фрески воспевающих, как раз-таки ее: философия, богословие, правосудие, поэзия. Картина воспевает науку, философию и несмотря на то, что она называется «Афинская школа», на ней изображены не только афинские научные светила.  Скорее название картины, которое она получила уже намного позже своего создания, показывают тенденцию обращения эпохи Высокого Ренессанса к античной культуре и к науке в целом, которые были забыты в средневековье.  Помещение школы изображено не в древнегреческом, а в древнеримском стиле. Во время работы Рафаэля над станцами в Ватикане шли большие строительные работы, при которых были обнаружены древние сооружения. Вдохновленный ими художник изобразил монументальное здание с пышной отделкой, и строгой симметрией. В центре картины аркада, которая акцентирует внимание на двух философах – Платоне и Архимеде. Считается, что ступени лестницы символизируют этапы познания.

Список философов и других персонажей

1. 1. Леонардо да Винчи в образе Платона и Аристотель
2. 2. Пифагор
3. 3. Диоген Синопский 
4. 4. Микеланджело в образе Гераклита
5. 5. Автопортрет
6. 6. Эпикур
7. 7. Александр Македонский
8. 8. Сократ
9. 9. Евклид

   Философы изображены не только из разных стран, но жили в разное время. Получается, что изображено идеальное общество античных мыслителей. Все действующие лица разбиты на группы, все люди изображены в действии.  Центром картины являются, как уже писалось выше, Платон и Аристотель. Платон изображен с поднятой вверх рукой, что указывает на идеалистическое направление его мысли.  Аристотель вдоль земли, ладонью вниз – ведь он основатель материализма.  В образе Платона нам предстает Леонардо да Винчи, с которым Рафаэль был хорошо знаком.

Описание и фрагменты

Слева от Платона изображен его учитель Сократ, тоже идеалист. Сократ говорил о том, что не нужно познавать природу, нужно познавать человеческую натуру. Для него духовная сущность всего была важнее материального. Философ считал, что истину можно найти в споре или беседе. Поэтому он ходил по площадям и был всегда рад пообщаться с любым желающим. На картине   он что-то рассказывает и объясняет – загибает пальцы. Его внимательно слушают окружившие люди. В том числе, ученик Аристотеля Александр Македонский.

Внизу слева сидит Пифагор он пишет свой труд и за ним подглядывают и переписывают. Рядом арабский ученый, переводчик Аристотеля Аверроэс. Чуть дальше трудится над своей работой Эпикур, его Рафаэль изобразил в венке из виноградных листьев. Ведь он утверждал, что от жизни нужно получать удовольствие, наслаждаться каждым днем.

Внизу, в центре облокотившись на куб, в образе Гераклита перед нами предстает свободолюбивый и дерзкий Микеланджело. А как мы помним, Гераклит считал огонь первоэлементом мироздания.  Философ нарисован той же манерой, в которой писал и сам Микеланджело. Развалившись на ступенях отстраненно о чем-то, размышляет поклонник аскетизма – Диоген. Справа мы видим Эвклида – математик, живший в Александрии, первым написал труд по Стереометрии, Планиметрии и теории чисел, так же ему приписывают два музыкальных труда.  Эвклид очень похож на архитектора Браманте. Архитектор трудился в Риме одновременно с Рафаэлем, в его планах было строительство грандиозного собора Святого Петра, к сожалению, он сумел воплотить только малую долю из этого.  Вокруг Эвклида собрались его ученики, он что -то чертит циркулем на дощечке, они наблюдают за ним и на их лицах видно, что идет осмысление полученных знаний.

В правом углу спиной к нам стоит Птолемей, он держит в руках земной шар, рядом астроном Зороастр, у него в руках небесный глобус. И только один человек смотрит с картины на зрителя — это сам Рафаэль. Художник не принимает участия в спорах и беседах, возможно, потому что не относит себя к таким великим мыслителем.

 Многих из изображенных можно идентифицировать, среди толпы стоит Гипатия – женщина – ученый из Александрии, в ее образе перед нами предстает возлюбленная художника. Основоположник стоической школы – Зенон Китийский. Не все фигуры можно опознать, они остаются безымянными и в то же время символичными. Справа изображен писарь. Написав его художник возможно хотел сказать,  что все эти люди не были такими великими если бы не было такого безымянного человека, который когда-то записал их мысли.  Слева в помещение врывается юноша его волосы и одежда тоже развиваются на ветру.  И он несет в руках сверток и книгу. Это говорит о том, что он несет новую идею.

 «Афинская школа» очень понравилась папе Юлию II еще до завершения работ. И он предложил расписать Рафаэлю еще несколько фресок. Это была очень объемная работа и Рафаэль набирает учеников.  Таким образом сам художник рисует только эскизы и контролирует работу, а сами фрески были написаны его учениками.

Фреска Афинская школа считается величайшей не только в творчестве Рафаэля, но всей эпохи Высокого Ренессанса. Художник на тот момент в юношеском возрасте – ему было 25 лет.

Описание картины Клода Моне «Вокзал Сен-Лазар, прибытие поезда»

Картина Моне  «Вокзал Сен-Лазар, прибытие поезда»,  подавляет зрителя, хотя его масштаб (скромный 29 ½ на 41 дюйм), но через глубокий морской пар и дым, который охватывает холст. Действительно, как заметил один современный рецензент саркастически: «К сожалению, толстый дым, удаляющийся с холста, не позволил нам увидеть шесть картин, посвященных этому исследованию».

Gare Saint-Lazare (также известный как внутренний вид вокзала Сен-Лазар, тем Отой линия ),изображает одну из пассажирских платформ Gare Saint-Lazare, одного из самых больших и оживленных вокзалов Парижа. Картина — это не столько одно представление о платформе поезда, она скорее компонент в более крупном проекте из дюжины полотен, которые пытаются изобразить все грани Gare Saint-Lazare. В картинах есть похожие темы, в том числе игра света, прошедшая через дым сараев, вздымающиеся облака пара и локомотивы, которые доминируют над сайтом. Из этих двенадцати связанных картин Моне выставил от шести до восьми из них на третьей выставке импрессионистов 1877 года, где они были среди самых обсуждаемых картин, выставленных кем-либо из художников.

Свет и пар

Свет — доминирующий формальный элемент во многих импрессионистских картинах — уделяется особо пристальное внимание в Гаре Сен-Лазаре, линии Аутейл. Здесь, как и во многих знаменитых картин импрессионистов, Моне показывает яркий день и трудится, чтобы воспроизвести внимательно наблюдаемые эффекты чистого солнечного света. Вздувающиеся облака пара добавляют эффект, создавая слои света, которые заполняют холст. Здесь, однако, мы должны остановиться, так как «Сен-Лазар», линия «Аутейль» является исключением из всей группы — это одна из двух картин железнодорожного вокзала, показанных ярким ярким, солнечным днем. Напротив, другие десять картин (например, в Гарвардских художественных музеях, выше) показывают темные, туманные виды на Сен-Лазар. Хотя исключение и аномалия с точки зрения его интереса к солнечному свету, The Gare Saint-Lazare, Auteuil Line разделяет много общего с другими картинами, по крайней мере, с точки зрения предмета и взгляда.

Достижение Моне необычно, и «Gare Saint-Lazare», «Auteuil Line  » по праву был выделен среди самых впечатляющих картин импрессионизма. Моне оказывает пар с различными блюзами, розовыми, фиалки, загарками, серыми, белыми, черными и желтыми. Он изображает не только пар и свет, которые заполняют холст, но и их влияние на площадку — большие далекие квартиры, Пон-де-Европа (мост, выходящий на вокзал), и множество локомотивов — все которые достигают максимума и дематериализуются в густую индустриальную дымку.

Описание картины «Резня на Хиосе»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Резня на Хиосе – картина, написанная в 1824 году. Была создана под впечатлением от ужасных событий 1822 года, произошедших в Греции. Узнав о них, художник решил показать обществу, что может произойти с людьми, если он вдруг станут простыми жертвами обстоятельств. Писалась картина в течение двух лет, во время обучения Эжена Делакруа в академии изобразительного искусства.

После представлена в год создания в парижском салоне, где впервые заговорили об истинном гении ее создателя. Была продана в личную коллекцию, но после смерти покупателя, стала выставляться в музеях.

История создания

Картина была написана под влиянием ужасной кровавой жатвы, что произошла в 1822 году. Увидев слабость своего соседа, Османская империя решила силой подчинить южные района Греции. Война шла с маленьким государством, что даже не имело регулярной армии. Тогда, решив закончить ее за один ход, султан посылает войска на остров Хиос. За десять дней провинция сжигается полностью, без суда и следствия убивают двадцать тысяч мирных жителей. Остальных берут в плен, и увозят в Османскую империю. Где они становятся безвольным рабами, обязанными служить купившему их господину.

Новость об этом дошла уже по факту свершения. Никто не мог помешать туркам творить хаос, и осознание данной беспомощности и пугало общество. Люди творческой направленности попытались оставить свой след в истории, показав, что именно произошло с их точки зрения.

Стиль написания

Писалась картина в три этапа, при этом, самый первый занял больше всего времени. Изначально был план создан маленькое полотно, дабы успеть не слишком далеко отойти от данных событий. Но был выбран максимальный размер, так как задуманные образы нельзя было разместить иным путем.

Первым этапом стало создание людей в самом низу картины. На нулевом плане, именно так его называют художники, находились люди, которые ждут своей участи. Так как их дома уже сожжены, и шанса спастись от противников нет, никто не пытается бороться до конца за свою жизнь. Все они просто сидят в куче, ожидая неумолимой участи. За ними следят османские воины, которые попутно приносят к куче новых рабов.

Образы представлены двояко. С одной стороны, турецкие солдаты не выглядят как завоеватели, однако их форма представлена специально именно как набор яркого спектра цветовой гаммы. Греки же показаны блеклыми тонами, с редким количеством верхней одежды.

Вторым этапом стало создание переднего плана – сцены, что разворачивается за спинами толпы. Там виднеются пылающие дома, и как всадники Османской империи ловят оставшихся жителей. Убивая тех, кто оказывает им непосредственное сопротивление. Хотя они уже победили, и можно прекратить войну, варвары до последнего будут издеваться над своим потенциальным врагом. События предстают в размытии, так как произошедшее происходит на большом расстоянии от основного поля действия.

Третий этап – небо, а точнее смесь дыма и копоти, с редкими вставками синевы. Благодаря такому приему автор закрывает глаза богу на данные события. Именно поэтому он и не смог помешать данному ужасу. При этом, редкие вставки синевы контрастно переводят световую гамму с образов толпы. Дополняя их в совершенно непредсказуемом виде.

Сюжет

Во время военных действий, произошел геноцид греческого народа. Жители, после короткой битвы, стали жертвами варварского захвата их земель. Приняв такую участь, не имея сил сражаться, они стали верными рабами поработившей их кровожадной системы. Никто не смог спастись от рук безумных всадников.

Описание картины «Правосудие Траяна»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Правосудие императора Траяна – картина Эжена Делакруа, написанная в 1840 году. Была представлена как попытка переосмыслить мифологические образы, и представить их на обзор публике. Для самого художника работа стала неплохим опытом, однако, после нее за такие сложны и многогранные темы он уже не брался. Публика встретила картину неоднозначно. Никто не мог понять, зачем стоит играть с такими темами, когда вокруг есть огромное пространство для последующего маневра. Никто не собирался мешать автору выставлять данную картину, однако, особого внимания конечного зрителя вокруг себя она тоже не собрала.

История создания

Картина писалась как личная попытка взять новую величину, которая могла бы после быть использована во благо. Однако, Эжен Делакруа долго не решался вынести картину на обозрение, так как хотел оставить ее частью личной коллекции. Но после длительных раздумий, было решено принять возможный крах полотна. И попросту организовать выставку, на которой впервые и появилась эта работа.

Но никакой коммерческой цели автор не преследовал. Не было четкого плана, как именно, а главное, кому можно продать такую работу. Да и социального подтекста тут тоже не было. Была попытка осмыслить некий старый образ, ибо никто перед этим не старался работать с историей и мифологией в таком виде. Были попытки подойти к ней только с точки зрения религии, однако, некоторые тематики могли спокойно существовать и без нее.

Стиль написания

Картина писалась в два этапа, однако, оба отличаются огромным вкладом, и попытками несколько раз с чистого листа написать всю картину целиком. Как можно узнать из дневников художника, было сложно постоянно держать заданные рамки человеческой натуры. По негласным правилам, все изображенные на картинке люди должны были выглядеть одинаковым образом. Никто не мог выделяться из толпы, и только образы главных героев слегка обводились. Подручными средствами, которые легко вписывались в тематику всей картины.

Первым этапом стала центральная композиция, вокруг которой и строилась дальнейшая работа. Фигура императора Траяна, и семейной пары, которая пришла просить совета у мудрого правителя. Но жестокая натура не могла позволить справедливости быть в мягкой форме. Только доведя до конца задуманную планку, можно было спокойно существовать в системе собственной страны. Именно поэтому, пришедшие на прошение люди стоят в смиренной позе, лишь изредка отвечая на вопросы правителя.

Вторым этапом стало создание всех остальных людей на заднем фоне. Именно вокруг толпы и происходит данное действие. И как можно заметить по заднему плану, многочисленные боевые штандарты говорят о том, что в скором времени здесь пройдет бравое войско правителя. На правосудие нет времени, и император, который ведет процессию, все равно нашел минуту для общения со своим народом.

Толпа детализована ровно там, где требуется показать реакцию людей на появление правителя, и его решение судить семью. Одни стараются выпрыгнуть из-под копыт коня, другие же смотрят через плечо императора, стараясь разглядеть, кто именно остановил собой процессию. Все они внимательно смотрят за сценой, и обрисовка черт их лица позволяет проследить заложенную в него эмоцию.

Сюжет

Во время военного похода, император Траян сталкивается с обычными людьми. Одна пара решает просить о помощи правителя, не зная, как именно он отреагирует на данную просьбу. Нужно попытать удачу, так как из-за своего горя, у них попросту нет другого шанса обрести заслуженный покой после смерти сына.

Описание картины Эдуарда Мане «Катание на лодке»

Катание в лодке было написано летом 1874 года, когда Мане находился в семейном доме в Генниевиле на Сене, напротив Аржантейла. В это время к нему часто присоединялся Клод Моне, который некоторое время жил в Аржантее, а иногда и Ренуаром, Мане написал Моне и его жену, и именно в этот период он подошел ближе к принятию импрессионистской идиомы работы на открытом воздухе, используя короткие быстрые мазки и приняв гораздо более высокий ключ, чем в своей ранней работе. Однако эта картина во многом по-прежнему связана с традиционной практикой Мане. Он намного больше, чем переносные холсты Моне и Ренуара, использовавшиеся в это время, и это предполагает, что это было сделано в студии. Точно так же нет никакой очевидной спонтанности, которая характеризовала работы импрессионизма этого периода, особенно в довольно надуманном характере композиции, которая во многом обязана тщательному планированию и ближе всего соответствует японским гравюрам.

Работа была показана на Салоне 1879 года, где его близость к импрессионизму были отмечены рядом критиков. Мане летал в Генниевиле в 1874 году, часто проводил время с Моне и Ренуаром через Сену в Аржантее, где был нарисован Лодочный. Помимо принятия более легкого прикосновения и палитры своих младших коллег-импрессионистов, Mane использует широкие плоскости цвета и сильные диагонали японских принтов, чтобы придать неповторимую форму этой сцене отдыха на природе. Родольф Лиенхофф, зять художника, как полагают, позировал для моряка, но личность женщины неясна.

Показанный в Салоне 1879 года, Лодочный спорт считался «последним словом в живописи» Мэри Кассэтт, который рекомендовал приобрести нью-йоркские коллекционеры Луизине и Хоу Хамеймейеру.

Описание картины «Смерть генерала Монтгомери в Квебеке»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Улисс насмехается над Полифемом – картина, написанная в 1829 году Уильямом Тернером. Картина писалась для выставки, которая после должна была направить все вырученные деньги на благотворительность. Мужчина решил лично принять в таком проекте участие, чтобы зарекомендовать себя с лучшей стороны. Требовалось заработать репутацию, чтобы уже точно последующие работы имели огромный резонанс в обществе.

История создания

Картина писалась за четыре месяца, и стала картинкой, направленной на закреплении своего нового стиля. Уильям Тернер хотел писать морские пейзажи, лишь иногда возвращаясь к картинам другой направленности. Такой подход гарантировал бы ему сохранять единый стиль написания, но не теряя дополнительный заработок.

Картина была тепло воспринята критиками, которые уже давно решили для себя не отрицать некое сакральное превосходство пейзажей. Именно эти работы в большинстве своем нравились активной, прогрессивной публике. И нужно было учесть их конечные интересы, а не диктовать новый уклад социального строя.

После того, как картина была представлена публике, ее продали с аукциона. Выкупил картину промышленные гигант, который искренне хотел прикоснуться к искусству. Мужчина даже считал себя его частью, однако, после трагичной кончины коллекционера, все его работы были переданы музею.

Стиль написания

Картина была написана за три этапа, при этом, сама картина имеет центральную фигуру. Вокруг которой и писались дальнейшие образы.

Первым этапом стало ее написание. Корабль по центру, который выполнен в нечетких тонах. Цвета подобраны специально таким образом, что зритель не мог понять, в каком именно состоянии встречают закат обитатели судна. Нужно смотреть на остальную картину, чтобы уже по факту делать осознанный выбор. Нечеткость изображения объясняется отсутствием солнечных лучей. Основного света не было, и краски, по мнению художника, четко передают тень.

Корабль сам имеет заданные размеры, и его вид уже свидетельствует о произошедших трагедиях. Точно можно сказать, что пережил он физические повреждения. Но так как взгляд прикован только к нему, то какие именно, сказать сложно. Нет четкой детализации, из-за обыгрывания конкретной темы художником. Он сам решил и придумал, каким будет финальный облик судна. Тут нет исторической закономерности, ибо взято изображение было из головы.

Вторым этапом стало написание моря, и правой части картины. Тут можно заметить, что есть и второй корабль, который успевает почти что скрыться за скалами. Но по его виду можно сказать, что на нем нет фактических повреждений. А значит, между ними не было битвы. Море отражает частично свет, и данный прием Уильям Тернер использует вместе с Айвазовским. Хотя, на данном промежутке, делали они это бессознательно.

Третьим этапом стала попытка передать слегка затуманенное небо, которое при этом, сохраняет четкие очертания уходящего в закат солнца. В таких работах именно за счет наполнения данной части картины многие люди стараются передать посыл произведения. И так как солнце уже зашло, и мы видим только его последние лучи, ясно, что отражение на воде лишь немного передает основную массу солнечного света.

Сюжет

Встав на покой, корабль исследовательской команды готовиться встречать ночь. Парус убран, и некоторые мачты спущены, дабы попутный ветер ночью не отнес корабль на скалы. Нужно заботиться о сохранности экипажа, так как он выполняет важную задачу по поиску новых морских путей. Без которых, будет невозможно вести торговые отношения.

Описание картины «Телега для сена»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Телега для сена – картина, написанная в 1821 году. Создавалась как часть личной коллекции Джона Констебла, и является пейзажем, отражающим внутреннее устройство Англии. Картина писалась для ежегодной летней выставки Академии художеств, и включает в себя существующие образы, принятые лично автором на вооружение. Художник планировал изначально выбрать другое название для полотна, но его мастер посоветовал остановиться на таком просто изображении действительности.

История создания

Картина писалась для летней выставки, но при этом, была не первой работой в арсенале художника. Он старался перенести свой опыт таким образом, чтобы доказать, улучшить способность создавать картины определенной жанровой направленности. Так как после работа ушла в архив академии, создавалась она уже не ради денег.

Художник должен был без труда принять подачу материала, так как она была очень близка ему по духу. Сам мастер вырос в маленьком провинциальном городе, и видел крестьянский стиль жизни в его самых сложных проявлениях. Трудности судьбы не были новой темой для Джона Констебла, однако, не вокруг них строится основной стиль написания остальной работы.

После выставки, картина была оставлена в частной коллекции академии. Сделано это было потому, что все работы создавались на деньги спонсирующих учебное заведение структур. Если в будущем мастера, обучившееся искусству живописи тут, становились популярными, их работы продавались с лотка. А конечная стоимость возвращалась в фонд академии. И на нее уже обучались новые художники.

Критики посчитали картину интересным способом раскрытия личности художника. Заметив его на творческом поприще, как полностью самостоятельную личность.

Стиль написания

Картина создавалась в три этапа, каждый из которых уже был заранее использован. Перед созданием полотна, художник делал тестовые наброски. Проверяя свои теории, и меняя их, если что-то шло не по его конечному плану.

Первым этапом стало создание реки и телегу, которая располагается на переднем плане. Именно от нее и идет дальнейшее построение экспозиции. Художник хотел показать, как именно меняется природа, и почему стоит обращать на нее свое пристальное внимание. Тем более, дальнейшие эксперименты только показали, что конечная цель автора может меняться. В силу различных фактических обстоятельств.

Левее реки находится мельница, и вниз от нее отходит пологий зеленый склон. Создан он специально ради того, чтобы передать контраст от спокойной и безмятежной реки. Если присмотреться, можно увидеть, что река разделять два берега. Возница старается пересечь брод, дабы после продолжить спокойно свой запланированный путь.

Третий этап был дольше остальных, так как художник старался изобразить не только небо, но и второй берег, по верхнюю сторону от реки. Он выглядит больше, так как ему уделяется практически все внимание публики. Виднеются ветвистые деревья, которые соединяются поле и небо. Вся картина выполнена в размашистом стиле написания. Кисточка доводилась до конца, и при нажатии, упор делался не только на кончик всей остальной картины. Это позволяло в дальнейшем лакировать работу маленьким слоем реагента

Сюжет

Картина показывает, как в безмятежности старой Англии, обычный путник ведет свою лошадь через бурную реку. Нужно пересечь ее, и молча продолжить свой дальнейший путь. Тем более, что на том берегу дорога станет ровнее, и можно будет приехать в срок. Но лошадь решила попить воды, а значит, нужно подождать, пока животное утолит свою жажду.

Описание картины «Пляж в Брайтоне и угольщики»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Морской берег в Брайтоне – картина, написанная в 1827 году, ставшая визитной карточной социального пейзажа. Джон Констебл нарисовал ее, как фактическую попытку сравнить на двух плоскостях два гражданских общества, которые являются одной системой принятия решений. Такой подход обязывал интересоваться допустимыми темами, играя с ними в разных итоговых плоскостях. Чем и решил заняться автор, сохраняя при этом настрой и навыки настоящего творца. Он старался не слишком ставить зрителей перед моральным выбором, а просто немного задеть тему, чтобы сформировать независимое обсуждение на свободной площадке.

История создания

Картина писалась за один год, а после была выставлена на частной коллекции мужчины. Художник старался не слишком быстро смещать ракурс на проблему, которая по его скромному мнению, могла заинтересовать общество в данном промежутке времени. Нужно было принять, что пока что социальный строй не готов признавать свои явные проблемы. Однако, чтобы дискуссия началась, стоило стать началом ее непосредственного старта.

Картина была холодно встречена критиками. Если раньше автора старался изображать спокойные пейзажи старой Англии, которые нравились публике, то сейчас резкие переходы на другие тематики мог спокойно выкинуть его с первых строчек любимых писателей современности. Однако, были и такие личности, которым работа мужчины понравилась. Они увидели в ней неплохую попытку поднять острую социальную тему, по поводу которой даже можно дискутировать. Но дальше различных отзывов, обсуждение проблемы не зашло. Картина была продана, и после смерти художника, перешла в его личный дом музей.

Стиль написания

Писалась работа в три этапа. Все это время автор работал в своей мастерской, где старался не слишком быстро переходить со светлых, теплых цветов, на холодную гамму. Но была выбрана средняя кисточка, а обрезка лишнего масла шпателем осталась в прошлом. Теперь слои размазывались по холсту, такая техника рисования была заимствована из Франции. Где как раз начало формироваться течение романистов.

Первым этапом стало написание берега, на котором видны мешки с углем. Нужно было не слишком детализировать образы, чтобы никто не мог увидеть разницу между простыми людьми, и работниками шахт. Именно тогда нужный социальный эффект был бы достигнут. Однако, по факту обычные люди не могли увидеть именно себя на этой картине. Образы были настолько нечеткие, что практически любая теория их возникновения могла спокойна быть принята на обсуждение.

Кроме мешков с углем, на берегу можно увидеть рабочих и людей, что стараются искупать ноги в воде. Также, мешки сгружены на суда, что стоять на мели за ненадобностью их владельцам.

Вторым этапом стало создание узкой кромки моря, которая находилась правее берега. Но ее не так много, ибо основный упор делается именно на берегу, и на том, кто на нем стоит в данный промежуток времени. Третий этап – небо над головой, которое заполнено серыми дождевыми тучами. Именно по этой причине никто не выходит в море, а те люди, что уже вышли, стараются спокойно вернуться в гавань. Это так же снимает вопрос, почему работники шахт не спешат искупаться в конце рабочего дня. Рисковать своей жизнью не хочет никто.

Сюжет

После тяжелого рабочего дня, шахтеры пришли на берег, чтобы провести время рядом с морем. Они теряются среди обычных отдыхающих, однако, люди все равно не могут принять их за своих. В плохую непогоду нужно быстрее отойти от воды, и вернуться домой, сгрузив мешки с углем перед этим в опорном шахтерском пункте.

Описание картины Брюллова «Последний день Помпеи»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Последний день Помпеи – картина, написанная в 1833 году. Работа над ней велась с 1830 года, хотя Брюллов делал перерывы во время написания. Нужно было осуществлять надзор над другими проектами, которые не могли существовать без внимания художника. Требовалось лично запускать некоторые проекты в ход, тем самым давая им новую жизнь.

История создания

Картина была написана во время итальянской поездки мастера. Брюллов должен был набраться опыта у своих западных коллег тем более, что его давно приглашали посетить выставки Италии. Посмотреть, в каких условиях работают и живут мастера. И как именно они стараются донести до публики конечные мысли.

Брюллов получил деньги на поездку у Российской Империи. Власти были не против поддержать начинающего художника, тем более что академия художеств лично ручалась за него. Нужно было только выдать оговоренную сумму денег, чтобы благодаря ей, юноша смог прожить. Работая над картинами, а не думая, откуда взять денег.

Изучая историю Италии, Карлу очень сильно понравился сюжет падения развитого города от руки стихий. В этом событии творец видел сакральную закономерность, которая постигнет каждого человека к некой мере. Рано или поздно, природа все равно возьмет свое.

Картина была удостоена разных наград. Итальянцы восторженно смотрели на гений, что сумел передать интересное событие прошлого в новой форме. Брюллов получит признание за границей, а после вернулся к себе домой.

Стиль написания

Картина была написана в четыре этапа. При этом, последний этап, по сути, длился несколько лет. Визуально картину можно поделить на две части – передний план, и задний. Так как Брюллов был выходцем стандартной школы изобразительно искусство, в данном аспекте он совершенно ничего не менял под свои личные цели. Мужчина просто следовал установленной логике, стараясь принять ее на веру. Нужно было следовать канонам, чтобы картины могли выставляться в массовом мире живописи.

Первый этап был трудный, однако, именно с него визуально и начинается картина. Это люди, которые хотят спастись от ужаса природы, и пережить эту ночь. Если смотреть на их детализацию, можно представить, сколько именно времени ушло на создание подобных образов. Даже тени на теле прорисованы до мельчайших подробностей. Детализация была доступна только потому, что Брюллов имел доступ к неограниченным ресурсам.

С помощью двойной обводки, и ретуширования методом наложения цвета поверх существующего слоя, художник мог спокойно выделять мелкие объекты, строя вокруг них переход световой гаммы. Вторым этапом стала обрисовка именно вулкана, что виднеется вдали. Нужно было сделать максимально интуитивное вхождения в картину, чтобы сначала в центре виделись люди, что в агонии стремятся сбежать из города. А уже после причина, почему.

Третий этап – небо, с необычайно ярким переходом от теплых цветов, к холодным и безжизненным. Таким образом Брюллов отмечал, что именно и почему произошло в тот роковой для Италии день. Поверх картина лакировалась мягким слоем спирта, дабы краска не могла пострадать от жары на выставке.

Сюжет

Картина изображает самый темный час в истории города Помпеи. День, когда огромный торговый центр Италии резко исчез с лица земли. Причиной стал именно вулкан, что до этого время спокойно спал, и не беспокоил жителей. Но в один момент времени, правила игры изменились. И пришлось погибать под слоем густой лавы, что хоронила людей в тех позах, что были у них в момент наступления смерти. Одна из самых крупных природных катастроф древнего мира.

Описание картины «Договор между мистером Пеннаом и американскими индейцами»

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Договор между мистером Пэмом и американскими индейцами – картина Бенджамина Уэста, вошедшая в цикл работ по становлению американского общества. Является неофициальной историей Соединенных Штатов Америки от изобразительного искусства, которая выглядит как попытка осмыслить серию ключевых событий войны за независимость.

Сама работа, как и остальные картины автора, была тепло принята социальным строем. Действующий на тот момент президент Америки лично присутствовал на вручении наград, стараясь даже пообщаться в личном порядке с художником.

История создания

Бенджамин Уэст разделил всю историю молодой Америки на несколько отдельных периодов, вокруг которых и строил само написание. Темы, а главное, центральные образы выбирались простой оценкой их значимости для страны. Побеждал тот исторический момент, который мог показать превосходство внутренних качеств американцев перед остальным миром. Именно из-за данного подхода к написанию, власти и старались выставить автора на первое место. Вокруг идеологии должен был строиться новый строй, так как, по мнению идеологов, человека можно увлечь только верой в высшие цели.



После создания, картина долгое время путешествовала по стране. Выставки проходили в основном именно в маленьких городах, которые только решили примкнуть к новому движению независимости. Нужно было показать мечту, уже нарисованную до этого момента. Многие думают, что весь цикл и писался ради данной прозаичной цели.

Стиль написания

Картина писалась в четыре этапа, сама работа имеет четкую центральную фигуру. Вокруг уже которой и описывается финальное произведение.

Первым этапом стало создание центральной композиции – послов с большого континента, которые после проигрышной войны, предлагают индейцам сдаться. Выглядит это как мирный договор, однако, по ряду фактических правил, никто не собирается принимать мир как возможность прекратить использовать земли коренных жителей. Это лишь красивый жест, который поможет рассеять бдительность со стороны племен. Ни одна из двух сторон не детализирована до конца. Нужно это, чтобы рассматривать произошедшее событие со стороны историчности, но не как попытку осознать договор как хитрость конкретных личностей. Только победа нового социального строя над старым, который сумел завоевать большую аудиторию.

Вторым этапом стала местность, на которой и находятся данные личности. Зеленый массив под их ногами находится не просто так. Нужен он именно для того, чтобы показать, на какие территории претендуют послы. Вся дальнейшая обрисовка так или иначе намекает, показывает данную мысль, но уже в другом оформлении. Третьим этапом стала прорисовка долины, той части, что визуально идет позади толпы. На не можно заметить скрытые туманом далекие горы, и ветвистые деревья, что стоят прямо перед ними. Такая композиция лишний раз позволяла осмыслить количество земель, которые принадлежали коренным жителям. Четвертым этапом стало небо, которому отдали огромное количество места на холсте. Историческое событие хоть и имеет место в качестве лейтмотива, но выглядит мелко, по сравнению с великими силами природы. И такой смысл в свою работу также закладывал Бенджамин Уэст. Это позволяло выставить подвиг людей огромным, так как против него шли даже силы природы.

Сюжет

Картина показывает события Гринвильского договора, во время которого был подписан важный документ. После него индейцы официально потеряли территориальную целостность, и не могли спокойно существовать в определенной системе прежних ценностей.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/vid-konstantinopolya-pri-lunnom-osveshhenii.html

Описание картины Айвазовского Вид Константинополя при лунном освещении

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Вид Константинополя при лунном освещении – картина, написанная в 1846 году. Картина писалась в Турции, во время оплаченного отпуска. Российская Империя полностью спонсировала творческие изыскания мужчины, даровав ему право выставлять созданные в этот период картины в государственных учреждениях. Поездка длилась в период с 1846 года, по 1848. Два года Айвазовский жил на территории Османской империи, узнавая, как же живут турки изнутри.

История создания

Картина писалась в течение целого года. Так как Айвазовский никогда не жил на одном месте дольше одного месяца, то все свои краски он всегда перевозил с собой. Турецкая власть выделила в его распоряжении специальных носильщиков, которые должны были следить за тем, как именно сохраняются краски и холсты. Помимо работы над данным проектом, художник постоянно брал маленькие заказы из рук частных коллекционеров. Работа писалась бы раньше, если бы Айвазовский не продавал свои услуги как мелкий мастеровой. Но в тот момент времени, художник еще не умел отделять заказчиков. Расставляя правильные приоритеты конечных целей.

Стиль написания



Работа писалась в два этапа, хотя между ними частично были большие перерывы. Картина создавалась не спеша, в редкие промежутки свободного времени. Сначала рисовалась правая часть переднего плана. Городские сооружения, так как уже от них работал остальная композиция. Уже на этом этапе заказ постоянно менял свои фактические формы. Айвазовский долго не мог решить, какие именно сооружения создать на свободном месте. Были наброски, где существовало сразу несколько башен, которые автор увидел во время одной своей поездки на море. Левая часть переднего плана рисовалась после. На нее художник потратил всего месяц, выбирая темные разводы специальное, чтобы изобразить вечернее море. Использовалась обычная трех миллиметровая кисть из мягких волос. Эффект узорчатых складок получался после того, как при нажатии на холст кисточка слегка отводилась в сторону.

Небо рисовалось в последнюю очередь. Перед этим, весь участок холста покрывался атолловым спиртом, дабы масло сразу же впитывалось, и высыхало в течение нескольких часов.

Сюжет

На картине изображен вечерний город, который медленно погружается в сон. Уже взошла луна, и последние корабли медленно плывут в сторону портов. Луна постепенно поднимается в свои законные владения.



]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-zakat-nad-zolotym-rogom.html

Описание картины Айвазовского Восход луны над бухтой Золотой Рог

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Восход луны над бухтой Золотой Рог – картина, написанная в 1886 году. Работа была тепло принята публикой, так как, только уже на нее и мог рассчитывать Айвазовский после того, как сама тема моря постепенно стала сходить на нет. Уже прошли те времена, когда работы мужчины могли без труда заинтересовать аудиторию. Начались перемены в обществе, и социальные потрясения послужили огромным трамплином, чтобы навсегда поменять парадигму мышления русского интеллигента.

История создания

Работа писалась для личной коллекции Айвазовского, и только после его смерти попала в большое поле зрения людей. Но так как после смерти автора, в Российской Империи начались коренные изменения в государственном строе страны, все элементы искусства, что не нравились большевикам, или же, их можно было продать за деньги, моментально перемещались за границу.
Картина предстала перед публикой уже в Италии, а после, во Франции, но после второй мировой войны. В настоящий момент времени, после огромных потрясений, что пережило полотно, его все-таки, стали выставлять перед людьми с некими доработками. С момента написания, картина уже реставрировалась трижды.

Стиль написания



Картина рисовалась в четыре этапа. Первым выступала тонкая кромка переднего плана, на котором можно увидеть людей, что, стоя на мосту, наслаждаются видом. Справа стоит вписанный дом, но видим мы только его часть. Все фигуры, включая здание, детализированы на высоком уровне.
Вторым этапом стал корабль около дома, и продолжающаяся после него кромка берега, на котором также стоят жилые помещения. Из-за того, что свет по задумке автора, на них уже не падает, мы фактические не может увидеть, их очертания, и хотя бы, некую доводку нарисованных образов.
Третий этап – вода, которая находится почти что в рамках уже нарисованной работы. Есть привычный для Айвазовского ребристый след лунных бликов, что идет через волны, поднимаясь на них.
Четвертый этап завершает работу, создавая небо, на котором есть уже и солнце, и, собственно, сама луна. После работа лакировалась, и пару дней сохла в темном помещении, дабы масло не растаяло, и не стекло.

Сюжет

Картина показывает, как ночной город медленно погружается в темноту. Люди вышли обсудить из кабака насущные проблемы, наслаждаясь видами спящем столицы. Через несколько минут, будет уже не видно ничего.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-xaos-sotvorenie-mira.html

Описание картины Айвазовского Хаос. Сотворение мира

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Хаос. Сотворение мира – картина Ивана Айвазовского, написанная в 1841 году. Писалась в Италии, куда художник ездил на обучение. Составляет первую картину длинного цикла, который был закончен только фактической смертью художника. Сама картина не была выставлена в музее, да и выставки от нее отказывались. После популярности, и пришедшей вместе с ней проблемой восприятия творчества, долгое время религиозные картины автора не выходили в свет.

История создания

Картина была написана в 1841 году, но при этом, у нее есть отличная история. Писалась картина на личные средства, и тогда еще, подобная тематика изобразительного искусства не нравилась людям. Морские пейзажи были единственным источником существования Айвазовского, и художник прекрасно понимал это.
И все эксперименты долгое время не видели свет. Но когда при посещении закрытой, частной выставки во Флоренции, католический глава церкви, папа, увидел картину, она крайне понравилась старику. Представители церкви попытались приобрести работу, но Айвазовский был против. Он лично подарил картину, и до сих пор она числится в личной коллекции католической церкви.

Стиль написания



Работа со своего самого начала выполнялась именно как фактическая попытка осознать масштабы дозволенного. В тот момент времени, еще не было четких рамок стиля живописи, и Айвазовский старался попробовать их все, чтобы уже после вынести личное мнение на каждый вид картины.
Работа выполнялась с использованием ограниченного количества цветов. Используются только холодные оттенки, которые до этого момента всегда избегались художником. Картина при этом, создавалась по шаблону. Для начала создавались все контуры. А уже после, встал вопрос именно об отработке их с помощью красок.
Мазки выполнены аккуратно, при этом, излишки не срезались шпателем. Сама задумка автора была в демонстрировании начала мира, и все излишки принимались как необходимая данность. Использование темного, болотного цвета, изначально воспринималась публикой как неудачная идея. Так итальянские мастера, обучавшие Айвазовского, заранее советовали избегать разновидностей темных оттенков, всегда работая в яркой палитре.

Сюжет

Картина повествует о начале мире, и о том, как один создатель властвовал на небесах. Но творец решил создать из хаоса жизнь, используя его как вечную энергию.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-voshod-solnca-v-feodosii.html

Описание картины Айвазовского Восход солнца в Феодосии

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Восход солнца в Феодосии – картина Айвазовского, написанная в 1855 году. В то время уже сформировалось понятие романтизма, и автор стал его логическим последователем. Если учесть, что сама идея романтизма, это в первую очередь пейзаж, с заданными нотками экспозиции, то художник соответствовал им на все сто процентов.

История создания

Картина писалась уже после того, как несколько работ Айвазовского были в штыки приняты российской властью. Если смотреть на реестр запрещенных картин, то во все времена, хотя бы две работы художника попадали в них без проблем. А если учесть, что во времена Российской Империи, подобные выпады в сторону чиновников воспринимались болезненней, чем сейчас, Айвазовский очень быстро решился правительственных грантов, и стал существовать как вольный творец. Без возможности вернуть себе хотя бы часть былых инструментов.
Так что, когда на картины был наложен запрет, и многие галереи отказались от их дальнейшего показа, имея на руках денежные средства, Айвазовский ушел в смелые эксперименты, смотря на своих французских коллег.

Стиль написания



Картина выполнялась в три этапа, и рисовалась около года. Если смотреть на передний план, отчетливо выделяются прорисованные элементы мира людей. И лодки, и редкая часть берега была покрыта полностью дополнительным слоем лака, что заметен на фоне остальной картины. Фигуры рисовались по шаблонам, так как в течение трех раз Айвазовский не смог перерисовать их нормальным образом. Рисовка контуров выводилась вручную, с помощью заостренной палочки – колонка.
Вторым этапом было создание именно моря, а точнее, продолжения переднего плана. И тут и появляется романтическая школа живописи. Все мазки выполнены без доводки, и их финальной дорисовки. Море выглядит как японская народная живопись, и именно данная стилистика изобразительного искусства.
Третьим этапом стала прорисовка неба. И тут уже романтизм сходит на нет, так как, по мнению специалистов, Айвазовский не умел создавать небо иным способом. После вся работа покрывалась дополнительным слоем лака, и лакировалась в течение пары дней.

Сюжет

Картина повествует о спокойном дне, когда никто не планирует совершать длительные морские прогулки. Все корабли уехали вдаль. И так как торговых судов нет, вокруг нет и активности. Люди мирно продолжают жить рядом с морем.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-vid-peterburga.html

Описание картины Айвазовского Вид Петербурга

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Вид Петербурга – картина Айвазовского, написанная в 1888 году. Работа принималась на закрытой церемонии, и была воспринята тепло публикой. На первое место многие вынесли именно внешний вид работы, и органичный стиль перехода красок, от теплых цветов, в средним. Писалась работа ровно один год, и создавалась из личных средств художника. После своего создания была продана в Англию, и долгое время, после революции, работу не могли вернуть назад. Только спустя сто лет, власти Российской Федерации заключили договор. Работы многих художников российского происхождения с частой периодичностью будут выставляться на родине. Об их окончательной передачи речи до сих пор не шло.

История создания

Картина писалась целый год, и за это время, Айвазовский около семи раз успел поменять экспозицию. По личным заметкам художника можно следить, как многие идеи постепенно сходили на нет, меняясь по ходу создания картины. Работа могла выглядеть по-другому, и некоторые зарисовки входят в специальную книгу, изданную в Америке. Детальный разбор показывает и изменения зарисовок автора, и их градацию от остро социальной живописи, к более мягким предметам изобразительного искусства.

Стиль написания



Картина создавалась в три этапа, и долгое время не могла состояться как конечное произведение. Сначала создавались корабли, и мелкие детали, такие как помост для прачек, и левая часть городских домов. Даже видный на заднем плане суд также относится к первому этапу. И рисовался с четкой детализацией мелких объектов, посредством выведения их, и корректировки шпателем.
Вторым этапом стало создание моря. Если смотреть на картину издалека, кажется, что море отпечатано с помощью глянца, и состоит полностью из перехода теплых цветов. Подобная технология получила широкое применение именно во времена Айвазовского, а после перешла и в наше время.
Третьим этапом стало создание неба. Оно также нарисовано именно с учетом известной художнику технике замещения, и состоит из обрисовки легкий мазков кистью, сделанных при проводке вторичным сечением. После шпателем обрезаются острые углы, и небо приобретает вид романтической зарисовки.

Сюжет

Картина показывает безмятежное утро, когда город на Неве только начинает входить в размеренный темп жизни. Корабли снимаются со стоянки, и спешат по своим делам. Прачки вышли стирать белье.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-vid-leandrovoj-bashni-v-konstantinopole.html

Описание картины Айвазовского Вид Леандровой башни в Константинополе

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет


Вид Леандровой башни в Константинополе – картина, написанная в 1848 году. Айвазовский был впечатлен видами Стамбула, и старался создать целую серию картин, чтобы после объединить их в разные коллекции. Автор работал в большей мере по заказу Турецкого правительства, но, практически все работы покинули страну. После войны художник старался никогда больше не связываться с Османской империей, беря на себя только частные заказы из данной страны.

История создания

Хотя многие работы из турецкого цикла известны по сей день, самая известная, все-таки, остается «Вид Леандровой башни в Константинополе». По многим причинам, именно этот пейзаж считается лучшим из всей коллекции, и не раз выставлялся как на родине, так и за границей.
Картина была написана за один год, после чего, передана в личную коллекцию султаната. Но, когда все работы переместились назад, после первой выставке во дворце, было решено оставить все картины в большой мастерской, чтобы Айвазовский сумел закончить их, поправив по рекомендациям султаната. Но художник решил бежать на родину, и под покровом ночи, вывез все работы на одном корабле, аккуратно переместив их на борт.

Стиль написания

Картина писалась в четыре этапа. Сначала создавалась сама башня, так как, именно вокруг нее и строились иные изобразительные решения. Автор делал упор на старину объекта, стараясь изобразить именно его историческую значимость. Детализировалась каждая складка камня, чтобы первое внимание зрителя приковывалось именно к ней.
Вторым этапом стало создание узкой кромки еле видных домов, находящих и с боку башни, и позади нее. Они уже просто видны, словно добавлены сюда для полноты картины. Вполне возможно, что Айвазовский старался лишь немного выполнить свою задумку, тратя на нее не так много времени.
Третий этап — море, и если приглядеться на созданную работу, можно заметить, что все волны имеют отличающуюся форму. Вод и правда живет, функционируя как отдельная часть всего убранства картины.
Четвертым этапом стало нанесение неба. Сквозь облака якобы просачивается солнце, и благодаря цветовому драпированною, подобное стало возможным. При этом, облака не имеют четкого очертания, и еле видны на фоне солнца.

Сюжет

Старая башня встречает новый день, служа для моряков опорным пунктом на пути в город. Единственный маяк, что позволяет не пойти ко дну.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-vid-konstantinopolya.html

Описание картины Айвазовского Вид Константинополя

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Вид Константинополя – картина, написанная Айвазовским в 1851 году. Работа писалась во время турецкой поездки художника, во время которой, он старался получить определенные навыки, увеличив собственный арсенал. Нужно было создать несколько картин, ибо, лидер Османской Империи предложил автору провести собственную выставку, продемонстрировав, какие же работы он сумел создать во время путешествия.

История создания

Картина писалась в течение целого года, и, создавалась сразу же вместе и с другими работами турецкого цикла. Была представлена по окончанию на личной выставке, еще в тот момент времени, как автор собирался без труда предоставить все свои работы по окончанию в личную коллекцию султаната. Однако, когда ситуация между странами стала слишком напряженной, художник сразу же собрал все свои работы, и покинул страну.
Во время путешествия, к Айвазовскому были приставлены несколько помощников, что должны были в случае чего, выступать переводчиками, и помогать художники ориентироваться по жизни. Только так мужчина мог избежать множество проблем большого города, ибо, столица Турции хранила в своих недрах огромное количество опасностей.

Стиль написания



Вся картина писалась год, и за это время, передний план переделывался восемь раз. Только к девятому Айвазовский смог нарисовать его приемлемым образом, после чего, принялся за оставшуюся часть картины. Сначала нужно было сделать маленькую кромку берега, показав на ней несколько жилых домов, и просто обжитых зданий. В левом углу можно заметить маленькую кромку мостовой, на которой люди следят за приходящими кораблями. Именно на ней находятся маленькие лодочки, без которых, никто не сможет попасть на парусные суда.
Вторым этапом стало именно море, а точнее, его маленький отрезок. Если долго смотреть, то можно увидеть, что водяная гладь как будто бы вписана именно под маленькие формы лодок. Свидетельствует это именно о том, что сначала были лодки, а уже после рисовалась вода под ними.
Третьим этапом принято считать небо. Оно имеет сразу несколько видов, так как, как правило, если Айвазовский плохо рисует море, он хорошо рисует облака.

Сюжет

Картина повествует о том, как просыпается порт Константинополя, и люди спешат по своим делам, используя водные маршруты. Город существует только благодаря порту, и люди это знают.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-utro-na-more.html

Описание картины Айвазовского "Утро на море" 1849 г.

Картина Ивана Константиновича Айвазовского «Утро на море» была написана в 1849 году. В этот период творчества художник увлекался в большей степени изображением бушующего неспокойного моря, но на этом полотне перед художественным зрителем предстает спокойный пейзаж, выполненный в теплых оттенках. Айвазовский для того изображает еще сонное после тихой ночи море, морскую гладь, не тронутую даже малейшей зыбью, напоминающую замерзшее озеро. По морю разливается свет от солнца. Часть неба еще синяя, кажется, будто только с него пропали звезды. Солнце, только вставшее из-за горизонта, будто побеждает синеву ночного неба, озаряя его золотым свечением.

Изображенный морской пейзаж поражает количеством прорисованных мельчайших деталей: песчинки, цвет утреннего неба, одежда людей. Но несмотря на острую реалистичность, полотно разговаривает с художественным зрителем и на чувственном уровне. Невозможно посмотреть на картину и не испытать восторга, преклонения перед прекрасной природой. От полотна веет свежестью раннего утра и умиротворением.

Люди на картинах Айвазовского — скорее фон, главным и любимым сюжетом художника является, конечно, море. На полотне «Утро на море» зритель видит женщину с ребенком, которые замерли в трепетном ожидании. Они смотрят на парусник, плывущий по морской глади в тумане. Тревожно летают в углу картины две чайки.



Полотно Ивана Айвазовского «Утро на море» про разлуку. Не зря главенствующий цвет картины — символичный желтый. Удивительно, как художнику удалось изобразить одновременно ранее утро, пронизанное радостной тревогой, и мотив природного спокойствия, которое так не вяжется с состоянием женщины и девочки, изображенных на картине. Айвазовский, изображая данную сцену, показывает, насколько быстротечна человеческая жизнь на фоне мира природы.

Эта картина художника является ярким примером живописи эпохи романтизма. Яркое полотно посвященное эмоции ожидания, изображающее застывшее мгновение. Сначала может показаться, что главные герои картины - это мать с дочерью, ожидающие на берегу ранним теплым утром отца-моряка, любимого мужа. Но истинный предмет изображения художника это то, что волновало его больше всего всю его творческую судьбу - море, природа. Эмоции человека у Айвазовского разливаются в пространстве. Каждая деталь полотна выражает собой чувство, ощущение. Интересно, что художник совмещает в своих картинах и реалистичность, и эмоциональность.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-tonushhij-korabl.html

Описание картины Айвазовского Тонущий корабль

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Тонущий корабль – картина Ивана Айвазовского, написанная в 1854 году. Принадлежит к редкой школе негатива – используются при создании работы только темные цвета, основной поход делается на черном цвете, и белом.
Писалась картина ровно два месяца, так как, основную долю времени пришлось потратить именно на написание тонущего судна. После, картина попала в частную коллекцию автора, через пять лет была продана за границу.

История создания

Картина была написана в 1854 году, когда Айвазовский уже вернулся на родину. Отношения с Российской Империей пока что, уже были испорчены, но власти не спешили обрубать последние мосты. Нужно было испробовать мужчину на прочность, и галереи еще позволяли покупать работы дарования, ставя их в основные коллекции.
При этом, Айвазовский работал над полотном в перерывах между основными картинами, стараясь перенять опыт французских коллег. Многие смелые эксперименты автора появлялись именно тогда, когда художник смотрел за развитием романтизма в других странах. Россия позже всех вошла в то время, когда стиль написания пейзажей уже устоялся во всех других уголках мира.

Стиль написания



Картина писалась в два этапа. Сначала, Айвазовский принялся рисовать фигуру корабля, которая находилась на переднем плане. Именно по этой причине, ее нужно было практически детализировать больше всей остальной картины. Нельзя было скрасить неудачные моменты, и оставить их в стороне. Поэтому, корабль прорисовывался с помощью шпателя, и неудачные мазки тотчас же удалялись, чтобы не портить основной образ. Были выбраны специально негативно серые тона, при этом, холодная палитра была задействована только на пару процентов. Нужно было показать, что даже без ярких цветов, пользуясь только правилами жанра, можно создать неплохую работу, выполнив основную задачу.
Второй этап состоял из всей остальной картины. Айвазовский часто рисовал и море, и небо уже в финальной стадии, выбирая даже одинаковые стили нанесения краски. Подобное было связано в первую очередь с тем, что мужчина старался изобразить именно единство природы, в какой бы момент времени зритель со стороны не смотрел на картину.

Сюжет

Работа изображает корабль, который медленно, но, верно, идет ко дну. Людей на нем, уже не осталось. Матросы покинули судно, и теперь, в непогоду, под свет луны, корабль идет ко дну.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-suda-na-rejde.html

Описание картины Айвазовского Суда на рейде

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Суда на рейде – картина Ивана Айвазовского, написанного в 1851 году. Создана она была во время попытки художника занять некую политическую нишу, став единственным оратором со стороны искусства. Работа писалась на заказ, и все составляющие картины, включались в стоимость финальной работы.

История создания

Айвазовский часто получал заказы, особенно, от своей страны. Российская империя старалась поддерживать юные дарования, даже после того, как они уже крепко вставали на ноги, и могли без труда сами найти себе фактическую работу. Только вот, за это правительство хотело, чтобы художники оставались в своей плоскости, и не лезли в политику.
Картина писалась два года, и после нее, Российская Империя больше никогда не обращала свое внимание в сторону Ивана Айвазовского. Мужчина попал во все черные списки, и даже Русский Музей, с которым и автора были теплые отношения, отказывался просто так размещать его полотна на самых обычных выставках.
При этом, работа стала предвестником романтизма. Сам того не зная, Айвазовский задал фактические критерии жанра, что появился спустя только тридцати лет.

Стиль написания



Картина писалась в два этапа. Но между каждым прошло минимум два года. На первом этапе, работа велась над правыми скалами, и кораблем, что примыкает к ним. При этом, образы выводились вручную, а после чего, слегка размазывались маленькой кисточкой, что имела специальный диаметр в 0.3 миллиметра. Делалась она из мягких волос, и обрезалась вкось, чтобы оставалась долгий, протяжный след.
Вторым этапом, считает уже левая часть картины, включая и море, вместе с небом. Писалась она только мягкими, пастельными цветами. Выбирались легко сохнущие оттенки, так как, лакировать работу поверх было нельзя. Лак бы унес половину яркости финальной работы, так что, никто бы уже не смог видеть всю яркость и так обделенного цветами холста.
При этом, очень долго выполнялся образ именно солнца. Его нужно было изобразить ярче остальной картины, а значит, все полотно нужно было выдержать в одной цветовой гамме.

Сюжет

Картина изображает, как два судна, решили встать на ночную стоянку около неизвестного острова, подняв заранее сетки, чтобы никто из аборигенов не смог подняться к ним на корабль. Как только начинается рассвет, судно уже оживает, поднимая первые паруса. Еще чуть-чуть, и оно отправиться дальше в путь.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-soshestvie-noya-s-gory-ararat.html

Описание картины Айвазовского "Сошествие Ноя с горы Арарат"

Созданная в 1889 году картина русского художника Ивана Константиновича Айвазовского «Сошествие Ноя с горы Арарат» достаточно необычна для его творчества. В первую очередь, Айвазовский известен, как художник-маринист и баталист..

На этой картине Иван Константинович изображает библейский сюжет. Перед художественным зрителем предстает вдалеке величественная гора Арарат и множество путников. Сюжет выполнен в нежных, пастельных тонах. Айвазовский на этом полотне не уделяет большого внимания деталям. Сложно разобрать черты лиц людей. Их одежды сплетаются в единую цветную субстанцию. За людьми идут животные, которых удалось спасти. Конца каравану жизни не видно. Ной предстает седым стариком с копной волос и большой бородой. Голова старика задумчиво обращена к земле. Рядом с ним идет, скорее всего сын, который вопросительно смотрит на Ноя. Кто знает, может, это — Хам, который в дальнейшем поссорится с отцом. Фигура Ноя занимает почти центральное положение на картине.

Эпизод, изображенный художником на полотне, принадлежит к Ветхому Завету. В нем говорится о том, как Ной после Всемирного потопа возвращается на землю. Вместе с ним идут члены его семьи и животные. Впервые картина увидела свет в Париже. Сейчас она является частью коллекции Национальной Галереи Армении.



Полноправным героем картины является гора Арарат. Она — полноправный участник действия. Айвазовский пишет её в тумане, серо-сиреневыми оттенками, окружая желтым цветом. Величественно возвышается гора над людьми и животными. Она вызывает чувство спокойствия и доверия. Природа, изображенная художником на этом полотне, выглядит умиротворенно. Она очищена и теперь спокойна, готова принять новых, по-настоящему заслуживших существование людей и животных.

Мотив новой жизни выражен художником в оттенках, которые он использовал при написании картины. На полотне преобладают светлые нежные цвета: желтый, светло-зеленый, сиреневый, бежевый, голубой.

Размытый горизонт, туманные цвета — кажется, будто Айвазовский стремился изобразить сон, ощущение раннего утра, восприятие мира человеком вот-вот проснувшегося от глубокого сна. Художник отказывается от реалистичного изображения, полностью обращаясь к романтической эстетики. Небо написано по-особенному, расположение облаков напоминает узоры, которые случайно получаются при создании фрески — размытость, шероховатость

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-smotr-chernomorskogo-flota-v-1849-godu.html

Описание картины Айвазовского «Смотр Черноморского флота в 1849 году»

Не часто на картинах великого русского художника-мариниста и баталиста Ивана Константиновича Айвазовского можно встретить человеческие фигуры. Полотно "Смотр Черноморского флота в 1849 году" - исключение. Большее пространство картины занимает море и корабли, но в правом нижнем углу мы отчетливо видим детально прорисованные фигуры императора Николая I, адмиралов и офицеров. Картина выполнена маслом. Интересно, что Айвазовский сам был свидетелем смотра 1849 года. Видимо, парад произвел на него, как человека с острым художественным восприятием реальности, настолько сильное впечатление, что он решил посвятить этим событиям картину спустя целых тридцать семь лет.

Судна, одно за другим, шествуют перед императором. Море под ними гладкое и спокойное. Корабли напоминают титанов, покоривших морскую стихию. Айвазовский создает диагональную композицию картины, пользуясь также приемом перспективы.

Судьба этих кораблей - затонуть через четыре года в ходе Синопского сражения. Осознание того факта, что эти гиганты, которые, казалось бы, подчинили себе пучину морскую, совсем скоро станут ее жертвами, добавляет полотну трагичности. Лирично вздымает вверх стайка чаек, клубятся на небе желтоватые облака.



Соединяя в картине и море, и классический сюжет исторического жанра (смотр войск) и изображая эпизод из своей жизни, Иван Айвазовский выходит на новый, особый уровень рефлексии. Художественному зрителю открывается интересная тема для размышлений. Художник, изображая величие кораблей во время парада (расправленные, словно крылья птиц, паруса, "поднятые" вверх бушприты), кораблей, которым суждено через совсем небольшое количество времени сгинуть, унеся с собой несколько десятков жизней, показывает, насколько непостоянен и хрупок на самом деле мир вокруг нас. Даже то, что кажется сильнейшим и несокрушимым, совсем скоро может исчезнуть с лица земли, будто и никогда не существовало. И не важно, что это - величественные корабли, любимый народом император. Единственное, что действительно является для художника вечным и несокрушимым - это стихия, море, небо. Возможно, именно для того, чтобы показать хрупкость человека в сравнении со стихией, он посвящает картину великим созданиям человеческих рук - кораблям. Осознание их хрупкости дает осознание того, насколько же тогда хрупк человек перед силой стихии.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-sinopskij-boj.html

Описание картины Айвазовского Синопский бой (Днем)

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Синопский бой – картина, написанная в 1853, после фактического сражения Российской армады с Османской империей. Битва велась под руководством Нахимова, и только благодаря его тактике, и оснащенности русских судов, была выиграна, с фактическим перевесом. Сразу же в это время, несмотря на разногласия Айвазовского и Российской империи, власти заказали единственному художнику с опытом вид морского сражения. Закончить работу нужно было всего лишь за пару месяцев, успев в срок награждения Нахимова.

История создания

Картина писалась всего за несколько месяцев, и чтобы успеть провернуть такую работу практически в одиночестве, нужно было в срочном порядке забыть о всех остальных делах, и работать только над картиной. Однако, власти не собирались как раньше предоставлять Айвазовскому такие свободы, какие художник получал в былое время. Теперь между правительством и мужчиной лежала пропасть непонимания. Иван позволял себе смелые высказывания в адрес имперской семьи, и не мог за это существовать на рукотворном Олимпе.
Так что, писалась картина следующим образом. Все краски было закуплены заранее, а жене было велено каждое утро готовить определённую пищу, и ставить ее под дверь мастерской. При этом, выбиралась специально такая еда, что могла не портиться долгое время. Чечевица и молоко, закрытое в крынке.

Стиль написания



Так как писалась картина всего несколько месяцев, но при этом, это был правительственный заказ, Айвазовский должен был выложиться на полную.
Картина писалась в три этапа. Для начала, нужно было нарисовать и детализировать корабли, некоторые при этом, должны были гореть от внутренних повреждений. Так что, было решено выбрать темные тона, выделяя светлыми контуры.
Вторым этапом стало море, которое Айвазовский всегда умел рисовать в срок. Только здесь можно заметить, что вся вода имеет один вид, и волны лежат равномерно. Именно благодаря этому, художник сэкономил лишнее время, дабы работать уже над третьим этапом – небом.
Облака же выглядят по-разному, где-то видны блики солнца, а где-то, все задымлено. Именно такое разнообразие и передает серьезность момента, и его историческую значимость.

Сюжет

На картине изображена битва за важные стратегические позиции. Корабли российской эскадры выстроились в ряд, и шквальным огнем уничтожают турецкие суда, пуская их ко дну.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-russkaya-eskadra-na-sevastopolskom-rejde.html

Описание картины Айвазовского Русская эскадра на севастопольском рейде

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Русская эскадра на севастопольском рейде – картина, написанная в 1846 году. На создание картины грант выделила лично Российская империя, которая поощряла патриотические настроения в обществе. Впервые картина была выставлена в Феодосии, показанная на благотворительном вечере, посвященном дну флота.

История создания

Картина была создана специально по просьбе государства. Айвазовский часто подписывался на подобные контракты, благодаря им создавая и иные работы для личной коллекции. В контракте не оговаривалось, что все картины должны принадлежать именно заказчику. Художник мог нарисовать одну работу, за которую было уплачено, а оставшиеся деньги смело тратить по своему усмотрению.

Многие авторы даже старались мошенничать подобным образом. На картину заказчика тратились только некоторые деньги, а остальное оставалось на жизнь. Узнав о подобном, власти решили судить художников за растрату. И так как больше никто не мог приняться за заказ, работу поручили молодому Айвазовскому. Картину он закончил за шесть месяцев, после чего, сразу же получил оговоренное денежное вознаграждение.

Стиль написания



Работа рисовалась в три этапа. Сначала художник рисовал кромку берега, на котором стоят провожающие люди. Рисовалась она сложно, и в конце трудов, Айвазовский решил воспользоваться шаблонами. Рисовать фигуры было трудно, особенно молодому художнику без фактического опыта таких работ.

Айвазовский около трех месяцев старался нарисовать именно одежду со спины, придавая ей реалистичность. Уже после рисовалась маленькая часть дома, который находится левее всей работы.

Во вторую очередь рисовалось море, вместе со всеми кораблями, которые находятся на нем. Мачты рисовались тушью, так как маслом изобразить полноту цвета черных было нереально. Нижняя часть кораблей детализировалась с лупой, так как нужно было выдержать историческую точность. На данном этапе, Айвазовский три месяца старался дорисовать второй план, и перейти к третьему.

Третий же план – это небо, вместе с облаками. Они нарисовались быстрее всего, за две недели, и четыре дня.

Сюжет

Картина повествует о сложном времени в истории Севастополя. Во всю идет крымская война, и корабли, полные матросов, отправляются на нее. Люди вышли проводить сыновей и мужей, которые уже точно не вернутся домой. И умрут на поле невиданной брани.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-raduga.html

Описание картины Айвазовского Радуга

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Радуга – противоречивая картина Айвазовского, написанная в 1873 году. Из-за постоянных путешествий, автор прекрасно понимал и видел, как меняется жанр пейзажа. Нотки романтизма уже витали в воздухе, и, так как автор очень любил французскую школу изобразительного искусства, он не мог просто так смотреть, что же происходит с работами данных мастеров.

История создания

Картина писалась всего три месяца, так как, из-за простоты картины, Айвазовский старался закончить ее побыстрее. Работа сразу же должна была попасть во французский музей экспериментального искусства, что к тому времени, существовал уже три года к ряду. При этом, вся работа писалась только за деньги художника. Финансово никто и близко не помогал ему покупать краски. Также, жизнь на берегу Кипра стоила денег, которые раньше, ему покрывала Российская Империя.
После создания работы, Айвазовский внес ее в список своих неудачных картин. Причины до сих пор не знает никто, и даже любимая жена художника не могла понять, почему мужчина отказывается признавать неплохой холст удачным, отказываясь видеть его сильные стороны.

Стиль написания



Работа писалась в два этапа. Первым считается, создания двух фигур искусственного происхождения на этом полотне. Это и шлюпка, на которой люди перемещаются по морю, и их корабль, что уже почти что пошл ко дну. Рисовались они, примерно, один месяц, и если шлюпка с людьми еще как, то детализировалась, обводкой и прорисовкой четких линий, то корабль уже был обуян стихиями, и не мог выводиться, ибо стала частью с морем.
Вторым этапом стала уже остальная картина. Рисовалась она с помощью закручивая кисточки во внутрь, и после, маленькой проводкой в левую сторону. Подобная техника написания позволяет добиться плоскости линий, при этом, создавая их объемность со стороны зрителя.
Для написания картины были выбраны мягкие, пастельные тона. Лишь верхушка картины немножко выбивается из общего строя, однако, и тут есть осмысленная причина подобного изобразительного решения. Цвета переливают радугу, вокруг которой и строится образ работы.

Сюжет

На картине можно увидеть, как пережив ужасную бурю, матросы решили покинуть корабль. Судно почти что ушло ко дну, и нужно спасаться, чтобы не умереть вместе с ним. Радуга появляется внезапно, как и надежда, что быть может, они смогут пережить этот кошмар.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-puteshestvie-posejdona-po-moryu.html

Описание картины Айвазовского Путешествие Посейдона по морю

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Путешествие Посейдона по морю.1894 – картина, созданная в 1894 году. Айвазовский уже мог спокойно делать любые работы, опираясь только на личное мнение. Мастер стал целенаправленно искать иные формы изобразительного искусство, надеясь наработать определенный пласт для своих последователей. И если бы не революция, что произошла несколькими годами позже, возможно, попытки и дали бы эффект.

История создания

Уже в старости Айвазовский старался переосмыслить сразу два направления – религию, и мифы. Все свою жизнь художник не был набожным человеком, однако, большинство решений он принимал именно с точки зрения опоры на мнение церкви. Так вышло, что бог всегда был рядом с ним, хотя сам он и не признавал этого.
И уже в старости, когда никто не ждал от художника никаких прорывов, а у гражданского общества были свои внутренние проблемы, Айвазовский ушел в созидание. И стал переосмыслять многие аспекты. Впервые взял в руки перо, и начал писать мемуары, стараясь объяснить, куда же идет живопись в Российской Империи. И попутно с этим, создавались ключевые работы, которые даже, относят к отдельному циклу.

Стиль написания



Картина писалась в длительные четыре этапа, при этом, каждый последующий менял полностью принятые рамки изобразительного искусства. Для этого была отдельная причина, которую многие сейчас на веру не воспринимают.
Первым этапом стала детализированная фигура Посейдона, которая вышла на первый план. Она построена таким образом, чтобы каждое угловое сечение соединялось со всеми углами картины. При просмотре, создается впечатление, что колесница морского бога обязательно переместиться с правой части картины, в левый.
Вторым этапом стал левый угол переднего плана. Вся темная составляющая картины рисовалась в два этапа. Сначала наносился слой краски, после, благодаря усилению палитры оттенков, он затемнялся.
Третьим этапом стало небо. Выполнено оно специально с определенными прорезями световой гаммы, дабы раскаты грома падали на центральную фигуру.
Четвертым этапом стала узкая кромка моря, которую почти что не видно. В ней минимальное количество синего цвета, так как работа в основном, работает с черным, и многими оттенками белого.



Сюжет

Картина показывает колесницу грозного бога Посейдона, что мчится по морю, повелевая ужасными, разрушительными по силе штормами.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-pushkin-na-beregu-chernogo-morya.html

Описание картины Айвазовского Пушкин на берегу Черного Моря

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Пушкин на берегу Черного Моря – одна из последних картин под авторством Ивана Айвазовского, написанная в 1887 году. Работа была написана для личной коллекции художника, однако, после его фактической смерти для того, чтобы покрыть часть долгов, коллекция была распродана. Картины отправились за границу, где находились в Париже. До второй мировой войны, и после нее. Но в начале существовании Российской Федерации, картина была куплена владельцами Николаевского художественного музея имени Верещагина.

История создания

Картина была написана уже в преклонном возрасте, когда Айвазовский не мог позволить себе длительные поездки. Вся работа велась в мастерской, где художник старался снова вдохнуть на холст редкие проблески жизни.
Картина имеет практическую копию, которую автор писал вместе с Репиным. Однако, та работа принадлежала им двоим, и Айвазовский не мог распоряжаться ей по своему усмотрению. Политика Российской Империи полностью заставила его пересмотреть собственные взгляды. Мужчина отгородился от социальной жизни, доверив в руки мыслителей судьбу своей страны. Сам он больше не мог участвовать в жизни общества, и стал обычным затворником для того времени.

Стиль написания



Картина представляет собой сложное нагромождение фигур, которые Айвазовский разделил на несколько этапов. Писалась работа два года, и за это время, образ Пушкина не раз изменялся по ходу рисования. При этом, сам художник в раннем возрасте уже встречался с мастером пера, и работа писалась именно на пятьдесят лет после его смерти.
Первым этапом стали горы, нарисованные по правую сторону холста. На них можно увидеть маленькую фигуру Пушкина, но акцент здесь, как и в истинном романтизме, делается на саму природу. Айвазовский как бы показывает зрителю, что нет фактической разницы, между человеком, и другим человеком тоже. Стихия все равно переживает их всех, и так будет всегда.
Второй этап – это море и небо. Вся работа выполнена мутно, словно наступил вечер. Выбирается техника двойного наложения масла. Перед тем, как сушить картину, и лакировать ее, работа несколько раз обрабатывается акрилом. Только после этого наносится легкий слой лака, с минимальным добавлением спирта.

Сюжет

Картина показывает Пушкина, что, стоя на утесе, в последний раз видит свое любимое море. Больше, он никогда уже не вернется в эти края.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-perehod-evreev-cherez-krasnoe-more.html

Описание картины Айвазовского Переход евреев через Красное море

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Переход евреев через Красное море – работа Айвазовского, написанная в 1891 году. Самая нетипичная картина, когда-либо созданная данным художником. Является первым философским полотном, после которого, художник больше не создавал подобные проекты. Картина была создана на заре эпох, и представляет собой известный библейский сюжет, помещенный в новую оболочку.

История создания

Айвазовский на старости лет перестал создавать рисовать известные работы на морскую тематику. Больше ни одна галерея не старалась приобрести его картины. И чтобы не умереть с голода, мужчина начал заниматься любимым делом, просто занимаясь творчеством для души.

Жена автора давно старалась увлечь мужа религией. Религиозная тематика не приживалась в голове Айвазовского, так как ни одного попа в своей жизни они терпеть не мог. Но под старости лет, художник решил прочесть Библию. До этого момента, он не читал ни одну книгу, так как не считал их нужными носителями информации для себя.

Картина писалась два года, и была закончена в 1891. Попутно с этим, Айвазовский выполнял частные заказы, дабы поток денег оставался неизменным.

Стиль написания



Эта сложная работа, которая выполнялась в целых шесть этапов. Зрительно, ее можно даже разделить именно на шесть зон. Сначала идет центр, море. После два плана передней части – левая, и правая. Над левой частью отдельный участок неба, который рисовался без правой. Дальше идет правая часть неба, которая находится непосредственной над евреями. Шестая часть – это задний план моря.

Первые два этапа рисовались в течение целого года. Нужно было бы достичь схожести с людьми, надев на них классическую тунику. Вся работа выполнена маслом, так что, использовался разогретый шпатель, который позволял снять издержки застывшего слоя.

Когда две части были нарисованы, рисовалась отдельно река. Шестая и третья часть рисовались вместе, но разной техникой. Для первого плана воды, использовалась толстая кисть, примерно два сантиметра толщиной. Для прорисовки второй части воды, мягкая. Требовалось показать плавный переход течения, оттенками передавая блики молнии. Все остальное рисовалось после. Работа лакировалась поверх целых три раза.

Сюжет

Показан библейский сюжет, когда евреи решили перейти через Красное море, а вражеские силы решили помешать им любой ценой. В итоге, бог решил помочь евреям, и раздвинул океан

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-ozero-madzhore-vecherom.html

Описание картины Айвазовского Озеро Маджоре вечером

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Озеро Маджоре вечером – картина, написанная в 1858 году. Работа принадлежит к циклу морских пейзажей, написанных по заказу Русского музея. Картина до революции выставлялась именно в музее, после была продана с аукциона.

История создания

Работа рисовалась в период того, как Айвазовский пробовал себя на политическом поприще. Это был короткий период, после которого мужчина попал в опалу. Российская империя не хотела видеть художника в качестве потенциального врага. По этой причине после того, как карьера художника пошла в гору, искусственным путем ее снизили, запретив галереям выставлять картины.

Сам же Айвазовский уже имел маленький опыт продажи своих работ. Только раньше он промышлял именно написанием заказов, а сейчас свои услуги надо было уже по факту предлагать и частным коллекционерам, и галереям по всему миру. Российская Империя перестала спонсировать своих мастеров, оставив на их на скудное попечение академии художеств.

Данная работа писалась один год. В течение всего времени, Айвазовский несколько раз переделывал экспозицию. Просто было решено сделать в основе все то же море, и немного переместить аспект на город, который прилегает к нему. Именно по этой причине, картина после и стала такой популярной. Хотя была быстро запрещена к показу в Российской Империи.

Работа в настоящее время находится в Эрмитаже. Куплена она была из частной коллекции венгерского коллекционера.

Стиль написания



Работа рисовалась в два этапа. Сначала. Вырисовывались мелкие объекты, такие как шлюпка с матросами, и корабль, затерянный на фоне маленьких домов. Детализировались они с помощью шпателя, который, перед этим, разогревался до трех градусов по Цельсии. Сделано это было после того, как Айвазовский постели французских мастеров, что поделились с художником данной технологией. Шпатель разогревался затем, чтобы отделять застывшие куски масло, не размазывая удачные части работы. Таким образом, можно было устранить плохие куски проделанной работы, и заменить их сразу же, на месте.

После этого, рисовался уже и передний план, и задний план. Разные цвета позволяли передать атмосферу легкой удовлетворённости, что повисла прямо над озером. Оттенки синих цветов выбраны не случайно. Айвазовский старался играться с их определением, чтобы показать, как именно может прогрессировать цвет, в зависимости от подобранной палитры.

Облака рисовались красным цветом, после чего с помощью спирта и акрила, размазывались до состояния легкого розового.

Сюжет

Картина повествует о том, как экипаж торгового каперского судна возвращается на корабль, пополнив состав провизии. Сразу же после этого, судно отправиться в запланированный путь.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-noch-na-chyornom-more.html

Описание картины Айвазовского «Ночь на Чёрном море»

Ярким примером работ условно раннего периода творчества художника Ивана Константиновича Айвазовского является картина «Черное море ночью», написанная в 1879 году. При создании картины были использованы масляные краски, которые известны своей способностью передачи фактуры. Поэтому, чтобы насладиться картиной в полной мере, лучше посетить Одесский художественный музей и насладится ей в живую.

На полотне преобладают черные оттенки и множество полутонов, когда светлые краски — только блики на водной глади, отражение огромной луны, словно хмуро наблюдающей за жизнью моря. Где-то вдали виднеется силуэт корабля, паруса которого сливаются с небом.

Айвазовский изображает бездонную пустоту, которая поглощает художественного зрителя, используя совсем небольшую цветовую палитру: черный, белый и несколько оттенков синего и зеленого. Художник экспериментирует с изображением и делает в этом эксперименте интересное открытие. По факту, он пишет черным по черному, но при этом в одних местах темнота засасывает зрителя, а в других, например на воде, преломляется и искрится.



Данный пейзаж известнейшего русского художника-мариниста предвещает и импрессионистов, и даже супрематистов. Айвазовский «открывает» энергию цвета и его самодостаточность, осознает, что, возможно, в картине важнее всего не сюжет и композиция, а сам цвет способен быть носителем эмоции и транслировать её к зрителю.

От пейзажа веет ночной прохладой и солью, спокойствием и тишиной. За счет черного цвета пространство полотна кажется бесконечным, что передает чувство от восприятия морского горизонта в жизни, когда буквально "не хватает глаз", чтобы охватить пейзаж.

На картине изображено море не в период затишья, но, несмотря на это, от картины веет умиротворением. Черная страшная бездна на полотне — это небо, в то время как море выглядит надежным и спокойным. Художник выбирает вертикальную ориентацию картины, а большую часть пространства полотна занимает небо. Используя контрастные оттенки при написании неба (луна - почти белая, когда само небо - темно-синие, близко к черному), Айвазовский добивается свечения луны. Когда после внимательного и подробного рассмотрения морской глади, затем темного неба и облаков, обращаешь свой взгляд на луну, она будто бы слепит глаза. Полотно Ивана Айвазовского показывает, насколько окружающий мир загадочен и сложен для осознания человеком и, возможно, его можно понять только имперически, через цвет и свет.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-noch-golubaya-volna.html

Описание картины Айвазовского Ночь. Голубая волна

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Ночь. Голубая волна – экспериментальная работа художника, написанная во время его отсутствия в жизни страны. Создана в 1876 году, и входит в личную коллекцию автора. Многие желали приобрести подобные творческие порывы Айвазовского, но тот до последнего отказывался продавать данные картины. После его смерти, коллекция перешла в руки родственников, и была продана частично за границу.

История создания

Картина писалась пару месяцев, и была закончена в 1876 году. Никто точно не знает, почему именно в позднем периоде Айвазовский решил уйти в романтизм, и попробовать себя в данной сфере. Есть множество теорий на данный счет, но самая разумная звучит следующим образом. После конфликта с Российской Империей, художник перестал гнаться за деньгами, и решил расти именно в качестве вольного творца, используя для данного все доступные ему ресурсы.
Так возобновились поездку по миру, но в основном точка назначения всегда оставалась неизменной. Айвазовский посещал Францию, стараясь использовать полученные навыки уже у себя дома. В этот же период времени, от него отказались старые ученики, начав вольное плавания по водам изобразительного искусства.

Стиль написания



Работа выполнялась в два этапа, и первый происходил намного дольше, чем второй. Так сам корабль, что находится ровно посередине картины, исполнен именно в детальном изображении, и разложен на цвета. Если точнее, то вся картина представляет собой именно построение вокруг корабля, и последующим переходом цветов по принципу уменьшения яркости.
Корабль рисовался с помощью тройной обработки. В мультипликации теперь используется подобный метод, но раньше он был известен именно по изобразительному искусству. Корабль разделялся на три слоя, и каждый наносился поверх предыдущего. Задача была простая – создать четкие переходы по оттенкам, чтобы уже после от них строить дальнейшее восприятие.
Когда корабль был готов, после этого вокруг начали появляться и волны, и небо. При этом, так как картина является прямой наследницей рамок романтизма, то и состоит она из незаконченных мазков, и их поверхностной обводки.
После окончания, работа пару дней покрывалась лаком, а лишние мазки обрабатывались шпателем.

Сюжет

Картина демонстрирует, как исследовательское судно стремится покорить горизонт, попутно справляясь с диким, необузданным морем.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-neapolitanskij-zaliv-v-lunnuyu-noch.html

Описание картины Айвазовского Неаполитанский залив в лунную ночь

Содержание статьи:
1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет


Неаполитанский залив в лунную ночь – картина Айвазовского, написанная в 1842 году. При этом, сам пейзаж часто использовался мастером именно в качестве тренировочной работы. Всего за свою жизнь было написано более четырнадцати аналогичных картин, но самая известная – именно 1842 года создания. При этом, сам Айвазовский не старался отнести свой тренировочный экземпляр как отдельное произведение. За него это сделали потомки.

История создания

Картина писалась в разные года, но при этом, Айвазовский старался всегда сделать ее по одному шаблону. Именно данная работа позволяла экспериментировать с тенями, и играть со светом. Цвета, кстати, выбирались только в холодном спектре, так как выполнять на его фоне картины было практически нереально. Художники долго тренировались, прежде чем выбрать для себя новые приемы изобразительного искусства. И так как Айвазовский закончил художественную академию, стажируясь во Франции, его попытка изменить саму форму картины базировалась на учении мастеров того времени.
Картина стала визитной карточкой художника, его пропуском в большой мир живописи. Так итальянские критики увидев работу, сделали для нее несколько колонок в тематических газетах той эпохи.

Стиль написания

С годами Айвазовский старался выполнять известную ему работу быстрее, но изначально, рисовалась она именно в три этапа. Сначала рисовался передний план, а именно – берег, и дома с деревьями, что находятся на нем. Так как стоят она позади света, если смотреть на картины как от вида сверху, то и детализация не требуется. Главное, чтобы отчетливо были видны именно образы предметов, а не их обработка цветом.
Второй этап – небо, и четкий образ луны, что находится прямо посередине. Нужно было провести световую линию таким образом, чтобы она не портилась при рассмотрении картины с разных сторон. Так что, края выполнены намного ярче, чем центр. И при этом, масло бликует, благодаря размашистым мазкам.
Третий этап – море, а точнее маленькая его часть. Работа не задумана именно как попытка показать океан. Он здесь всего лишь часть пейзажа, и нужен как еще один пример холодного цвета. Темно синий, разбавленный серыми оттенками, позволяет без труда передать контраст световой гаммы.

Сюжет

Наступила ночь, и луна покрыла одинокой берег. Жители ушли по домам, и только природа встречает первые лунные блики.



]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-neapolitanskij-mayak.html

Описание картины Айвазовского Неаполитанский маяк

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Сюжет
3. 3. Техника написания

Неаполитанский маяк – картина, написанная в 1842 году. Была создана на рассвете творчества Айвазовского. Его гениальность только начинали замечать, хотя многие галереи уже хотели вести более плотные дела с молодым дарованием. Сейчас картина выставляется в Венеции, около трех лет Русским музеем ведутся переговоры насчет ее покупки.

История создания

Картина создавалась с подачи частного фонда. Айвазовский должен был написать работу, связанную с играми судьбы. Перед ним стояла четкая цель, и так как автор видел многие аспекты в своей неповторимой манере, художник решил изобразить именно волнующееся море, и людей, что помещены в определенные условия. Писалась картина шесть месяцев. Айвазовский хотел произвести впечатление на заказчика, показав ему вершину своих умений. После создания, картина полностью перешла под права частного фонда. Художник получил крупное денежное вознаграждение, но пользоваться своей работой не имел никакого права.

Работа писалась в течение всего двух месяцев. Требовалось в срочном порядке передать картину галерее, чтобы получить крупный аванс. На него Айвазовский мог повезти выставляться работы в Париж, заработав там уже на дальнейшее существование.

Сюжет



Действие происходит во время ужасной бури, которая разрушила только что один корабль, и медленно подбирается к следующему. Подобное происходит только потому, что на самом деле, маяк уже давно не работает.

Техника написания

Картина рисовалась в три этапа. Выходец элитной государственной школы живописцев, хотел сделать все по науке. Были куплены специальные приспособления, что в то время помогали художникам рисовать сложные картины в несколько этапов.

Если смотреть на работу, то можно заметить, что она явно разделяется минимум на четыре графы. Для начала, рисовался сам маяк. Остальное пространство постепенно подкладывалось обычной ватной бумагой, специально предназначенной для отделения некоторых участков холста. Во вторую очередь рисовался передний план. На нем можно видеть, как человек, что терпит крушения своего судна, уже уходит под воду, и видна только голова. Подобный эффект был достигнут дополнительной обводкой волос.

После рисовался сам корабль, который идет независимо от него. Корабль выделяется сразу по трем причинам. Во-первых, рисовался он тогда благодаря нераспространенной технике использования шаблонов. Во-вторых, обводился он не маслом, как остальная картина. Сделан он из оксида акрила и марганца, что являлось для того времени экспериментальным подходом. В итоге, в дальнейших работах, Айвазовский отказался от подобной стилистики.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-napoleon-na-ostrove-svyatoj-eleny.html

Описание картины Айвазовского Наполеон на острове Святой Елены

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Наполеон на острове Святой Елены – одна из картин Айвазовского с ярко выраженным лирическим героем. При этом, как и на всех остальных работах, художник в первую очередь подмечает, насколько же человек слаб перед безумной стихией. Написана картина была в 1897 году, как раз в юбилей похода Наполеона на Россию. В то время никто уже не воспринимал образ великого военачальника как запретную тему. В умах гражданского общества он был романтической фигурой.

История создания

В честь восемьдесятпятилетие похода Наполеона, конфликт с Российской Империей ненадолго сошел на нет. Сменились люди, которые запрещали Айвазовскому выставляться в отечественных музеях. Да и запрет уже выполнялся малым количеством людей. Скорее, выставка работ мастера несла определенные риски. Но не могла повлиять на конечное решение, показывать ли работы Айвазовского, или же, нет.
Так что, сам автор не получал официальный заказ из рук властей. Но был уведомлен, что если такая работа будет создана, то ему тут же окажут всяческую поддержку, позволив даже собрать тематическую выставку по своему усмотрению. Так что, недолго думая, художник садиться за работу.

Стиль написания



Картина писалась шесть месяцев, и за все это время, Айвазовский старался вернуться к своему старому стилю. Если анализировать картину с перспективой на цвет, то на первый план снова вернулись яркие оттенки. Теплая палитра цветов превалирует над нейтральной, разбавляя окружающий пейзаж с помощью световых переходов.
Писалась работа в три этапа. На первом месте скала с фигурой Наполеона, которая специально выполнена размыто. Перспектива показана таким образом, что великий воин выставлен всего лишь как крошечная песчинка, без детализации.
Вторым этапом стало бушующее море, и волна, что вздымается над скалой. При этом, волна выполнена темнее чем море, дабы показать, какой рок висит над лирическим героем в данный момент.
Третьим этапом стало создание маленького уголка неба, на котором видны солнечные лучи. Выполнено оно намного светлее, чем остальные части картины. Но и отведен ему всего лишь маленький кусок полотна. После работа лакировалась, и ненужные куски масла размазывались по основной плоскости.



Сюжет

Картина показывает великого диктатора Европы, что по воле судьбы снова ушел на второй план. Теперь он безвольный узник, собирающийся на новую волну.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-moskva-zimoj-vid-s-vorobyovyh-gor.html

Описание картины Айвазовского Москва зимой. Вид с Воробьёвых гор

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Москва зимой. Вид с Воробьёвых гор – картина, написанная в 1872 году. Айвазовский старался открыть для себя новые тени, находясь без фактической возможности покинуть город. Российская Империя не собиралась выделять ему дополнительные гранты, так как из-за своих смелых высказываний, он уже пару лет находился в фактической опале.

Картина была создана в 1872 году. Над работой автор трудился около трех месяцев, находясь в доме своей жены на краю Москвы. В тот момент времени, город имел маленькие границы, и именно поэтому, фактически, Воробьевы горы были уже краем, на котором ничего не происходило. Многие люди использовали данные земли как место для своих дачных домиков.

Картина после была продана, и попала в частную коллекцию. Купил ее английский лорд, имя которого проследить по документам нельзя. Сейчас работа выставляется по всему миру, хотя и принадлежит одному заведению.

Стиль написания



Работа относится к периоду позднего романтизма. Когда все сюжеты были использованы, в ход пошли обычные пейзажи, дотянутые до определения романтизма искусственным путем. Несмотря на возраст, и уже некие навыки работы, картина рисовалась в три этапа. Визуально ее стоит разделить на мелкие объекты, передний план, и задний план.

В качестве мелких объектов выступает дом, и люди, которые едут на санях. Рисовались они не сразу. Айвазовский сначала старался сделать первый набросок, чтобы проверить, как именно у него получается прорисовывать мелкие объекты перед ним.

Детализация выполнялась благодаря мелким линиям. Шпателем по слою масла делались маленькие заточки, которые после уже фактически выводились в осознанные контуры. Во вторую очередь рисовался передний план. Выполнен он был всего за один месяц, так как Айвазовский решил не прорисовывать блеск снега по второму разу.

В третью очередь уже рисовалось небо, которое становилось центральным в данном полотне. Картина была нарисована за период в четыре месяца, после которого еще две недели она лакировалась. Айвазовский часто прибегал к данной методике, но всегда успевал сделать ее по всем рамкам закона.

Сюжет

Картина повествует о жизни маленького поселка, находящегося недалеко от Москвы. Дело происходит на закате, и путники, что целый день ехали на санях, только сходят с них, дабы пройти в дом, и разместиться на отдых.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-lunnaya-noch-v-krymu-gurzuf.html

Описание картины Айвазовского Лунная ночь в Крыму. Гурзуф.

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Лунная ночь в Крыму. Гурзуф. – ранняя работа Айвазовского, выполненная во время его турецкого путешествия. Тогда лично власти страны оплатили ему поездку, но часть работ должна была остаться у приглашающей стороны. Айвазовский принял правила игры, и отправился с личными помощниками покорять столицу Турции. Но до посещения Стамбула, художник посетил также дальние рубежи, отражая увиденное на холсте.

История создания

Картина писалась в 1839 году. Тогда еще молодой художник нравился публике, а его работы считались общественным достоянием. Выставки дрались за право показывать его новую картину. По мнению большинства биографов художника, в тот момент времени, любая картина могла продаться с рук. Проблемы начались уже тогда, когда переполненный рынок отказывался принимать старые работы.
Приехав в Турцию, Айвазовский имел готовые наброски. Работа над ними велась в свободное время автора, но все еще с помощью предоставленных ему ресурсов. В мемуарах самого художника сказано, что турецкая компания была его самым счастливым периодом в жизни. Когда как творец, он не имел четких рамок, и обозначенных границ.

Стиль написания



Писалась работа в четыре этапа, и была закончена только к концу всей поездки. При этом, Айвазовский четко знал, как именно будет выглядеть его финальная картина, и не менял даже самой маленькой детали во время своих личных зарисовок. С чем именно была связана подобная уверенность в конечной работе, сказать сложно. Многие склоняются ко мнению, что молодой автора пока что еще не умел жестоко анализировать собственные картины, и на волне славы считал их произведением искусства.
Первым этапом стало создание переднего плана. Если визуально начертить дугу, именно в нее впишется берег, на котором расположены едва заметные тени. Вторым этапом стало создание неба, и рисовалось оно более восьми месяцев. Художник долгое время не мог подобрать цвета для обрисовки ночного неба, и старался экспериментировать со цветом.
Третьим этапом стало создание маленькой кромки моря. Но именно она и задает световую гамму всей остальной картине. Четвертый этап – далекие скалы, что блекнут вдалеке.

Сюжет

Картина показывает вечер на берегу моря. Жители празднуют конец торговой сделки, но торжество уже медленно сходит на нет. Затухают огни, вдалеке виднеются оставшиеся на ночлеге суда.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-lunnaya-noch-na-kapri.html

Описание картины Айвазовского "Лунная ночь на Капри"

Иван Константинович Айвазовский - один из самых известных художников-маринистов и баталистов. Его живопись удивительна тем, что на каждой его картине море индивидуально. Если сравнивать его с художниками-портретистами, которые заключают эмоции и характеры в черты лица, в особенности глаза героев своих картин, то для Айвазовского главное то, что для большинства является лишь фоном. Он пишет природу, подходя к ней, словно к человеческому лицу. Айвазовский наделяет каждый пейзаж своим характером и особенностью, настроением и чертами.

Существует миф, что Айвазовский не видел море. Это, конечно, не так. Он много времени прожил рядом с морем, но, действительно, картины он писал не с натуры, а по памяти, в маленькой мастерской в Феодосии, иногда спустя несколько десятков лет после того, как был свидетелем изображаемой сцены. Италия, Швейцария, Германия - художник много путешествовал и не просто видел море, а видел моря разные и холодные, и южные.

Полотно "Лунная ночь на Капри" была создана в 1841 году. Она принадлежит к совсем раннему, еще романтическому периоду творчества художника. В это время Айвазовский использовал яркие оттенки, насыщенные цвета. Картины Айвазовского проникнуты трепетом перед мощью стихий. Художник и любуется, и преклоняется той силе, которой обладает природа. Даже изображая тихую спокойную ночь на море, используя мягкие линии и глубокие цвета, он передает величие морских просторов. Несмотря на то, что на картине изображено несколько людей и кораблей, от нее веет одиночеством. Плавные и нежные линии собираются в лунную дорожку, судно и лодки с моряками, скучающими по дому, а на фоне - возвышается силуэт суши. В самом центре полотна - громадная луна, освещающая одинокий путь путешественников.



Основные оттенки, которые использует Айвазовский - это глубокий синий, теплый желтый и белый. Используя такую небольшую палитру, художник решает достаточно сложную изобразительную задачу - он пишет лунную ночь на море, что предполагает сочетание переливов света и глубоких темных оттенков. И главное, нельзя допустить, чтобы вторые поглотили первое, что удается Айвазовскому.

Смотря на картину, художественный зритель одновременно ощущает тоску и умиротворение, а также трепетное ожидание утра. "Лунная ночь на Капри" - многосюжетная картина, что необычно для творческого стиля Айвазовского. Кем являются герои картины? Может быть, они разбойники или простые рыбаки, и может их судно только что потерпело крушение, они ждут помощи.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-lunnaya-noch-na-bosfore.html

Описание картины Айвазовского Лунная ночь на Босфоре

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Сюжет
3. 3. Техника написания

Лунная ночь на Босфоре – картина, написанная в 1874 году. Создает в сложный период жизни художника. Практически, не было денег на содержание семьи. Приходилось подрабатывать частным репетитором, стараясь свести концы с концами. Государство поддерживать гения не собиралось. Айвазовский пал в немилость, за свои неосторожные высказывания насчет политики Российской Империи.

История создания

Работа создавалась в трудное время. Чтобы купить краски, приходилось отказывать в поддержании имиджа. Вся прислуга ушла. Осталась только кухарка, и извозчик. Именно из-за нехватки денег и выбраны подобные реалии новой работы. Выбраны темные цвета, так как темные оттенки красок стоили намного меньше денег, чем остальные аналоги.

Работа писалась в течение всего двух месяцев. Требовалось в срочном порядке передать картину галерее, чтобы получить крупный аванс. На него Айвазовский мог повезти выставляться работы в Париж, заработав там уже на дальнейшее существование.

Сюжет



Картина повествует о ночи, проведенной в проливе Босфор торговыми судами. Было опасно оставлять суда в других местах, так что выбирались узкие проходы, и торговая флотилия вставала в них практически в плотную. Часто между кораблями бросались крепления, и суда становились одним большим плавучим домом. Мелкие корабли, не связанные с другими, становились рядом. Так было намного безопасней, чем ночевать одним в торговом море.

Образ матросов, дрейфующих на обломках, художник рисовал пару месяцев. Картина была нарисована за год и три недели, после чего покрыта лаком, и сдана посланнику императора. Торжественное открытие состоялось в Петергофском дворце.

Техника написания

Из-за отсутствия средств, картина выполнена в мягких тонах. Для работы использовались неясные оттенки, специально отобранные по холодной цветовой гамме. Рисовались картины топорно, кистями средней жесткости. Гуашью поверх наносились легкие морские блики. Чтобы картина казалось размытой, приходилось обмакивать специальную кисть в масло, покрывая неясные тона поверх несколько раз.

Сначала рисовалась нижняя часть картины. Сложные объекты выводились вручную, каждая фигура занимала несколько недель. Спустя месяц, были нарисованы их лучшие варианты. Дабы уложиться в срок, с помощью акрила была создана некая неточность линий. Верх работы рисовался в последнюю очередь. Именно поэтому со стороны он кажется словно незаконченным, хотя данное может быть легко задумкой самого Айвазовского. Солнце вписывалось в солнечный след на воде уже по факту его создания.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-lunnaya-dorozhka.html

Описание картины Айвазовского Лунная дорожка

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Лунная дорожка – картина Айвазовского, написанная не в лучший период его жизни. Морская тематика постепенно начала сходить на нет, вынося творчество художника на второй план. Мир встал на пороге перехода на иной вид искусства. В жизни рядового жителя российской империи превалировать начала именно литература.

История создания

Айвазовский много лет старался создать собственную галерею, уговаривая правительство спонсировать данный проект. Без его помощи, художник не смог бы ни снять помещение нужных размеров, ни обеспечить работам должную охрану. Так уж вышло, что в то время, влияние молодого дарование достигло определенной высокой отметки, а после только начало падать.

Тем же временем, создается другая частная инициатива, что принимает государственный характер. Русский музей начал существовать как раз в начале творчества автора, и идти против него было сложно. Российская Империя уже потратила множество рублей на его создание, и, поддерживать инициативу Айвазовского, конечно, могло. Но не было смысла создавать конкуренцию на ровном месте. Было не так много картин, и художники только начинали знакомиться с частными выставками.

Стиль написания



Картина писалась, в итоге, для частной коллекции Айвазовского. Покупать ее не хотел ни один музей, так что, работа писалась в замедленном темпе. Вся картина делится на три этапа. Первым послужил облик корабля на первом плане, и шлюпка с матросами, что собираются вернуться домой. Корабль трижды менял свои привычные очертания, так как, нарисовать его сразу же было сложно. На данный этап, художник потратил около трех месяцев. Но, в течение этого промежутка времени, делались перерывы.

Вторым этапом стало море, и гора по левую часть картины. Выполнялась она размашистой техникой, что позволяет нанести поверх слоев несколько новых оттенков. Третий этап – небо, и заодно размещение луны таким образом, чтобы она совпала с финальным бликом, и следом лучей. Вся картина была закончена за шесть месяцев, но еще три недели были потрачены на последующее лакирование работы.

Для написания оставшихся деталей, был выбран обычный стиль. Кисточка была выбрана жесткая, 0.7 миллиметров.

Сюжет

Картина показывает обычную сцену поднятия на борт команды моряков, под покровом ночи закончивших все свои дела на берегу. Собираются они в обратный путь под свет луны.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-lazorevyj-grot-neapol.html

Описание картины Айвазовского Лазоревый грот. Неаполь

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Лазоревый грот. Неаполь – картина, написанная в 1841 году. Создавалась еще почти что никому не известным художником, который старался показать вершину своего фактического мастерства. Работа была тепло принята критикой, и заставила обратить внимание на молодое дарование. Хотя, в то время, морские пейзажи казались еще чем-то далеким, чем-то странным для обывателя.

История создания

Так как в 1841 году Айвазовский еще не знал, что именно он будет рисовать всю оставшуюся жизнь, выбор падал на проторённую тему морских пейзажей. Как раз развивался флот в Российской Империи, и общество было готово принимать искусство, напрямую связанное с ним.

Писалась картина в течение целого года. Айвазовский старался прорабатывать тему детально, специально детализируя даже самые незначительные объекты. В последствии, он откажется от подобной методики. Увеличится спрос на картины автора, и придется рисовать уже в определенном темпе.

Картина была продана с аукциона. Приобрело ее сначала российское патриотическое общество, которое существовало на частные финансы промышленных магнатов. Когда общество распалось, все его имущество было отдано с лотка. А после работа начала ходить по частным коллекциям, пока не попала в Донецкий Национальный музей.

Стиль написания



Работа выполнялась в три этапа. Сначала рисовались своды скалы, так как именно от них напрямую зависели, как дальше будет развиваться композиция. Нужно было заранее, планируя сделать перепады света, отобразить игру бликов. При этом, сразу продумывая, как именно влияет свет на каменный массив грота. В итоге, были выбраны плавные, струящиеся переходы цвета. Цветовая гамма варьируется от более мягких, до более холодных цветов.

После рисовались уже фигуры людей в лодке, и их правая часть, уже вышедшая на берег. Из-за того, что по задумке свет не падает на мужчин, они кажутся черными тенями, без четких контуров. Подобный стиль прорисовки был выбран намерено.

Только потом Айвазовский дорисовывал море. Из-за того, что в картине всего лишь тридцать процентов морских вод, ее нельзя отнести ни к одному циклу автора, связанному именно с океаном.

Сюжет

В картине показано, как представители священного культа стараются под покровом ночи, произвести запрещенному свадьбу в гроте, находящимся недалеко от города. Если их поймают, то убьют по причине предательства в тот же момент.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-korabl-sredi-burnogo-morya.html

Описание картины Айвазовского «Корабль среди бурного моря»

На картине, написанной в 1887 году художником-маринистом Иваном Константиновичем Айвазовским, изображен накренившийся под натиском разбушевавшихся волн корабль. На ветру трепещет флаг, за ненужностью спущены паруса, что передает обреченное настроение пассажиров судна. Слева от него — спасательная шлюпка, полная людей, которые спешат покинут тонущий корабль. Судно окружено заостренными волнами, о которые, кажется, можно порезаться, а вода вокруг корабля — черная.

На полотне присутствуют и живые представители природы — три чайки, летящие то ли от, то ли к кораблю. Людей и птиц художник изображает схематично, лишь обозначая основные черты, в отношении людей — силуэты. Легко различим раскрас крыльев чаек, но направление их полета определить трудно. Видны плечи и головы пассажиров, даже при внимательном рассмотрении цвета их одежды, но лиц не видно совсем. Из той информации, которую предоставляет Айвазовский художественному зрителю, сложно составить полную историю происходящего. Кто эти люди? Может, обычные моряки, занимающиеся ловлей рыбы, а может, путешественники-первооткрыватели.



Сюжет картины заключен не в человеческие судьбы. Во время внимательного анализа картины приходит осознание того, что корабль, занимающий, как кажется с первого взгляда, центральное место на полотне (это также подтверждает название), на самом деле является частью фона, в то время как на первом плане расположена подробно прописанная, полная энергии и жизни, голубая волна. Она светится своей прозрачностью и поражает оттенком голубого, ярко контрастирует с мутноватой зеленой водой в глубине картины. Для Айвазовского море — что-то игривое, неуловимое и, несмотря на свою разрушающую силу, беспорочное. В том, как по-разному художник изображает море, выражается его любовь к нему, любовь к любым проявлениям стихии. Он старательно вырисовывает и белоснежные прожилки голубой волны на переднем плане, и не забывает о мутных линиях темно-зеленого моря. Горизонт на полотне очень неспокойный; он сливается с небом, переходит в облака, делая море и небо единой субстанцией.

Кажется, будто все силы природы объединились против одинокого корабля: страшное небо, опасные волны, и, кажется, даже чайки насмехаются над его несчастьем. Корабль преклоняется перед стихией и печально, словно белым флагом, «машет» обрывком паруса. Художник, изображая море на пике стихии, восхищается его силой и необузданностью.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-chernoe-more.html

Описание картины Айвазовского Черное море

«Черное море» или «На Черном море начинает разыгрываться буря» — картина, написанная Иваном Айвазовским в 1881 году. На полотне изображено пока что тихое море, поверхность которого будоражат еще небольшие, но уже темные волны. На морской глади уже заворачиваются гребни, море выглядит неспокойным, но пока безопасным.

Айвазовский делит полотно на две контрастные по цветовой палитре части — небо и воду. Таким образом художник передает ощущение тревожности и смуты, которое возникает на пороге стихийного бедствия, иными словами — затишье перед бурей. Небо заволокло серыми тучами, в центре — еще светлый горизонт. Вдалеке виднеется маленький корабль, который еще не знает, с чем ему предстоит встретиться. Слева от него — размытые черты суши. Облака на небе и волны повторяют рисунок друг друга.

Мысленно полотно также можно разделить вертикально на две части. Левая часть — плотные темные оттенки, уже хмурое небо, холодный сильный ветер, бушующие темные волны и маленький одинокий корабль, плывущий на верную гибель; правая — светлые и легкие цвета, голубое небо и слегка неспокойное, зелено-синее море. Серо-голубой цвет облаков левой части переходит в правой в белый с примесью сиреневого. В центре неба находится будто бы вытолкнутое из левой части светлое пространство, продолжение которого отходит линией вправо и сужается к краю полотна.



Для изображения воды Айвазовский использует непривычные оттенки синего, углубляя цвет и приближая его к черному, добавляя в некоторых местах серый для того, чтобы передать мутную текстуру поверхности неспокойных вод. Приглушенные цвета воды и штормовых облаков перемежается просветами в районе горизонта. Такого светящегося эффекта Айвазовский добивается с помощью сведения глубоких темных, почти черных красок с чисто белыми.

Образ матросов, дрейфующих на обломках, художник рисовал пару месяцев. Картина была нарисована за год и три недели, после чего покрыта лаком, и сдана посланнику императора. Торжественное открытие состоялось в Петергофском дворце.

Художник погружает художественного зрителя в состояние беспокойства, обволакивая его темными водами Черного моря. Полотно передает состояние одиночества и покинутости перед лицом стихии, беспощадной мощи, неуправляемой силой природных явлений или исторических событий. Айвазовский рассказывает историю торжества материи над человеком, изображая его беспомощность и смертность. Так художник через свой любимый сюжет заставляет зрителя рассуждать о своей роли в мироздании, осознавать насколько мало человечество и его роль в отношении не то чтобы космоса, а даже привычного нам моря.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-burya-na-more-nochyu.html

Описание картины Айвазовского Буря на море ночью

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Буря на море ночью – картина, написанная в 1849 году. Работа писалась вместе с другими картинами автора, но ее Айвазовский, после создания, оставил в личной коллекции. Где они и хранилась до момента его фактической смерти, так и не попав ни в одну частную коллекцию, и ни в один музей.

История создания

Картина писалась во время путешествия Айвазовского по Турции. Пока художнику предоставляли дополнительные привилегии, мужчина старался без труда пользоваться ими, создавая иные работы для личного пользования. Никто не проверял, как именно он проводить свои свободные минуты. И не существовало даже приблизительно похожих договоров, которые прописывали бы, что мужчина должен работать только над одной картиной.
Работа после была взята с собой, так как, вовремя обострение взаимоотношений Турции и России, было решено на всякий случай покинуть страну. Айвазовский не хотел стать политическим заложником, ибо, в те времена подобное практиковалось с закрытыми глазами.
После приезда в Москву, картина была несколько раз выставлена в частных галереях, но Айвазовский так и не продал ее. После второй мировой войны, картина вернулась в родную страну.

Стиль написания



Картина писалась всего в два этапа. Сначала был создан корабль, который должен быть встать в центр картины. Было решено выполнить его в темных тонах, хотя, и вся остальная картина копировала бы данный стиль. Айвазовский планировал сыграть на разных оттенках темного, чтобы показать всю палитру холодной гаммы. Для этого использовались кисточка в 0.5 миллиметров, с форсированной щетиной.
Вторым этапом стало написание остального фона. Небо и море соединились в одно целое, показав кругообразное гнездо. Обрисовка волн происходила благодаря белой краске, слегка разбавленной перламутром. Из-за этого появляется настоящий эффект, что волны словно существуют сразу в нескольких реальностях, объемы растекаясь по холсту.
Солнце еле проглядывает из-за облаков, и бросает только маленький след на воду. Но нельзя понять, солнце ли это, или же, луна. Не совсем понятно, и именно в это и была финальная задумка Айвазовского как творца.

Сюжет

Картина показывает, как один одинокий корабль попал прямо в шторм. Все время он старался остаться на плаву, и видно, как уже сложены паруса, дабы не сломались мачты. Показалось солнце, возможно, это конец битвы со стихией.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-burnoe-more-nochyu.html

Описание картины Айвазовского Бурное море ночью

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Бурное море ночью – одна из известных работ Ивана Айвазовского, выполненная по заказу географического общества Российской Империи. Сразу же после своего создания, из-за личных проблем художника, работа долгое время выставлялась под чужим псевдонимом. Приписывали ее ученикам мастера, но, когда отношения власти и творца окончательно испортились, картина вернулась в личную коллекцию Айвазовского. Перед его смертью работа была продана во Францию, где выставлялась в личной коллекции.

История создания

Картина писалась на протяжении ровно трех лет, по понятной причине. Айвазовский долгое время работал за границей, и не мог просто так существовать во временных рамках крайних сроков. Все работы приходилось либо переносить на определенный временной отрезок, либо не брать их вовсе. Именно по этой причине, уже после своего фактического создания, картина могла не продаться большому зрителю. И публика постепенно принимала конфликт власти и художника, как верную смерть второго. Ибо, в плане творчества, идти против мнения правителя творцы пока что не умели.
Работа после своего создания долгое время считалась истинным образцом проблем человека перед силами моря. Но когда стало известно, кто именно ее написал, так трактовать картину перестали.

Стиль написания



Картина создавалась в два этапа, но многие исследователями приняли на вооружение иную точку зрения. Так доподлинно неизвестно, когда именно Айвазовский работал над своим проектом. А поэтому, говорить со всей уверенностью, что картина писалась именно в два этапа, нельзя. Так что, по одной точке зрения, все-таки работа создавалась длительное время, из-за проблем с заказами, и делалась в два этапа. С другой же, художник написал ее всего за год, и выполнял единым слоем.
В любом случае, вся работа специально не прорисовывалась, и выполнялась с уклоном именно в романтизм. Но корабль выполнялся в сдвоенной технике. Сначала рисовался образ только из холодных тонов, а после стирался, посредством затирания белого цвета. И уже после, прямо по оставшемуся контуру наносились новые очертания.
После картина разбавлялась серым оттенком, и лакировалась.

Сюжет

Картина показывает потерянный в море корабль, что яростно пытается справиться с непогодой. Но вода уже проникла в трюм, и собственная тяжесть тянет его на дно. Через несколько часов корабль утонет.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-brig-merkurij-atakovannyj-dvumya-tureckimi-korablyami.html

Опиcание картины Бриг Меркурий атакованный двумя турецкими кораблями

Картина Ивана Айвазовского «Бриг Меркурий, атакованный двумя турецкими кораблями» была написана за девять лет до смерти великого русского художника-баталиста и мариниста. Во время написания этого полотна, Айвазовский обращается к изображению эпизода отечественной истории. В далеком 1829 году, в ходе одной из многочисленных русско-турецких войн, во время патруля пролива Босфор русский бриг "Меркурий" оказался вынужден вступить в бой с нервными противниками - большими и быстроходными кораблями турецкой эскадры. Несмотря на то, что силы были неравные, российский корабль одержал победу. На картине не изображено ни единой живой души. Мы не видим ни моряков, ни их командиров, но, тем не менее, картина Айвазовского не оставляет художественного зрителя равнодушным к происходящему.

Когда предметом картин Ивана Айвазовского становится батальная сцена, с полотна исчезает мягкость. Даже изображая бури и крушения кораблей, художник тонко и подробно вырисовывает морскую гладь, не жалея сил и времени на оттенки и переливы, отражения и искры воды. Обычно, главный герой картин Ивана Айвазовского — это море в самых ярких и свободных его проявлениях: бури, шторма.

На картине «Бриг „Меркурий“, атакованный двумя турецкими кораблями» море — это поле сражения, а не объект восхищения и любования. Вода изображена достаточно (именно для кисти Айвазовского) однотонно, словно это не взволнованное кораблями море, а лёд. Главными героями картины на этот раз становятся три корабля, а не морские просторы. Морская гладь кажется чем-то жестким и суровым, а не необъятной стихией.



Эстетика картины приближена уже не к романтизму, а к реализму — нет буйства природы и необычных оттенков, которые присущи некоторым более ранним работам художника. На полотне, наоборот, преобладают четкие линии, детальное изображение кораблей и даже холодность подачи происходящего. Иван Айвазовский подает происходящее правдиво, не приукрашивая события. Размеры кораблей реальны, художник не играет с чувством гордости художественного зрителя. Полотно изображает неравный бой таким, каким он был в реальности — маленький корабль против сильнейших противников. Иван Айвазовский интересно работает с эмоцией зрителя. Он не заставляет его чувствовать что-то определенное (гордость, жалость, стыд), а в реалистичной манере изображает события, предлагая зрителю рассуждать самому.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-bodryashhaya-volna.html

Описание картины Айвазовского Бодрящая волна

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Стиль написания
3. 3. Сюжет

Бодрящая волна – картина, написанная в 1890 году. Создавалась картина спонтанно, в последние годы жизни автора. Ставка делалась на старую, выверенную темпу. В картине чувствуется влияние школы прерафаэлитов, которые старались без труда создать нечто новое, идя новыми тропами. Айвазовский частично использовал стиль написания Моне, стараясь подражать его наигранной размытости.

История создания

Работа писалась в период шести месяцев, но целый месяц посередине Айвазовский забросил работу. Картина создавалась для личной коллекции автора, так как уже галереи не имели фактический спрос на данного художника. В моду вошли новые имена, и чтобы продолжать делать выручку, нужно было меняться, ради новых тенденций.

Сам же Айвазовский уже имел маленький опыт продажи своих работ. Только раньше он промышлял именно написанием заказов, а сейчас свои услуги надо было уже по факту предлагать и частным коллекционерам, и галереям по всему миру. Российская Империя перестала спонсировать своих мастеров, оставив на их на скудное попечение академии художеств.

По итогу, картина была продана в Австрию, а после стала путешествовать по разным странам, в качестве экспоната выставок.

Стиль написания



Картина нарисована полностью маслом, и только одна часть картины имеет иное покрытие. Рисовалась она в два этапа. Сначала рисовались первые блики волн, помещенные в правый угол на переднем плане. Рисовались они с использованием туши, разбавленной воском. Подобная техника только появилась в мире, но, как и остальные веянья художником, прожила она всего лишь пару лет. Благодаря ей волны как будто блестят на солнце. Хотя подобная смесь со временем блекнет, оставляя эффект напечатанной картины. После уже рисовалось все остальное. Единым слоем наносились и образы корабля, и очертания волн.

Шпателем аккуратно выводились неровности, чтобы предать волнам самобытный вид. Когда работа была закончена, дабы сохранить яркость красок, поверх масла наносился лак. Использовалась обычная смесь, без добавлений спирта. Именно благодаря лакированию, картина до сих пор смотрится так, словно была написана всего пару дней назад.

Сюжет

Сюжетом тут выступает философическая идея, что все мы в жизни корабли, всего лишь плывущие по волнам. Если смотреть на дневники Айвазовского, то он специально старался вынести за скобки именно данную мысль. Все остальное волновало его в последнюю очередь.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/opisanie-kartiny-amerikanskie-suda-u-skaly-gibraltara.html

Описание картины Айвазовского "Американские суда у скалы Гибралтара"

Несколько лет назад самой дорогой картиной известного русского мариниста Ивана Константиновича Айвазовского было полотно "Американские суда у скалы Гибралтара", написанная маслом в 1873 году. Перед художественным зрителем закатное небо и разбушевавшееся море. Светло голубые волны вздымаются брызгами, поднимая на себе суда, переворачивая их.

Беспомощными перед лицом стихии выглядят люди в лодке в правом нижнем углу картины. Небо залито ярким оранжевым светом закатного солнца, вдалеке виднеются очертания скалы.

Айвазовский представляет художественному зрителю момент «кульминации» борьбы американских судов и стихии. Он передает ощущение на грани жизни и смерти с помощью яркого, почти неестественного цвета неба. Море художник на этой картине не делает страшным и беспощадным чудовищем. В его изображении нет темных плотных оттенков, наоборот, Айвазовский выбирает светло-голубой цвет. Вода выглядит легкой и прозрачной, совсем неопасной. За кораблями виднеется розоватый силуэт скалы Гибралтара. Горизонт не представляет собой четкую линию, разделяющую небо и море, он размыт, это место, где две совершенно разные (что выражено в совершенно разных цветах) стихии, сливаются, переходят одна в другую.



Три судна выстроены по отношению друг к другу в форме треугольника. Такое расположение объектов на картине создает впечатление воронки, которая вот-вот поглотить корабли и лодку.

Интересно, что эту картину Иван Айвазовский писал не с натуры, а по памяти, спустя тридцать лет после того, как произошли изображенные события. Он был их свидетелем. Но на полотне художник старается не документально зафиксировать увиденный три десятка лет назад эпизод, а передать эмоцию, испытанную в тот момент. Больше всего внимания художник придает переливам света, неоднородности закатного неба. Полотно "Американские суда у скалы Гибралтара" является ярким примером, иллюстрирующим творческие особенности великого мариниста. Главным Айвазовский считал изображение природных случайностей. Он говорил (и, в общем-то, сложно оспорить его слова), что невозможно написать с натуры такие природные явления, как грозу, порыв ветра или всплеск волны. По его мнению, художник должен запоминать их и, воспроизводя, располагать на холсте случайно, как диктует ему чувство. Важно, что метод работы Ивана Айвазовского предсказывает течение в живописи, которое появится на несколько лет позже и получит название импрессионизм.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/morskoj-pejzazh-s-oblomkami-korablya-pod-lunnym-svetom.html

Описание картины Айвазовского "Морской пейзаж с обломками корабля под лунным светом"

На каждом полотне известного художника-мариниста Ивана Константиновича Айвазовского море особенно. Где-то оно нежное и мягкое, где-то прекрасно в проявлении гнева. На картине «Морской пейзаж с обломками корабля под лунным светом», написанной маслом в 1863 году, художник изображает морской берег ночью. На небе повисла большая желтая луна, края которой разобрать трудно - настолько ярок исходящий от нее свет. По небу плывут обрывки темных облаков, которые, кажется, вот-вот осядут на землю, превратившись в туман. Море, местами освещенное луной, в середине — совсем черное, и в этой темноте художественный зритель видит силуэт обломков небольшого корабля. Справа на берегу видны очертания группы людей, один из которых указывает на то, что раньше было морским судном. Видимо, корабль совсем недавно потерпел крушение, и море его прибило к берегу, к земле, на которой его не ждали. А где-то далеко, возможно, родственники потерпевших крушение путешественников, ожидают прибытия судна на пустом берегу. Особенностью картины «Морской пейзаж с обломками корабля под лунным светом» является то, что художник не использует разнообразную цветовую палитру и довольствуется достаточно скромным набором цветов. На картине мы видим разные оттенки желтого и коричневого, а также серого и черного. Это не многосюжетная картина, она представляет только один эпизод — то, как обломки корабля пристали к берегу.

Айвазовский делит полотно на две контрастные по цветовой палитре части — небо и воду. Таким образом художник передает ощущение тревожности и смуты, которое возникает на пороге стихийного бедствия, иными словами — затишье перед бурей. Небо заволокло серыми тучами, в центре — еще светлый горизонт. Вдалеке виднеется маленький корабль, который еще не знает, с чем ему предстоит встретиться. Слева от него — размытые черты суши. Облака на небе и волны повторяют рисунок друг друга.



Для Айвазовского главное в живописи не то, что он изображает, а как он это делает. Так и на этом пейзаже на передний план выходит не судьба разбившегося корабля, а ночной морской пейзаж. Главное на полотне — переливы луны, отражение её от морской глади, глубина беззвездного ночного неба, освещенного луной и покрытого облаками. Море на данном полотне спокойное, не считая совсем небольших волн.

Изображая человеческую трагедию на фоне морского пейзажа, Иван Айвазовский предлагает художественному зрителю порассуждать о быстротечности жизни и хрупкости человеческого существа. И снова, Иван Айвазовский демонстрирует свое мастерство изображения величия природы. Он представляет вечный пейзаж, сталкивая его с человеческой трагедией — крушением корабля. Небо и луна, изображенные на полотне, поражают своей реалистичностью и красотой. От картины веет спокойствием и вечностью, величием окружающего мира, ощущением быстротечности человеческой жизни.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/chesmenskij-boj.html

Описание картины Айвазовского Чесменский бой

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Особенности картины
3. 3. Стиль написания

Картина Ивана Айвазовского «Чесменский бой» была создана в 1868 году. Является единственным полотном, описывающим события Чесменского Боя. За написание полотна художник был удостоен Екатерининского ордена. Картина включена в список «Топ 200 лучших картин» по мнению журнала Maxim.

История создания

Идея пришла в голову Айвазовскому после путешествия, сделанному им в 1866 году. Художник провел весь год в путешествиях вместе со своей женой, Анной. Впервые творец наткнулся на даты сражения, после решил изучить вопрос лично. По приказу императора художнику были предоставлены данные из архива. Был приставлен личный слуга, в чьи обязанности входило следить за работой художника.

Картину планировалось сдать ко дню морского флота. В стране начинались милитаристическая политика, и желание Айвазовского написать картину про Чесменский бой были приняты на ура. После ее сдачи, художник получил денежное вознаграждение, и был приставлен к популярному на тот момент ордену.

Особенности картины



Работа рисовалась в два этапа. Основным элементом выступило масло. Сначала были созданы очертания кораблей. Было важно сохранить их структуру, исторически верно изобразив вид. На данном этапе работа перерисовалась двенадцать раз. Айвазовский не мог точно запечатлеть состояние мачт, и крайне переживал по данному поводу. После формировался фон. Огонь, и поднимающееся к небу пламя художник сумел запечатлеть сразу.

Образ матросов, дрейфующих на обломках, художник рисовал пару месяцев. Картина была нарисована за год и три недели, после чего покрыта лаком, и сдана посланнику императора. Торжественное открытие состоялось в Петергофском дворце.

Стиль написания

Картина написана короткими мазками, кисть проворачивается на пару сантиметров влево. Используется основание наконечника, когда как средняя часть не идет в ход. Поэтому создается ощущение аккуратных мазков, без избыточного нанесения красок. Образ кораблей выравнен с помощью скребка, прямые линии проглаживались стапелем.

Лакировка происходила в два этапа. Сначала эмульсия наносилась на корабли, использовалась смесь с нулевым количеством оксида водорода. Остальная часть обрабатывалась жидкостью с трех процентной разбавкой, чтобы фон выглядел естественно, без наслоения мазков кисти.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/ajvazovskij/devyatyj-val.html

Картина Айвазовского Девятый вал – песнь мужеству человека

Содержание статьи:

1. 1. Описание знаменитой картины
2. 2. Колористика картины

Иван Константинович Айвазовский – автор классических пейзажей, передающий человечеству на своих полотнах красоту морской стихии. Свои пейзажи он всегда начинал писать с неба. Сияние небесного светила было настолько ярким, что однажды его заподозрили в том, что за картиной художник поместил пылающую свечу, озаряющую полотно изнутри.

Описание знаменитой картины



К написанию будущего шедевра живописца сподвигла сильнейшая буря, невольной жертвой которой он оказался в 1844 году в Бискайском заливе. Судно, на котором среди пассажиров находился Айвазовский, попало в чудовищный шторм. Местные газеты успели опубликовать трагическую новость о гибели художника, но случилось чудо – через несколько дней после шторма судно с пассажирами вернулось в родной порт.

На картине изображено утро, наступившее после бурной ночи. Отблески недавно проснувшегося светила озаряют бурлящий океан и огромную волну, называемую «девятый вал». Она вот-вот обрушится на группу людей, ищущих спасения от стихии на обломках корабельных мачт.

Изображение рассвета очень яркое, поэтому при первом взгляде на картину не сразу заметны силуэты уцелевших мужчин на мачте. Их всего пятеро! Если учесть тот факт, что обычно корабельная команда составлялась в количестве не менее 100 человек, то зритель ощущает весь ужас случившейся трагедии.

Четверо мужчин, уцелевших после крушения и одетых в восточные одежды, удерживаются за обломок мачты разбитого страшными волнами корабля. Пятый пассажир пытается взобраться на мачту из бушующей воды, ухватившись за своего товарища, который еле удерживается на ней. Не исключено, что океан заберет жизнь обоих людей, несмотря на их мольбы о спасении. Трое других всячески поддерживают друг друга, дабы не соскользнуть с хлипкого корабельного останка. Они не теряют надежды на спасение даже при ежеминутных угрозах обрушивающихся на них огромных волн.



Колористика картины

Общий цветовой фон полотна «Девятый вал» потрясающий: плавные переходы цветов настолько завораживают зрителя, что он не всегда может определить грань, где начинается морской простор и заканчивается небо.

Первые солнечные лучи проходят через клубящиеся туманные облака, отсюда небо приобретает розовато-фиолетовый оттенок. Оно занимает большую часть картины, облака же указаны в левой стороне холста, справа они покрыты дымкой.

Волны в нижней части произведения четкие и спокойные. Издали они кажутся зелеными, но если присмотреться к ним ближе, то видно, что их высокие гребни сверкают и переливаются всеми радужными оттенками. Отблеск игры света на воде показан синим цветом в левом нижнем углу картины.

Величие и мощь картины «Девятый вал» - это олицетворение человеческого мужества. Стоит лишь представить себя в центре бушующей стихии и тут же приходит осознание собственной слабости и беззащитности в этом мире, а беды, терзающие душу, ничтожны по сравнению с разрушающей силой воды.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/stili/romantizm-v-zhivopisi.html

Романтизм в живописи XVII-XIX вв.

Содержание статьи:

1. 1. Россия
2. 2. Франция
3. 3. Англия
4. 4. Америка
5. 5.Художники направления

Романтизм – вид живописи, возникший в конце восемнадцатого века. В центре картин выступал человек, поставленный в рамки сильной, независимой природы. Все время шло противопоставление, кто именно сильнее в плане эмоционального порыва – личность, с многогранной возможностью осмыслять происходящее, или природа, чей монолитный образ сложно побороть.

Так как романтизм нужно смотреть в купе нескольких ключевых стран, что повлияли на его становление как жанра, нужно рассмотреть следующие точки на карте:

Росиия

Романтизм в Российской Империи начался раньше остальных стран. Так уж вышло, что сначала в данном направлении работала литература, после уже развилась и живопись.

Приход к романтизму был обусловлен патриотическими настроениями после победы в отечественной войне 1812 года. И хотя основные средства тратились на реставрацию Москвы, в других городах расцветало искусство. Появились первые частные коллекции, которые могли выставляться в других странах. В России появляется такое понятие, как спонсорство и меценатство. Благодаря ним у художников появляется шанс писать работы, не отвлекаясь на коммерческие заказы.



Открывается Русский музей. Уже спустя пять лет в нем будут показано ключевые работы романтизма, которые признаны во всем мире. Стоит выделить следующие имена художников, сделавших данное направление в России культовым. Это Кипренский, и Брюллов. Последний день Помпеи - венец русского романтизма, где в центре стоит человек, зависимый от природы. Кипренский в основном писал портреты, подчеркивая формы лица. Благодаря его работам впервые романтизм представляется как эмоция, присущая разным людям. Считается, что именно он положил начало школе портретистов в стране.



Франция

Долгое время страна функционировала только по одним законам. Стабильность была присуще даже искусству, которое медленно, но, верно, умирало под гнетом старых догм. После великой французской революции новая кровь начала занимать ключевые посты как в политической жизни, так и в жизни творческой.

В основном французский романтизм не ставил перед собой никаких целей. Он был противопоставлением классицизму, и в первую очередь художники старались высмеять данное направление. Только потом появилась ненависть к старому режиму, и желание выехать за счет оппозиционных настроений. Появляются первые попытки осмыслить революцию, понять, что именно повлияло на ее итог.

Так как обычный гражданин стал частью, и основным звеном революции, в живопись приходят люди практически с улицы. У них нет специального образования, и все свои попытки они делают в слепую. Так как галереи отказываются принимать работу новичков, создаются первые выставки под открытым небом. Общественные заведения начинают покупать картины, выставляя их для своих клиентов.

Теодор Жерико, Эжен Делакруа – вот два имени, которые обозначают расцвет французского романтизма. Жерико был из богатого рода, так что после революции его семья могла лишиться своих богатств. Теодор шел против толпы, выставляя рядового аристократа как часть мира, который может потерять Франция. Из всех его работ можно выделить – «Раненый кирасир», «Плот Медузы», «Фландерский кузнец».

Делакруа не закончил императорскую академию, примкнув к восстаниям народа. Его картины можно считать законченным манифестом поколения, а после осмыслением содеянного. Из всех работ выделяются – «Резня на Хиосе», «Правосудие Траяна». В центре стоит человек, захваченный страстями общества.



Англия

Так как писали в основном буржуа, их мировоззрение стало культовым для обычного человека. В центре английского романтизма стоит природа, где человеку попросту нет места. На первое место выходят романтические пейзажи, которые отлично пишут два мастера.Джон Констебл и Джон Милле.

Констебл существовал в парадигме превосходства дворянства над простым рабочим. Природа выступала как короли, когда как случайный человек в ее царстве был простым смертным. Особенно это заметно на картинах «Телега для сена» и «Пляж в Брайтоне и угольщики».

Работы выполнены в ярких цветах, но образы крестьян и рабочих обрисованы грубыми мазками. Они выделяются на общем фоне, так как художник преследовал именно эту цель.

В центре же картин Миллеса стоит обычный человек, который старается поднять до уровня природы. Все работы выполнены сухим почерком, где только изредка масло превалирует над акварелью. Из работ стоит выделить – «Последний рейс корабля отважный», Улисс насмехается над Полифемом, «Ганнибал, пересекающий Альпы в метель» . Все три работы ставят во главу человека, лишь от него строя дальнейшую композицию. Остальная картина даже в пересечении линий продолжается от этого образа.

Америка

Американский романтизм – это набор образов, которые оседали после заселение разных слоев общества. Пришельцы из других миров приносили с собой искусство, от которого никто пока что не зависел духовно

Страна только формировалась, и художники были ей не так нужны, как ремесленники, или банкиры. Основная идея романтизма сошла с освещения знаковых событий, которые происходили со страной. Лишь позже течение получит иные проявления, но они уже будут преследовать иные цели, чем ранние работы прерафаэлитов.



«Смерть генерала Монтгомери в Квебеке» - картина Джона Трамбулла, выполненная в темных тонах. В центре находится военная баталия, которая не может закончится по многим причинам. Даже небо серчает на бой, и вся, работа выполнена редкими мазками кисточки, с минимальной обводкой гуашью.

«Договор между мистером Пенном и американскими индейцами» - картина Бенджамина Уэста, который старался изобразить процесс обмена максимально честно. Индейцы не понимают, что белые люди от них хотят, и какую силу будет иметь их подпись на документе. Лица белых людей специально растянуты, чтобы показать их некий дьяволизм во плоти. Картина выполнена в размытых тонах, но фигуры индейцев прописаны детально, в плоть до мускулатуры тела.

Художники направления

• 

  Айвазовский И.К.

• 

  Карл Брюллов

• 

  Орест Кипренский

• 

  Теодор Жерико

• 

  Эжен Делакруа

• 

  Джон Трамбулл

• 

  Уильям Тёрнер

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/religioznyj-zhanr-zhivopisi.html

Религиозный жанр живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Религиозная живопись – вид живописи, полностью основанный на Библии. Есть несколько критериев отбора, которые определяют религиозный жанр как картину. Во-первых, любое художественное произведение на библейскую тему, считает религиозным. Во-вторых, картины, поклоняющиеся напрямую богу, или, показывающие религиозные поклонения в большинстве своем. В третьих, работа определенных верований, адепты которой решили нарисовать художественную картину.

Создание жанра

Религиозный жанр появился в древнем Египте, и с той поры, постепенно вживлялся искусственным путем в жизнь человека. Для этого были практические предпосылки, о которых стоит сказать отдельно. Античное общество строилось по простой формуле. На вершине власти находилась единоличная фигура – царь, фараон, король. Он был посланником бога на земле, и только бог мог снять правителя с его должности, или же, даровать приемника. И так как церковь постоянно боролась с вертикалью власти нести слово божье, иногда конечно, религия и власть работали сообща, то требовались доказать, что именно церковь является истинным наследником во плоти. Для этого, и использовались картины, на создание которых тратились огромные средства.



Средний период

Со временем по мере того, как менялось и общество, и церковь, религиозная живопись стала иной. Художественные приемы остались теми же, и на качество производимых картин перемены не повлияли. Изменилась идеология работ. Если раньше, бог показывался грозным отцом всего народа людского, то теперь господь выступал в качестве строгого, но мудрого правителя земли, который помогает людям как в сложный момент, так и каждый божий день.

Настоящее время

Сейчас религиозная живопись уже не стоит на первом месте, и церковь, как и художники, лишь иногда прибегают к ней. Пропали мастера написания икон, да и, картины данной тематики появляются очень редко. Религиозная живопись потерпела изменения, несколько раз меняя свое наполнение. Техника написания работ никогда не менялась, и всегда оставалась такой же, как и в средний период. Лишь дважды за всю историю религиозного жанра поменялись оговоренные оттенки. От пастельно холодных цветов, до теплых, умеренно ярких.

Религиозный жанр переместился в иную плоскость. Сейчас им заменяет религиозная печатная атрибутика, произвести которую легче, чем картины.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/portret.html

Портрет в живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники жанра

Портрет – жанр живописи, целью которого является прямое сохранение пропорций лица, и их дальнейшего переноса на холст. Основная задача – сохранить образ конкретного взятого человека, или конкретной группы людей.

Создание жанра

Портреты появились еще в древности, когда только сформировалась наскальная живопись. Правда, в то время, не существовало классического разделения на стилистические особенности разных школ, а значит, многие люди могли без труда выбрать себе определенный набор критериев, и рисовать именно по ним. Портрет как раз относится к тому промежутку, и именно с него начинается прямой отсчет этого вида искусства.

Портретом считается набор конкретных законов, без которых, жанр не может существовать в принципе. Во-первых, основная задача нарисовать антропоморфные формы лица индивида. Если потрет напоминает другое существо, но не человека, это называется мистификацией, или же, сюрреализмом. Портрет может существовать только в классическом стиле, и все остальное, переосмысление, но не фактического продолжение образа.

Во-вторых, портрет должен иметь конкретную трехцветную гамму. Как правило, превалируют холодные цвета. Но иногда, из этого правила бывают фактические исключения.



Средний период

Во время средневековья, портреты высокого ценились обществом. Так портрет стал писаться иначе, и жанр эволюционировал. На первое место вышло фактическое желание запечатлеть роскошь человека, с которого портрет и писался. Лицо рисовалось за пару часов, художник сидел напротив модели. После, вся остальная часть картины могла быть закончена в любой промежуток времени, и именно поэтому старались выделить, детализировать формы одежды, и украшения из драгоценных камней на них.

Настоящее время

Сейчас, при создании фотографии, и ее большом развитии в современном мире, фотография как искусство переняло фактические жанры художников. Потрет потерпел изменения, и стал выглядеть как стандартное селфи. Картины вышли из моды, и даже сама форма написания работ изменилась. Так как в основу всех заказов сейчас лежит скорость их выполнения, убранство портрета деградировало до нескольких удобных форм. Фотография же принимается вместо написанных от руки портретов, и селфи считается на данном этапе идеальной формой, правда, без практического содержания.

Художники жанра

• 

  Карл Брюллов

• 

  Орест Кипренский

• 

  Джон Трамбулл

• 

  Бенджамин Уэст

• 

  Питер Пауль Рубенс

• 

  Пьер Огюст Ренуар

• 

  Эдгар Дега

• 

  Константин Коровин

• 

  Валентин Серов

• 

  Клод Моне

• 

  Эдуард Мане

• 

  Рафаэль Санти

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/pejzazh.html

Пейзаж в живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники жанра

Пейзаж – жанр живописи, перед которым стоят две простые задачи. Передать убранство конкретно взятой экспозиции, и перенести ее посредством красок на холст. Или же, показать человека на фоне природы, или подчеркнув стилистические особенности жанра, выставив природу в центр картины, а человека указать как малозначимый образ. Или же, подправить жанр, придав ему уже фактическую форму. Пейзаж может перекочевать в романтизм , стоит только сделать человека в центре, и добавить на холст фактические переживания.

Создание жанра

Пейзаж появился еще с древних времен, когда доисторические люди только открывали наскальную живопись. Тогда жанр живописи имел ритуальные свойства, и существовал только затем, чтобы пещерные люди, нарисовав, как они забивают антилопу, или же, убивают мамонта, поверив в свои силы шли выполнять предначертанное. Все найденные наскальные рисунки свидетельствуют только о том, что живопись в то время считалась подарком свыше, и не воспринималась пещерными людьми как искусство. Мозг человека не отвечал параметрам, требуемым для осознания самого смысла данного слова. Уже потом, после эволюции приматов, и появления более развитых существ, искусство, как и живопись, смогла заинтересовать некоторых личностей.



Средний период

Во время развития жанра, нужно выделить три его новые формы. Пейзаж сумел стать отдельным видом искусства, так как, разные нации по-своему понимали, как именно стоит относиться к пейзажу, и как использовать его для своих нехитрых целей. На первое место выходят японцы, которые сумели сделать из пейзажа фактическим орнамент. Благодаря ему, появились известные японские ширмы, где пейзаж использует как пазл, которым украшают декоративные тканевые заграждения. Русские князья просили художников рисовать им боевые победы, и так зародились первые гобелены, а вместе с ними, и гобеленное мастерство.

Настоящее время

Сейчас пейзаж изменился после того, как фотография заняла место нарисованной картинки. Если поверить в то, что постепенно, фотография вытеснит художников, и фотографы займут их фактическое место, то можно проследить, как пейзаж изменился с приходом камер. Появилась панорама – жанр фотографии, когда сразу захватывается огромное пространство, посредством проводки камеры на несколько слайдов сразу.



Художники жанра

• 

  Джон Констебл

• 

  Уильям Тёрнер

• 

  Питер Пауль Рубенс

• 

  Пьер Огюст Ренуар

• 

  Константин Коровин

• 

  Валентин Серов

• 

  Эдвард Сигоу

• 

  Клод Моне

• 

  Камиль Писсарро

• 

  Оскар Кокошка

• 

  Жорж Брак

• 

  Эдуард Мане

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/natyurmort.html

Натюрморт в живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники жанра

Натюрморт – жанр живописи, возникший в средневековье. Работает по конкретным признакам, и критериям отбора. Для того, чтобы натюрморт фактически являлся таким, нужно, чтобы картина содержала от трех и до пяти различных объектов, которые нужно детализировать на высшем уровне. Количество объектов может меняться, но их финальный объем не должен превышать пять штук.

Создание жанра

Натюрморт появился в шестом веке, когда китайские художники старались изобразить изобретения своих соотечественников. Нужно было составить картинку, благодаря которой изобретение можно было бы продать, или же, перевезти в другую провинцию. Так как половина китайцев, на тот момент времени, была необразованная, посредством картинок нужно было показать, что именно предлагают приобрести.

После, натюрморт стал меняться, в зависимости от того, куда перевозились картинки с первой рекламой, нарисованной в истории от руки. Видя картину, художники старались изобразить натюрморт, но вносили в него фактические изменения. Первый человек, который пытался нарисовать боковой натюрморт, жил в седьмом веке, и жил на берегах Полинезии. Сохранились только обрывки его работы, но было понятно, что уже тогда, художники ходили вокруг создания теории золотого сечения, и старались применить ее даже на данный вид живописи.



Средний период

Во время средневековья, художники много экспериментировали именно с данным жанром живописи, так как, и для начинающих мастеров, и для опытных творцов пера, натюрморт оставался самым доступным. Впервые произошла попытка изменить цветовую гамму, и добавить в нее новые очертания. Если раньше вся система написания картин базировалась на восьми цветах, то сейчас было решено добавлять в старые краски новые красители, что породило достаточно нелепые, но весьма красивые оттенки.

Настоящее время

Сейчас натюрморт практически не используется. Причина простая – жанр развился, и сумел показать весь заложенный в него потенциал. Даже от перестановки слагаемых все равно нельзя вынести новые стороны старого жанра, так как, никто не старается рисовать именно его. Конечно, начинающие художники нередко учатся понимать пропорции именно благодаря натюрморту, но ни для чего более этот жанр не нужен. Золотое время пришлось именно на середину его фактического существования.



Художники жанра

• 

  Эжен Делакруа

• 

  Пьер Огюст Ренуар

• 

  Константин Коровин

• 

  Клод Моне

• 

  Жорж Брак

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/mifologicheskij-zhanr-zhivopisi.html

Мифологический жанр живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Мифологический жанр – жанр живописи, при котором изображаются сюжеты легенд, образы мифологических героев. Есть несколько критериев, по которым работает данный жанр изобразительного искусства. Во-первых, нужно понимать, что в основу мифологии входит огромное количество легенд. И совмещать их никто не запрещает, однако, художники выработали следующий подход к картинам. Никогда нельзя мешать несколько мифологий сразу же, нужно выбирать конкретный сюжет, максимально детализируя его, и показывая конкретные эпизоды из основной истории. Во-вторых, всегда должны превалировать яркие, горячие цвета, используя только два цвета теплого спектра – желтый, и белый.

Создание жанра

Появился мифологический жанр во врем феодальной эпохи, когда людей интересовала религиозность, а вместе с ней, обитала и мифология. Частично, многие аспекты и анимализма, вместе с пейзажем также наблюдаются в качестве базовых надстроек мифологического жанра изобразительного искусства. При этом, как жанр, кроме заданных стандартных параметров, никаких сторонних эволюций не происходило. Произошли наоборот, частичные упрощения жанра. Так было решено перестать обрисовывать модели животных и людей, таким образом, их края регулировались уже на стадии лакирования.



Средний период

Мифологический жанр постепенно менялся, так как, появлялись новые сюжеты, и нужно было успевать за ними. Так старые легенды сошли на них, а вместо них пришли уже истории, по типу Гофмановских сказок, или же, произведений Гоголя. И сразу же с ростом интереса к литературе, поднялся спрос на подобные картины. Художники очень быстро смекнули, куда дует ветер, и постепенно перестали рисовать виверн или драконов, забыв их в прошлом.

Настоящее время

Сейчас мифологический жанр стал обычными комиксами. Так как именно данный вид искусства совпадает по всем фактическим критериям отбора, то именно его и стали использовать художники, в качестве выдуманных легенд, выдуманных историй.

Мифологический жанр потерпел множество изменений, и теперь, никто практически не задумывается, чем же он стал. Комиксы же, или, графические романы, также рассказываются выдуманные истории, и так же используются только горячие цвета для своей реализации. В будущем, возможно, мифологический жанр как определение исчезнет, но пока что, комиксы еще дают ему новую жизнь.



]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/marina.html

Марина в живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники жанра

Марина – разновидность пейзажа, которая возникла на рубеже веков. Является переосмыслением жанра живописи, и его первым подвидом. Есть определенные критерии, без которых, марина сразу же становится обычным пейзажем, и перестает принадлежать к иному жанру. Нужно, чтобы на картине обязательно находилась морская сцена, или сцена боевых сражений, но опять же на море.

Создание жанра

Марины появились в конце тринадцатого века, когда викинги впервые изобразили сражение с другим кланом, пришедшим с севера. В то время, Мариной называлась одна ладья, которая находилась прямиком на картине. После, когда другие викинги решили повторить успехи изобразительного искусства своего собрата, все последующие работы стали называться Мариной, так как, подобное название позволяло сразу перевести беседу на конкретное русло.

В то время, никаких критериев марины не было. Викинги не знали, что такое пейзаж, и использовали простой принцип – рисуем то, что видим. Объекты не детализировались, и не обводились по второму слою. Из-за консистенции красок Марины были размыты, и не могли держаться долго по времени. Только после их научились покрывать первым лаком, а точнее, смесью из подсушенного вина, и водорослей.



Средний период

После появились первые художники маринисты, которые постепенно сумели поднять жанр на определенный уровень. Самый яркий пример – Айвазовский. Художник, который старался писать только марины, и сумел набить при их производстве руку. К сожалению, рамки между мариной и пейзажем крайне размыты. И как только ты начинаешь писать картину, нужно сразу же понять, как их можно сконцентрировать именно на том проекте, который нужен тебе.

Настоящее время

Сейчас марина умерла, и многие люди даже не знают, что такой жанр живописи когда-то существовал. Так как бои на море перестали выглядеть красиво, и чаще всего, корабли используются только для переброски других видов вооружения, отпала в них и фактическая нужда. Сейчас марину пишут редко, и то, чаще всего, ее называют просто пейзажем. Так произошло со многими подвидами многих крупных жанров. Как и в случае с романтизмом, некоторые вещи просто не прижились в новом времени, и от них было решено отказаться. Фотографии же моря существуют и на данном этапе. Только, уже этот вид искусства не пытается отделить их в иную плоскость, и использовать уже в этом качестве.



Художники жанра

• 

  Айвазовский И.К.

• 

  Уильям Тёрнер

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/istoricheskij-zhanr.html

Исторический жанр в живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники жанра

Исторический жанр – жанр живописи, описывающий бои, крупные сражения, как со стороны стороннего наблюдателя, так и в качестве непосредственного участника прошедших действий. Основные критерии точного вхождения определенны по времени. Битва, нарисованная на картине, может происходить в любой срок, не обязательно, чтобы существовали четкие рамки между временем написания работы, и временем, изображенным на ней. Так же важно выделить, что необходима точная детализация поля боя, иначе, картина не может принадлежать к историческому жанру в полной мере.

Создание жанра

Первые картины исторического жанра, появились на рубеже античности, когда впервые появился общественный заказ на подобные работы. Писались они, как правило, пару лет, и платили за их производство различные государства, существующие в то время. Доподлинно известно, что римляне рисовали каждую свою победу над древними племенами, изображая их в качестве фресок. После падения римской империи, многие работы не пережили время, и не дошли до нас. Только по обломкам можно восстановить, какие именно картины создавались тогда, и почему мастера брали за свою работу низкий порог финансовой помощи.



Средний период

Во время средневековья, жанр потерпел изменения. Теперь можно было рисовать и известных военных лидеров, что принимают решения в шатре, но не показывать именно оружие, и его детализацию. Подобная картины все равно принадлежали к историческому жанру, и могли также использоваться в качестве пропаганды военной мощи, как и другие работы. Впервые исторический жанр стал продаваться на рынке. Многие покупали картины, чтобы показать уже в своих землях, кто именно достоин внимание из всех вооруженных королевств.

Настоящее время

Сейчас исторический жанр остался, правда, его заменила военная хроника. Если смотреть именно в стезю художников, то крайне редко можно заметить, чтобы известные картины изображали именно бои, или же, кровавые жатвы. Последние такие картины существовали во время войны во Вьетнаме, и использовались как агитационные материалы для соединенных штатов Америки. Именно смотря на подобные картинки, тиражированные на огромное количество экземпляров, люди стремились идти воевать, забывая про здравый смысл. Исторический жанр остается по сей день, показывая, как и ужасы войны, так и ее темные стороны.



Художники жанра

• 

  Айвазовский И.К.

• 

  Карл Брюллов

• 

  Теодор Жерико

• 

  Эжен Делакруа

• 

  Джон Трамбулл

• 

  Бенджамин Уэст

• 

  Уильям Тёрнер

• 

  Питер Пауль Рубенс

• 

  Рафаэль Санти

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/dekorativnaya-zhivopis.html

Декоративная живопись

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Декоративная живопись – жанр изобразительного искусства, возникший со времен древнего Египта. С латинского decoro – украшать, преобразовывать. Декоративная живопись выполняла роль украшения домов, и долгое время, считалась частью архитектуры. У картин, созданных оглядываясь на данный жанр живописи, одна фактическая задача – показывать различные визуальные формы искусства, выставляя их на первое место.

Создание жанра

Декоративная живопись появилась во время античного периода. Поначалу выполняла роль украшения дома, или же, его парадных стен. По этой причине, многие художники взяли на вооружение именно яркие формы, изображая их с особой визуальной вычурностью.

На первое место вышли круги, иногда использовались конусовидные трапеции. Совмещая эти геометрические фигуры, художники получали интересные решения, и уже работали вместе с ними над дальнейшим устройством стены. Использовали прямые линии, искривляя их по принципу двойного сечения. Можно вытянуть визуально два пальца, и именного их ширина лежит в сгибе линии, при этом, в какую бы сторону они не сгибались.



Средний период

Но во время средневековой эпохи, декоративная живопись потерпела изменения. Художники перестали получать прямые заказы на украшение домов, и поэтому, многие решили перенести умение делать вычурные формы из ярких цветов на холст.

Теперь жанр живописи дополнился новыми геометрическими фигурами. Добавились прямоугольники, и резаные квадраты. С помощью них начали появляться первые экспериментальные формы изобразительного искусства, а уже после, жанр создал собственные подвиды – кубизм, факсидовские линии – жанр живописи, при котором использовались только резаные формы, никогда не доведенные до конца.

Настоящее время

Сейчас декоративная живопись снова и снова переживает перемены. Пикассо, Малевич, Хьсютон – великие художники, навсегда сделавшие данный жанр особым скоплением нескончаемого потока идей. Резанные линии вошли в моду, хотя, художники играют не только с ними. Теперь меняется и форма, и цвет, так как именно эксперименты привели жанра к новым изменениям, и будут делать это снова и снова. Правда, современники не всегда понимают, стоит ли обращать внимание на данные перемены в жанре. И скорее всего, декоративная живопись будет и дальше развиваться по своему сценарию, и никто не будет понимать, по какому именно.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/bytovoj-zhanr-zhivopisi.html

Бытовой жанр живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Бытовой жанр – жанр живописи, показывающий быт отдельно взятой социальной группы лиц. Кроме этого, никаких больше четких критериев нет. Многие сюжеты подходят под данное описание, и многие художники пишут картины, используя именно данный жанр как основной вектор развития личных умений.

Создание жанра

Хотя многие специалисты считают, что бытовой жанр в живописи появился опять же в наскальная время, сформировался он именно в феодальную эпоху. И хотя наскальная живопись тоже включала рисунки дома, костра, и даже женщины, но именно первые критерии бытового жанра появились во время феодального строя. Так уж вышло, что феодальный строй отдавал все богатства иерархии, по которой и распределялись решения. Так уж вышло, что обычны человек не получал никаких благ, и жил в бедности. Именно социальный подтекст и охарактеризовал первые картины бытового жанра, и, страннее всего-то, что именно монахи, религиозные деятели могли изобразить такие картины, а после, не пострадать по факту их создания. Только у церкви была львиная доля власти, чтобы сражаться с королями, которым работы эти не нравились.



Средний период

Расцвет бытового жанра живописи пришелся на Новое время, когда люди постепенно начали поднимать голову, и делать первые попытки самостоятельной реализации в своем государстве. С ростом демократии поднималась и заинтересованность в бытовом жанре, так как, социальный подтекст вышел на первое место. Если раньше художники старались изобразить именно перемены в характерах, показанные через быт человека, или же, конкретной семьи, в конкретной стране в определенный промежуток времени, то сейчас старались вытащить именно проблемы общества, на примере одной социальной ячейке. Рост демократии позволил совершиться такой перемене, а после, именно так и начал развиваться бытовой жанр.

Настоящее время

В двадцать первом веке бытовой жанр никуда не ушел. И хотя роль художников медленно сошла на нет, на их место пришли фотографы, которые продолжили делать социально значимые бытовые проекты. Жанр долговечен, так как, пока не будет достигнута практическая утопия, и будет существовать хотя бы маленькая, но заметная социальная разница в доходах и расходах, люди будут стараться обращаться внимание на бытовой жанр, смотря на него, как на зеркало. Бытовой жанр не менялся уже пару веков, и таким образом, и идет дальше по времени.



]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/batalnaya-zhivopis.html

Батальная живопись

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время
4. 4. Художники жанра

Батальонный жанр – подвид исторического , созданные в конце шестнадцатого века. В основном жанр использовался для описания крупных баталий, и существовал ровно затем, чтобы показать размах военной мысли. У жанра были собственные критерии отбора. Во-первых, в центре обязательно должно находится масштабное сражение. Во-вторых, баталии должны иметь панорамный вид. В-третьих, необходимо изобразить битву, со всеми существующими на тот момент времени ландшафтными изменениями.

Создание жанра

В конце шестнадцатого века, первая работа, которая относится к батальонной живописи, появилась в Китае. Называлась она «Битва на реке Воже», и уже тогда задала основные параметры для данного жанра живописи. А именно, ландшафтные изменения, и количество одновременно существующих на картине солдат, или же, воинов.

Но так уж вышло, что рисовать баталии было крайне трудно. Одна картина могла создаваться около пяти лет, а за это время, художник мог написать несколько других работ, и или же продать их с лотка, или, использовать для личной коллекции. Так что, писались картины жанра баталий только на заказ.



Средний период

Жанр постепенно угасал, так как, менялись традиции военного дела. Если раньше война велась именно благодаря количеству воинов, и тактика вместе со стратегией имели только косметический эффект, то сейчас именно качество солдат, и их умения, вышли на первый уровень.

Батальонный жанр живописи медленно сходил на нет. Яркие работы, которые меняли развитие жанра, или же, придавали ему иной вектор, постепенно исчезали. «Бородинская битва» - последняя крупная панорамная баталия под авторством Рубо, которая, стала единственным глотком свежего воздуха для всех художников того времени.

Настоящее время

Сейчас жанр живописи баталии не используется, и канул в лету. Из-за того, что война стала вестись по другим правилам, умер и жанр, что описывал ее. Основной расцвет пришелся на 17-18 век, когда состоялись крупные сражения, но после, уже в 19 веке, появлялись только переделки старых работ, на которых художники тренировали свое конечное мастерство.

Подвид умер, но исторический жанр живописи используется и по сей день. На мести баталиям пришли панорамные хроники, и скорее всего, именно они и взяли на себя функцию умершего жанра живописи, о котором забыли люди двадцать первого века.



Художники жанра

• 

  Айвазовский И.К.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/arhitektura.html

Архитектура в живописи

Содержание статьи:

1. 1. Создание жанра
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Архитектура – жанр живописи, сформировавшийся только к четырнадцатому веку. Все это время, конечно, существовали фактические изображения домов, но все они принадлежали к другой категории используемых компонентов. Критерии именно архитектуры появились только к началу пятнадцатого века, хотя все-таки, первые работы датированы именно четырнадцатым.

Чтобы картины принадлежала к жанру живописи архитектура, она должна содержать, как минимум, четыре стороны одного дома, где архитектурные излишки обособлены, и со стороны смотрятся органично. Обычные чертежные схемы также принадлежать к архитектуре, и чертить их научились только к середине пятнадцатого века.Чтобы картины принадлежала к жанру живописи архитектура, она должна содержать, как минимум, четыре стороны одного дома, где архитектурные излишки обособлены, и со стороны смотрятся органично. Обычные чертежные схемы также принадлежать к архитектуре, и чертить их научились только к середине пятнадцатого века.

Создание жанра

Создание архитектурного жанра живописи приурочено к первым крупным строительствам, или, как их еще называют, стройкам века. Начинают создавать многоуровневые соборы, и крайне сложно заметить, как на самом деле это не выбивается из общей картинки. Чертежи рисовались от руки, с помощью первых специализированных устройств, созданных для черчения. А именно – циркуль, линейка, и мерный угол. В дальнейшем, многие будут спорить, когда именно создавались эти устройства. Но точной даты, или же, конкретного упоминания в найденных документах так и не найдено по сей день.



Средний период

В последующие пару веков, архитектура как жанр живописи потерпела несущественные изменения. Первая ее форма постепенно сошла на нет, и использовалась крайне редко. Людям нравилось видеть дома только в форме одного из компонента картины, но смотреть на нее как на центральную фигуру, готовы были не все. Чертежи же стали развиваться дальше. Многие стали использовать несколько форм финальной работы, где появились новые способы изучения объекта. В ход идет изометрия – вид сбоку, где объект предстает повернутым на триста шестьдесят градусов влево.

Настоящее время

В настоящее время, остались только чертежи. Но зато, они как жанр живописи Архитектура, получили максимальное развитие. Есть специализированные программы, в которых можно создавать, как и объемные чертежи, сразу же смотря со стороны, как будет выглядеть ваш объект, так и объемы очертания именно зданий, чтобы проследить, где в них есть входы и выходы, где спрятаны иные, тайные комнаты. Именно благодаря чертежам здания двадцать первого века стоят крепко, словно сделаны на века.

]]> https://wpainting.ru https://wpainting.ru/zhanry/animalizm.html

Анимализм в живописи

Содержание статьи:

1. 1. История создания
2. 2. Средний период
3. 3. Настоящее время

Анимализм – жанр живописи, ставящий на первое место животных. Основная задача жанра, показать, какие именно формы может принять определенно взятый зверь, помещенный на картину. Анимализм является подвидом пейзажа, созданный в доисторический период. Считается, что именно наскальная живопись, давшая жизнь многим жанрам, является основной анимализма. Первой формой, как принято говорить в сообществе художников.

Создание жанра

Анимализм возник в доисторическую эпоху, когда многие не до конца понимали, как именно существует искусство, и что оно из себя представляет. Первая картина, написанная в жанре анимализм, считается пиренейская фреска, на которой изображена охота древнего племени на стаю оленей. Уже тогда появились четкие грани, что такое анимализм, и как его можно использовать. Выделяются особые формы животных, которые специально рисовали гипертрофированными. Чтобы увеличить победу, принесенную племенем. Также можно заметить, что впервые появилась наскальная живопись в движении. Животные бегали, и уже в те времена, видна попытка использовать переход линий для решения возникших проблем.



Средний период

В средние века менялась форма анимализма, и происходили его изменения. Если раньше животных рассматривали как отдельный предмет, то сейчас, стали играть уже с их пропорциями. Старались показать изображение с невиданной ранее стороны, порой, используя даже сюрреализм для данных целей. Впервые стали использовать сухие линии, не доводя обводку. Детализация пропала, появились новые виды животных. На жанр напрямую виляло изучение мира, так как, новые виды сразу же переносились на холст, и уже там подвергались фактическим изменениям.

Настоящее время

В настоящем времени анимализм не умер, а продолжает развиваться. Появился измененный анимализм – жанр живописи, когда у одного животного есть явные черты других обитателей фауны. Еще раньше подобная техника была популярна у средневековых художников. Именно анимализм стал основной для таких существ, как грифон, мантикора, или же, сфинкс.

Анимализм сейчас также перешел в разряд поп искусства, так как, из-за простоты формы, очень легко менять ее содержание. Известные пример – четыре коня Энди Уорхола, картина, на которой изображен конь. Но изменена цветовая гамма, и четыре раза она дублируется на соседнее пространство.

]]>